Cinema e Argumento

Melhores de 2017 – Trilha Sonora

La La Land: Cantando Estações trata predominantemente sobre uma relação amorosa, mas tão importante quanto ela é o fato do filme dirigido por Damien Chazelle ser um filme sobre música. Isso eleva a trilha sonora a um outro patamar: assim como as canções interpretadas pelos atores compõem a narrativa da história, a parte instrumental assinada por Justin Hurwitz é peça fundamental na construção de identidade do musical. Memoráveis, as composições acompanham, com delicadeza, criatividade e encantamento, os altos e baixos do casal principal, que compreendem juntos que sonho e realidade são dois lados da mesma moeda. A homenagem ao jazz é clara, mas se tem algo que a trilha de La La Land faz de forma magnífica, assim como o filme, é unir o clássico ao contemporâneo sem jamais perder o afeto e a ternura, sempre ecoando ao fim de cada revisão. Ainda disputavam a categoriaBom Comportamento, A Criada, Dunkirk e Moonlight: Sob a Luz do Luar.

EM ANOS ANTERIORES: 2016 – Carol | 2015 – Sicario: Terra de Ninguém | 2014 – Ela | 2013 – Gravidade | 2012 – Tão Forte e Tão Perto | 2011 – A Última Estação | 2010 – Direito de Amar | 2009 – O Curioso Caso de Benjamin Button | 2008 – Desejo e Reparação| 2007 – A Rainha

“Um Lugar Silencioso”: em frente e atrás das câmeras, John Krasinski recupera o poder do silêncio

Who are we if we can’t protect them?

Direção: John Krasinski

Roteiro: Bryan Woods, John Krasinski e Scott Beck, baseado em estória de Bryan Woods e Scott Beck

Elenco: John Krasinski, Emily Blunt, Millicent Simmonds, Noah Jupe, Leon Russom, Cade Woodward

A Quiet Place, EUA, 2018, Suspense/Terror, 90 minutos

Sinopse: Em uma fazenda dos Estados Unidos, uma família do meio-oeste é perseguida por uma entidade fantasmagórica assustadora. Para se protegerem, eles devem permanecer em silêncio absoluto, a qualquer custo, pois o perigo é ativado pela percepção do som. (Adoro Cinema)

Quem mora em qualquer capital e, dependendo do filme, é obrigado a frequentar cinema de shopping sabe como funciona o pesadelo: conversa, risadas, celulares ligados, barulho e, muitas vezes, tudo que é tipo de comida entrando na sala de cinema. Quando se trata de filme de terror, então, pior ainda, pois esse é um gênero que o grande público costuma tratar como brincadeira, esperando, a cada cena, algum susto para, logo em seguida, soltar risada. Digo por experiência própria: Invocação do Mal 2It – A Coisa, minhas últimas experiências com o gênero na tela grande, foram péssimas, agravadas pelas próprias pessoas que compartilhavam a sala comigo. Mas aí, recuperando a esperança, chega um filme como Um Lugar Silencioso, que chuta a porta, acaba com a farra e obriga o mais inquieto dos seres humanos a não emitir qualquer som ao longo de aproximadamente 90 minutos.

O silêncio impera porque Um Lugar Silencioso basicamente não tem diálogos? Também, mas a grande sacada do ator John Krasinski (o eterno Jim Halpert, do seriado The Office) é recuperar algo que o cinema de terror, pelo menos o comercial, tem esquecido nos últimos: o poder do silêncio. Eliminando palavras, puxando o freio de mão da trilha e redimensionando a força de qualquer som inesperado em uma trama que de histriônica não tem nada, Krasinski coloca o espectador na mesma condição do personagens, demandando que você assista ao filme sem emitir qualquer som. Óbvio que esse é um movimento coletivo — se o cinema inteiro está quieto, a tendência é que você também fique —, mas com a diferença de que aqui o silêncio é componente crucial na relação com o filme, pois é como se a sua vida dependesse do silêncio tanto quanto a dos personagens no outro lado da tela.

Os vícios do gênero são passados a limpo em Um Lugar Silencioso, que abre a trama com um acontecimento trágico, já deixando um recado muito claro: o de que, dali em diante, tudo pode acontecer. Isso maximiza a tensão já inerente ao roteiro que Krasinski escreveu junto a Bryan Woods e Scott Beck, que alcança grandiosidade em questões que vão além do mero silêncio: o horror parece eminente porque, apesar do clima pós-apocalíptico, o filme é essencialmente humano e passado em uma casa abandonada com apenas quatro personagens. Há essa compreensão de quanto menor o núcleo de personagens em um filme, maiores são as chances de nos importarmos emocionalmente com eles. Mais do que um grande filme do gênero, estamos , de certa forma, diante de uma alegoria sobre como ter filhos (e não poder protegê-los) pode ser deveras aterrorizante.

Do pânico às lágrimas (acredite, o estofo dramático do filme quanto às relações familiares chega a ser comovente), Um Lugar Silencioso é tão bem construído no suspense que potencializa inclusive artifícios fáceis, a exemplo do prego que aparece onde não deveria ou de um acontecimento a longo tempo esperado e planejado que toma forma na hora mais inconveniente possível. Inclusive, é de se admirar como, mesmo em seus momentos mais gráficos (é uma antiga reclamação minha com histórias de terror: elas costumam mostrar mais do que deveriam), o longa não perde o clima e a força. Parte desse mérito vem de um apuro técnico admirável, em especial do magnífico trabalho de som e da fotografia, que, nas sequências noturnas, é de deixar os nervos à flor da pele.  

Sucesso mundial (não são nem duas semanas em cartaz e o filme já faturou dez vezes mais que o seu orçamento modesto de 17 milhões de dólares), Um Lugar Silencioso é uma vitória para todos os envolvidos: para o cinema de gênero popular, para as plateias que são relembradas do poder imersivo de filmes de terror e principalmente para todo o elenco (Krasinski, que agora tem a confiança da indústria como realizador; Emily Blunt, finalmente com um filme à altura de seu talento; Noah Jupe, que já era uma revelação no recente Extraordinário; e Millicent Simmonds, talentosa atriz surda que volta a abrir espaço para a inclusão após Sem Fôlego). É uma experiência indispensável mesmo para quem não tem relação assídua com o terror e que tem fôlego de sobra para se tornar uma obra digna de ser referenciada.

Melhores de 2017 – Figurino

Para recriar as peças do icônico guarda-roupa da ex-primeira dama Jacqueline Kennedy, o diretor Pablo Larraín contou com o trabalho de uma figurinista francesa de mão cheia: Madeline Fontaine, que leva no currículo filmes como O Fabuloso Destino de Amélie PoulainEterno AmorYves Saint-Laurent. O que Madeline faz em Jackie é mais do que simplesmente reproduzir as roupas tão emblemáticas de ex-primeira dama, como o terno rosa que ela usava quando teve o marido John Kennedy assassinado ao seu lado, mas compreender que o visual, ainda hoje, é parte fundamental do folclore envolvendo Jaqueline. Nesse processo, a figurinista fez uma pesquisa de caminho inverso, priorizando a busca do estilo que marcou toda a geração da protagonista em cortes, tecidos e composições para depois chegar ao que de fato Jacqueline vestia. É uma escolha fundamental que tira os figurinos de Jackie da mera curiosidade: no filme de Larraín, eles são, indiscutivelmente, uma peça crucial para a construção da personagem. Ainda disputavam a categoriaA Bela e a Fera, A Criada, La La Land: Cantando Estações e Victoria e Abdul: O Confidente da Rainha.

EM ANOS ANTERIORES: 2016 – Carol | 2015 – Macbeth: Ambição e Guerra | 2014 – O Grande Hotel Budapeste | 2013 – Anna Karenina | 2012 – W.E. – O Romance do Século | 2011 – O Discurso do Rei | 2010 – A Jovem Rainha Victoria | 2009 – O Curioso Caso de Benjamin Button | 2008 – Elizabeth – A Era de Ouro | 2007 – Maria Antonieta

Melhores de 2017 – Maquiagem & Penteados

Donald Mowat e Kerry Warn, responsáveis pela maquiagem e pelos penteados de Blade Runner 2049, seguiram à risca o pedido do diretor Denis Villeneuve: imaginar o futuro, mas de forma mais realista e sem tentar reproduzir o visual do longa original dirigido por Ridley Scott. Inteligentíssimos no uso de uma maquiagem que foge completamente daquilo que as premiações estão acostumadas a celebrar (transformações pesadíssimas para papéis biográficos), Mowat e Warn pensam o universo de Blade Runner 2049 com um trabalho minucioso de cortes de cabelo, perucas, lentes de contato, pinturas corporais, sangue, poeira e suor, elementos que, em boa parte do tempo, não são associados ou valorizados em trabalhos dessa natureza. Desafiada a se adaptar às idas e vindas das filmagens que não foram realizadas em ordem cronológica, a dupla ainda precisou enfrentar imposições climáticas, já que eventuais sequências do filme se desenrolam em meio à chuva, neve e vento. Ainda disputavam a categoria: ExtraordinárioOkja.

EM ANOS ANTERIORES: 2016  Ave, César! | 2015 – Mad Max: Estrada da Fúria | 2014 – O Grande Hotel Budapeste | 2013 – A Morte do Demônio | 2012 – A Dama de Ferro (primeiro ano da categoria)

“Com Amor, Simon”, “Jogador Nº1” e “Pantera Negra”: o cinema-pipoca em uma excelente fase

Não acontece com a frequência que gostaríamos, e por isso mesmo é bom aproveitar: consultando as programações de cinema nesse primeiro semestre de 2018, tem se tornado tarefa fácil e prazerosa levar os amigos para curtir um filme na tela grande. E isso se deve ao fato de que esse cinema-pipoca formado por obras de apelo comercial e alto orçamento agora parece mais dedicado a renegar, em suas devidas proporções e talentos, o famigerado lugar-comum. Há um bom tempo, com exceções pontuais, Hollywood vinha entregando uma infinidade de mega-produções barulhentas e sem personalidade, onde todas pareciam variações umas das outras. Entretanto, caso os primeiros meses de 2018 sirvam de termômetro para o resto do ano, podemos ficar bem otimistas se tomarmos como exemplo três longas em especial: Com Amor, Simon, Jogador Nº1 e Pantera Negra.

Pantera Negra, dirigido por Ryan Coogler

Em cartaz desde a segunda quinzena de fevereiro, Pantera Negra se tornou recentemente o filme de super-herói mais lucrativo da História. Em tese, é uma aventura poderosa por si só: tirando os negros da pobreza, da vilania e da marginalização com que costumam ser retratados em produções dessa magnitude, o diretor Ryan Coogler (Fruitvale Station, Creed) coloca o continente africano no centro do mundo, tornando-o tão múltiplo, heroico e conturbado como qualquer outro do planeta. De nada adianta, no entanto, criar um universo tão rico e não inová-lo na prática (foi o que aconteceu com Mulher-Maravilha, que é menos revelador e subversivo do que as pessoas apontaram). Felizmente não é o caso de Pantera Negra, onde o grande conflito não se dá pelo embate entre dois personagens com objetivos distintos, mas sim pela forma com que eles se digladiam para impor a sua maneira de chegar a uma mesma conquista. A problemática da história está na travessia, e não no ponto de chegada. Com isso, o trabalho mais recente de Coogler pode ser tudo, menos simplista.

Enchendo o peito e o coração de toda uma geração que nunca se viu na tela como herói ou teve a consciência cultural de seu pertencimento no mundo, Pantera Negra é um blockbuster da melhor qualidade porque, fora a questão da representatividade, consegue ir muito além no bom uso de efeitos especiais e na adrenalina que imprime a suas cenas de ação, mesmo quando o protagonista, vivido por um insosso Chadwick Boseman, não tem a mesma presença do vilão, interpretado por Michael B. Jordan, frequente colaborador do diretor. Anterior a isso, Coogler, que também escreveu o roteiro ao lado de Joe Robert Cole, cria um universo muito próprio, com uma reprodução impecável da cultura e da identidade africana, o que serve como um fascinante elemento estético e narrativo. Por fim, Pantera Negra se vale da fantasia para suscitar questões políticas e sociais que, dada a nossa atual conjuntura, são cada vez mais urgentes em qualquer plano, inclusive o cinematográfico.

Com Amor, Simon, dirigido por Greg Berlanti

Bem menos sofisticado, mas não menos representativo, é Com Amor, Simon, comédia teen que segue a mesma linha de Pantera Negra ao colocar na tela uma parcela da população que dificilmente se vê protagonista de uma obra popular de ficção. Você pode dizer que filmes de temática LGBTQI existem aos montes, mas aí proponho uma reflexão: quantos deles olham para seus personagens de forma leve e otimista, sem tornar a questão da homossexualidade uma interminável via crucis? Com Amor, Simon, ao registrar a descoberta do desejo de um adolescente por pessoas do mesmo sexo, problematiza sim essa difícil fase, mas o faz a partir de um gênero historicamente dedicado ao público hétero: o da comédia colegial norte-americana. Repleto de simpatia, o longa tem sua maior força no protagonista, que segura a onda com muito talento: Nick Robinson, egresso de Jurassic World, transita com delicadeza e versatilidade entre o gay inicialmente reprimido e o jovem que, aos poucos, começa a se revelar tanto para ele próprio quanto para o mundo.

Ao dar dimensão às angústias que um homossexual em descoberta sofre até mesmo nas mínimas situações do cotidiano (o pai que faz piada ao ver um gay na TV, os olhares repletos de interesse que não podem ser dados a uma pessoa do mesmo sexo, as roupas que são escolhidas de forma estratégica), Com Amor, Simon acerta no íntimo de seu personagem, mas perde a chance de se engrandecer quando trata o coletivo com superficialidade: não são muito eficientes os clichês e as situações colegiais que funcionariam melhor nos anos 1990, muito menos o longo comercial de margarina onde a família vive feliz com a cerca bem pintada e com o gramado bem aparado. Anos atrás, Hoje Eu Quero Voltar Sozinho também não deixava de flutuar em sonhos e idealizações, mas era mais firme em conflitos e em sua própria personalidade. Por isso, não deixa de ser irônico que, ao tentar inserir a perspectiva gay em um gênero tão enraizado, Com Amor, Simon também soe, de certa maneira, ultrapassado em seu formato. Mesmo assim, a falta de timing não tira o inegável otimismo que a obra entrega, se não para a minha, para as futuras plateias que, desde cedo, poderão se ver com naturalidade na ficção.

Jogador Nº1, dirigido por Steven Spielberg

Completando a tríade, Jogador Nº1 recupera a vertente jovem e criativa de um Steven Spielberg que, pelo menos nos últimos anos, estava dedicado quase exclusivamente a narrativas mais formais. Algo já havia mudado no recente The Post: A Guerra Secreta, que, apesar da pegada tradicional, era conduzido com mais dinâmica e contemporaneidade, mas a virada é revigorante em Jogador Nº1: considerado pelo próprio Steven Spielberg como o filme mais difícil que já dirigiu ao lado de Tubarão e O Resgate do Soldado Ryan, a aventura alterna entre o real e o virtual sem jamais perder a identidade e o tino de entretenimento, endossando a tese de que é sim possível usar a grandiosidade de efeitos visuais para criar uma experiência imersiva e não apenas barulhenta.

Como entretenimento, Jogador Nº1 esbanja diversão com a infinidade de referências que coloca na tela (boa parte delas só serão devidamente apreciadas e descobertas em uma necessária revisão) e logo introduz a circunstância mais fascinante da trama: na realidade alternativa-virtual adaptada do livro homônimo de Ernest Cline, você pode assumir qualquer forma e ter qualquer tipo de poder ou habilidade, o que faz com que conflitos, cenas de ação e confrontos se tornem imprevisíveis. A partir disso, Spielberg brinca com ícones da cultura pop e com clássicos de diferentes artes (a cena que homenageia O Iluminado é excepcional) sem parecer oportunista ou como se somente jogasse na tela referências vazias e que não servem a outro propósito a não ser o da curiosidade.

Desde Guerra dos Mundos, que hoje parece ser muito mais apreciado em comparação à época de seu lançamento, o cineasta não voltava ao mundo da ficção científica, e Jogador Nº1 também é um ótimo comeback ao gênero porque são raras as vezes que obras tão jovens como essa carregam, impulsionadas pela nostalgia e pelo sentimentalismo (característica inevitável na carreira de Spielberg), valores clássicos como o da amizade e o do contato humano, dessa vez reforçados sob a perspectiva das tecnologias, que, sabemos há um bom tempo, mais afastam do que reúnem as pessoas. De fato, Jogador Nº1 muitas vezes parece um videogame, mas um videogame dos bons: divertido, entusiasmante e feito para ser revisitado.

Melhores de 2017 – Ator Coadjuvante

Na pele de um jovem que se vê obrigado a equilibrar a vida de adolescente com a repentina e dolorosa morte do pai, Lucas Hedges desponta como uma grande revelação no poderoso Manchester à Beira-Mar, que chegou a lhe render uma indicação ao Oscar de ator coadjuvante. Considerando somente o roteiro, ele já é beneficiado por um texto que não coloca seu personagem como o mero adolescente alheio ao mundo que desmorona à sua volta, mas, tratando-se de interpretação, o garoto é mesmo de alto calibre: basta revisitar a cena em que ele explode de forma inesperada apenas ao abrir uma geladeira para captar seu inegável talento. Recentemente visto em Três Anúncios Para Um CrimeLady Bird: A Hora de Voar, Hedges, ao que tudo indica, deve seguir uma carreira promissora se levarmos em conta os projetos bem sucedidos de sua carreira até aqui, mas não vamos nos enganar: anterior a isso, o que o vemos fazer em Manchester à Beira-Mar é o suficiente para atestarmos a promessa. Afinal, não é todo jovem ator que administra tão bem as camadas de um drama pesadíssimo como o de Kenneth Lonergan. Ainda disputavam a categoria: Jeff Bridges (A Qualquer Custo), Mahershala Ali (Moonlight: Sob a Luz do Luar), Matthias Schoenaerts (Um Mergulho no Passado) e Patrick Stewart (Logan).

EM ANOS ANTERIORES: 2015 – Steve Carell (A Grande Aposta) | 2014 – Jared Leto (Clube de Compras Dallas| 2013 – Philip Seymour Hoffman (O Mestre| 2012 – Nick Nolte (Guerreiro| 2011 – Alan Rickman (Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2| 2010 – Michael Douglas (Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme| 2009 – Christoph Waltz (Bastados Inglórios| 2008 – Javier Bardem (Onde os Fracos Não Têm Vez| 2007 – Casey Affleck (O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford)

Três atores, três filmes… com Bruno Polidoro

Atuando há mais de dez anos como diretor de fotografia em filmes, videoartes e programas de televisão, Bruno Polidoro é um dos profissionais mais atuantes do mercado audiovisual gaúcho, já ultrapassando a marca de 50 projetos realizados ao longo da carreira. Sócio da produtora Besouro Filmes, também é professor no Curso de Realização Audiovisual da Unisinos e na Fluxo – Escola de Fotografia Expandida. No Festival de Cinema de Gramado, conquistou, até a data de publicação desse post, cinco prêmios de melhor fotografia entre as mostras de curtas-metragens brasileiros e gaúchos. Do lado de cá, como espectador, tenho acompanhado a carreira do Bruno há alguns anos e por isso é uma grande alegria recebê-lo aqui com esse convite para comentar três interpretações que marcaram a sua relação com o cinema e que, de um jeito ou de outro, influenciam, até hoje, cada trabalho que ele assina como diretor de fotografia. Não deixem de conferir, pois se trata de uma baita seleção. Espero que vocês também curtam.

Giulietta Masina (Noites de Cabíria)
Os filmes do diretor italiano Federico Fellini foram minhas primeiras influências ao querer fazer cinema. Sua capacidade de unir o popular com o erudito, de criar mundos tão próprios e imprimir uma forte nostalgia na tela me seduziram desde a adolescência. Há muito lirismo em seus fotogramas: o mar é de celofane, as cores invadem os cenários, as músicas embalam nossas memórias e neva de repente, fazendo com que queiramos viver em seu universo. No seu livro de memórias “Fazer um filme”, o diretor conta que desenvolvia os personagens antes de imaginar a história em que eles estariam inseridos. Fellini cria uma metáfora para pensar o cinema: primeiro se constrói uma locomotiva (com atores e cenários), e com ela em funcionamento vai se colocando em frente um trilho de cada vez, determinando o rumo da história com a evolução das filmagens. Dentro desse universo de sonho e reminiscências, Giulietta Masina brota não apenas como a companheira de vida e arte de Fellini, mas encanta como a sonhadora Cabíria, em um olhar que me acompanha a cada close que filmo até hoje.

Marília Pêra (Pixote: A Lei do Mais Fraco)
Pixote, de Hector Babenco, foi um dos filmes que fez eu crer no cinema brasileiro e que poderíamos realizar grandes obras por aqui. E vai além: fez eu perceber que o cinema era um meio de fazer também política, de revelar situações e ambientes que a sociedade muitas vezes não quer ver. Ao dar voz a essas pessoas, Babenco ajuda a termos compaixão, sensibilizar-nos com algo que tentamos ignorar. Assim, Pixote tem força por sua crueza, mas, acima de tudo, por mostrar tamanho amor que há dentro do caos. Aí vem a memória de Marilia Pêra como Sueli, uma prostituta abandonada que emana afeto e ternura em quartos e corredores sujos de um Rio de Janeiro padecido. Ela pouco tem, mas oferece seu colo, seu seio para Pixote, em uma emulação da Pietá, nossa Maria terceiro mundista, nossa pietá de um Brasil escuro e barroco. Um Brasil sofrido, mas que mantém-se vivo em pequenos afetos.

Dirk Bogarde (Morte em Veneza)
Um dos meus filmes preferidos do grande cineasta Luchino Visconti, Morte em Veneza levou às telas o profundo romance homônimo de Thomas Mann. Nele, um importante artista em fim de carreira apaixona-se por um adolescente andrógino, o encantador Tadzio. O artista em questão é Aschenbach, interpretado magistralmente por Dirk Bogarde, que expressa em sua minimalista atuação as dores do amor, do desejo, do medo – enfim, a incredulidade diante do que sentimos em relação ao mundo (e se podemos agir por nossos instintos). A transformação do elegante compositor em um homem que perde os sentidos movido pela paixão é marcante, aproximando-nos da visualidade existencial da vida em todos os seus limiares. A sequência da maquiagem que derrete em seu rosto é para mim uma das mais belas cenas do cinema. A degradação dos costumes, das máscaras, de tudo que podemos fazer por amor.

%d blogueiros gostam disto: