Cinema e Argumento

Melhores de 2019 – Ator Coadjuvante

Song Kang-ho é um ator interessado em interpretar homens comuns que tentam sobreviver às adversidades da vida, e as suas constantes colaborações com o diretor Bong Joon-ho atestam exatamente isso. Não há nada de heroísmo idealizado no protagonista de O Hospedeiro, por exemplo. E muito menos no pai de família que ele interpreta no aclamado Parasita, onde, com um papel coadjuvante, consegue se destacar em um elenco afinadíssimo e talentoso. Mesmo estando do lado mais dramático da história, Song Kang-ho não usa as difíceis condições sociais e emocionais de seu personagem para construir uma interpretação vaidosa. Trata-se do oposto: ele é silencioso e sutil em todos os diferentes gêneros abarcados pela história, recebendo, em determinado ponto, o presente de se tornar o coração de Parasita. Quando esse momento chega, logo entendemos que todas as escolhas do ator até ali foram fundamentais para dimensionar os tocantes sentimentos trazidos pelo filme. Ainda disputavam a categoria: Al Pacino (O Irlandês), Joe Pesci (O Irlandês), Leonardo Sbaraglia (Dor e Glória) e Richard E. Grant (Poderia Me Perdoar?).

EM ANOS ANTERIORES: 2018 – Michael Stuhlbarg (Me Chame Pelo Seu Nome) |  2017 – Lucas Hedges (Manchester à Beira-Mar| 2016 – Steve Carell (A Grande Aposta| 2015 – Edward Norton (Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)) | 2014 – Jared Leto (Clube de Compras Dallas| 2013 – Philip Seymour Hoffman (O Mestre| 2012 – Nick Nolte (Guerreiro| 2011 – Alan Rickman (Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2| 2010 – Michael Douglas (Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme| 2009 – Christoph Waltz (Bastardos Inglórios| 2008 – Javier Bardem (Onde os Fracos Não Têm Vez| 2007 – Casey Affleck (O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford)

 

Afinal, o que terá acontecido a “The Death and Life of John F. Donovan”?

Kit Harington como John F. Donovan: cercado por nomes como Susan Sarandon, Kathy Bates e Michael Gambon, o astro de Game of Thrones confirma o seu limitado alcance dramático.

Amado e detestado nas mesmas proporções, o cineasta canadense Xavier Dolan sempre realizou um tipo de cinema que pode ser chamado de muitas coisas, menos de inexpressivo. A situação, entretanto, muda de cenário com The Death and Life of John F. Donovan, seu primeiro longa-metragem em língua inglesa. Algo realmente deu errado nessa investida: Dolan tanto fez diversas alterações na sala de montagem até chegar ao corte final (entre elas, reduzir a duração pela metade e eliminar por completo a participação de Jessica Chastain!) como sequer fez algum esforço para promover o filme, abrindo mão até mesmo de estreá-lo em Cannes, onde costuma exibir todos os seus projetos. A indiferença foi a mesma no circuito comercial: até a data de publicação desse texto que você lê agora, The Death and Life of John F. Donovan estreou em menos de uma dezena de países, sem qualquer engajamento de seu próprio realizador. Aqui no Brasil sequer tem previsão de estreia ou título em português. 

Mais do que marcar a estreia de Xavier Dolan como diretor de longas em língua inglesa, o projeto tinha outro grande apelo para ao menos ganhar alguma publicidade decente: um elenco irrepreensível, formado por nomes como Natalie Portman, Jacob Tremblay, Susan Sarandon, Kathy Bates, Thandie Newton e Michael Gambon. Uma constelação tão brilhante de atores não costuma ser garantia de grandes resultados (muito menos em um filme frequentemente adiado, modificado e promovido com descaso), mas é mesmo estranha a total falência de uma produção que, em tese, reúne muitas credenciais que vários diretores sonhariam em ostentar ao lançar um primeiro trabalho em inglês. Pois Dolan já até realizou outro longa nesse meio tempo (Matthias et Maxime, exibido na mostra competitiva do Festival de Cannes em 2020) e deixa a entender que já virou a página. É como se The Death and Life of John F. Donovan simplesmente não tivesse existido.

Há um punhado de razões para que todos tenham decidido ignorar o projeto. Vamos a elas. Com tantos atores talentosos reunidos, é inexplicável, por exemplo, que Dolan tenha cometido o pecado de escalar logo Kit Harington como protagonista. Mundialmente conhecido pelo papel de Jon Snow no seriado Game of Thrones, Kit simboliza o eterno clichê de astro fotogênico com pouquíssimo alcance dramático. Suas limitações se tornam ainda mais evidentes em The Death and Life of John F. Donovan, onde, com a mesma expressão do início ao fim e sem a larga escala de produção da HBO para camuflar sua apatia, o ator falha em construir o mínimo de camadas para o personagem-título. Complica também o fato de John F. Donovan ser aquele protagonista batido que todos nós conhecemos: o assediado astro de cinema e TV que esconde sua sexualidade, tem problemas com a mãe alcoolista e é assombrado pelo fardo de uma fama que, lá no fundo, talvez não preferisse ostentar.

Natalie Portman e Jacob Tremblay em um dos tantos pontos de vista de The Death and Life of John F. Donovan. Excesso de personagens e perspectivas diluem ainda mais as discussões do filme.

The Life and Death of John F. Donovan parte da relação que o protagonista estabelece com um garoto britânico de 11 anos que lhe escreve uma carta. Há, portanto, pontos de vista fragmentados: o de Donovan, interpretado com as devidas limitações por Kit, e o do garoto, vivido por Jacob Tremblay em um daqueles papéis onde é difícil crer que alguém tão jovem tenha tanta vivência de mundo para dizer certas coisas. Em menor escala, como artifício narrativo, o roteiro escrito por Dolan em parceria com Jacob Tierney, ainda opta por saltar no tempo e mostrar como o garoto, já adulto, segue processando essa relação que acabou de maneira bastante problemática. A ideia de diversos pontos de vista, recheada de um entra e sai constante de atores em pequenos papéis, poderia preencher várias lacunas do filme, descortinando revelações e novas dimensões de cada personagem. Não raro em inúmeras histórias que falham em criar uma narrativa coral, o efeito é o oposto, estacionando no efeito da dispersão e da inconsistência.

Mal ajambrado, The Death and Life of John F. Donovan se dissolve em sua própria estrutura, reduzindo certos personagens até mesmo a variações de caricatura, como a Grace de Susan Sarandon, que, sempre com um copo de whisky na mão, diz poucas e boas para o filho em um jantar com família e amigos. Demais veteranos como Kathy Bates e Michael Gambon também emprestam pompa e talento a outras figuras mal exploradas. Personagens com uma ou duas aparições e interpretados por grandes atores devem servir para potencializar detalhes ou redimensionar dilemas, como as emblemáticas aparições de Viola Davis em Dúvida ou de Julianne Moore em Direito de Amar, e não para proporcionar mero desfile de bons intérpretes em papeis rasteiros. E não deixa de ser um problema de escalação: afinal, por que chamar tanta gente boa se não é para aproveitar cada um com a devida atenção? O mosaico de atores talentosos seria a compensação perfeita para a insipidez de Kit Harington. Contudo, tal promessa traz à superfície mais uma decepção de The Death and Life of John F. Donovan.

Xavier Dolan entrega uma experiência cujas intenções dramáticas são de difícil diagnóstico. Do peso da fama à solidão infantil, passando pela forma como superamos ou não o passado e pelo isolamento que a homossexualidade pode desencadear em determinadas profissões, The Death and Life of John F. Donovan levanta muitas temáticas sem discuti-las como deveria. A origem do projeto está em uma vivência pessoal do diretor: quando criança, Dolan escreveu uma carta para Leonardo DiCaprio após conferir o clássico Titanic. Segundo ele, esse foi o momento de um despertar cultural, sexual e cinematográfico que definiu toda a sua vida como um homem de cinema. Esse ponto de partida tão pessoal e carinhosos não é traduzido na tela. Menos ainda no descaso com que a obra foi trabalhada a partir de sua pós-produção. Provavelmente nunca saberemos o que aconteceu nos bastidores para que The Death and Life of John F. Donovan caísse no esquecimento antes mesmo de nascer para o público, mas é impossível não imaginar que, ao colocar o filme para debaixo do tapete, Xavier Dolan tenha secretamente confessado a sua própria insatisfação com o resultado final.

Melhores de 2019 – Canção Original

“(I’m Gonna) Love Me Again” é a rara canção sobre redenção que não flerta com pesar, arrependimentos ou melodias tristes. Ela está, inclusive, totalmente alinhada com a proposta de Rocketman, uma cinebiorafia que, em seu melhor, abraça a vida de Elton John sem maquiagens, provando que assumir os erros é tão importante quanto glorificar os acertos. Escrita por Bernie Taupin e emoldurada com as reconhecidas melodias do próprio Elton John, a canção ilustra a ascensão, a queda e o reerguimento do cantor com o espírito que moldou sua trajetória musical, tendo sido idealizada com o objetivo de dialogar com “I’m Still Standing”, o último sucesso de Elton (re)interpretado por Taron Egerton no longa-metragem. É o tipo de homenagem que, em termos musicais, pode até ser um lugar-comum, mas que conforta justamente por ser algo tão familiar. Ainda disputavam a categoria: “A Glass of Soju” (Parasita), “I Can’t Let You Throw Yourself Away” (Toy Story 4), “Revelation” (Boy Erased: Uma Verdade Anulada) e “Zero” (WiFi Ralph: Quebrando a Internet).

EM ANOS ANTERIORES: 2018“Shallow” (Nasce Uma Estrela) | 2017 – “Another Day of Sun” (La La Land: Cantando Estações| 2016 – “Simple Song #3” (A Juventude| 2015 – “Glory” (Selma: Uma Luta Pela Igualdade| 2014 – “Let it Go” (Frozen – Uma Aventura Congelante| 2013 – “Last Mile Home” (Álbum de Família| 2012 – “Skyfall” (007 – Operação Skyfall| 2011 – “Life’s a Happy Song” (Os Muppets| 2010 – “Better Days” (Comer Rezar Amar| 2009 – “By the Boab Tree” (Austrália| 2008 – “Falling Slowly” (Apenas Uma Vez)

Melhores de 2019 – Trilha Sonora

Com uma carreira relativamente recente em longas-metragens, Nicholas Britell encontrou, na parceria com o diretor Barry Jenkins, aquele tipo de trabalho compartilhado que, ao que tudo indica, sempre será capaz de gerar verdadeiras pérolas. Se a trilha sonora de Moonlight já era um acontecimento, a de Se a Rua Beale Falasse vem para firmar o nome de Britell como um dos mais talentosos de sua geração. Em entrevista à revista The Atlantic, ele revela que a fórmula de trabalho com Jenkins é muito simples, tendo como norte as emoções e o que elas ensinam ao longo do processo de composição.

A lógica parece óbvia, mas, para um filme tão sensorial e dividido entre o amor e a melancolia como Se a Rua Beale Falasse, é o que faz a diferença. Britell mergulhou no jazz e em outras sonoridades da Nova York do século XX, trazendo para a trilha inspirações vindas de Miles Davis, John Coltrane e Nina Simone. Resultado: as composições inebriam com uma leitura delicada sobre o amor e sobre tudo aquilo que inevitavelmente o assombra. Agape, que foi a trilha sonora de todas as vitórias de Regina King como melhor atriz coadjuvante na temporada de premiações, é a maior prova desse sentimento. Ainda disputavam a categoria: Ad Astra: Rumo às Estrelas, Cafarnaum, Coringa e História de Um Casamento.

EM ANOS ANTERIORES: 2018 – Trama Fantasma | 2017 – La La Land: Cantando Estações | 2016 – Carol | 2015 – Sicario: Terra de Ninguém | 2014 – Ela | 2013 – Gravidade | 2012 – Tão Forte e Tão Perto | 2011 – A Última Estação | 2010 – Direito de Amar | 2009 – O Curioso Caso de Benjamin Button | 2008 – Desejo e Reparação | 2007 – A Rainha

Melhores de 2019 – Efeitos Visuais

À frente de uma ficção científica cuja força dramática se encontra na jornada pessoal de um personagem solitário, o diretor James Gray tomou uma decisão importantíssima: a de que os efeitos visuais de Ad Astra: Rumo às Estrelas deveriam ser os mais realistas possíveis, sem que eles se tornassem uma atração à parte ou levassem a história para um patamar excessivamente futurístico. Com essa perspectiva, o quarteto Allen Maris, Guillaume Rocheron, Jedediah Smith e Scott R. Fisher atuou de forma colaborativa com a equipe de design de produção para criar, por exemplo, o interior de naves e foguetes, além de cenários na Lua e em Marte. Atenção microscópica também foi dada, claro, a detalhes de escala e luz para que tudo parecesse real, em atividade conjunta com efeitos especiais práticos para materializar poeiras e tempestades. Munidos de grande precisão, os efeitos visuais de Ad Astra impressionam sem ânsia de impressionar. Ainda disputavam a categoria: O Irlandês e Vingadores: Ultimato.

EM ANOS ANTERIORES: 2018 – Jogador Nº 1 | 2017 – Blade Runner 2049 | 2016 – Doutor Estranho | 2015 – Mad Max: Estrada da Fúria | 2014 – Planeta dos Macacos: O Confronto| 2013 – Gravidade | 2012 – O Hobbit: Uma Jornada Inesperada | 2011 – Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 | 2010 – Tron: O Legado | 2009 – Avatar (primeiro ano da categoria)

 

Melhores de 2019 – Figurino

O trabalho do figurinista Julian Day em Rocketman foi acompanhado de perto pelo cantor Elton John. A proximidade, entretanto, não aponta para o vaidoso controle criativo de uma estrela que tem sua vida contada em um longa-metragem, mas sim para um saudável espírito colaborativo. Prova disso é o fato de Elton não ter vetado nenhuma peça de figurino proposta por Julian, que encontrou, nas reuniões com o cantor, a fonte perfeita de inspiração para um guarda-roupa idealizado a partir de memórias. Isso quer dizer que o figurino de Rocketman deixa de lado a mera cópia de peças emblemáticas para, a partir delas, expandir a lembrança e o estado de espírito que cada roupa desperta no cantor. Através do redesenho de cada look, Julian colaborou com vibração e inventividade para uma cinebiografia que, em toda a sua concepção, consegue se diferenciar dentro do gênero por ser autêntica a seu biografado e por permitir total liberdade criativa para todos os envolvidos nos bastidores. Ainda disputavam a categoria: A Favorita, Hebe – A Estrela do Brasil, O Irlandês e Se a Rua Beale Falasse.

EM ANOS ANTERIORES: 2018 – Trama Fantasma | 2017 – Jackie | 2016 – Carol | 2015 – Macbeth: Ambição e Guerra | 2014 – O Grande Hotel Budapeste | 2013 – Anna Karenina | 2012 – W.E. – O Romance do Século | 2011 – O Discurso do Rei | 2010 – A Jovem Rainha Victoria | 2009 – O Curioso Caso de Benjamin Button | 2008 – Elizabeth – A Era de Ouro | 2007 – Maria Antonieta

Melhores de 2019 – Maquiagem & Penteados

Nadia Stacey foi surpreendida pelo diretor Yorgos Lanthimos quando ele descartou a pesquisa histórica realizada por ela e afirmou que seu objetivo não era rodar um filme de época parecido com tantos, mas sim fazer algo completamente autêntico, a serviço da história e dos personagens. Nadia entendeu o recado: ainda que fiel à identidade da época retratada pelo roteiro, sua proposta foi explorar possibilidades fora da curva dentro de um universo particular. A base dessa transgressão está no claro contraste de caracterização entre figuras masculinas e femininas: enquanto Olivia Colman, Emma Stone e Rachel Weisz usam o mínimo possível de maquiagem para ressaltar a transparência das mulheres, os homens surgem com perucas montanhosas e cores espalhafatosas, evidenciando a personalidade infantil e imatura de personagens masculinos preocupados com poder e aparências. É um belo exemplo de como Nadia Stacey abraça a carta branca para escantear a caretice tão habitual de filmes de época, conceito que também permeia A Favorita como um todo. Ainda disputavam a categoria: Hebe – A Estrela do Brasil, O Irlandês, Rocketman e A Vida Invisível.

EM ANOS ANTERIORES: 2018 – Pantera Negra | 2017 – Blade Runner 2049 | 2016 – Ave, César! | 2015 – Mad Max: Estrada da Fúria | 2014 – O Grande Hotel Budapeste | 2013 – A Morte do Demônio | 2012 – A Dama de Ferro (primeiro ano da categoria)

Os vencedores do Oscar 2020

Bong Joon-ho subiu quatro vezes ao palco do Dolby Theatre para receber os prêmios de Parasita em melhor filme, direção, roteiro original e filme internacional.

Novos tempos pareciam chegar em Hollywood quando o Oscar premiou Moonlight em 2017. Um filme independente, dirigido por um cineasta negro e preocupado com causas importantíssimas com a devida representatividade? Coisa rara. No entanto, eis que dois anos depois, o Oscar premiava Green Book, um longa incrivelmente empoeirado que discutia questões raciais como se estivesse nos anos 1970, trazendo novamente o white savior para aliviar a consciência das plateias brancas em relação ao racismo. De que adiantou, portanto, premiar Moonlight se, logo em seguida, houve tamanho retrocesso com Green Book?

A partir desse cenário, era de se esperar que o Oscar 2020 seguisse a tendência de todos os outros prêmios e premiasse 1917, mais um filme de guerra estrelado por pessoas brancas e reverenciado pelo grandioso espetáculo técnico que Hollywood gosta de premiar. Contudo, eis que a Academia, em um surto raro de lucidez, dá a volta por cima e consagra Parasita com as estatuetas de melhor filme, direção, roteiro original e filme internacional. Em 92 anos, o Oscar nunca havia premiado uma produção de língua não-inglesa na categoria principal. História foi feita. E Hollywood, de repente, saiu de seu próprio umbigo para descobrir que cinema é uma linguagem universal, independentemente de legendas. Não nos iluda, Academia. Isso precisa ser o sinal de novos tempos.

O que tal vitória de fato significa para o futuro e para a própria indústria hollywoodiana só o tempo poderá dizer, mas, a curto prazo, a vitória de Parasita dita tendências muito claras quando coloca os Estados Unidos a reverenciar uma produção asiática que transita pelos mais diferentes gêneros. Foi a compensação perfeita para uma cerimônia esquizofrênica do ponto de vista de entretenimento. Como explicar, por exemplo, Eminem cantando Lose Yourself sem a menor explicação em pleno 2020? Ou então o número de abertura que tem a cara de pau de fazer referências a MidsommarNósMeu Nome é Dolemite, filmes que sequer foram indicados em qualquer categoria? Excessivamente musical, assistir ao Oscar 2020 como um programa de TV foi uma tortura.

Na reta final, a situação mudou de cenário quando a cerimônia se dedicou mais aos prêmios e deixou os vencedores falarem (Renée Zellweger e, especialmente, Joaquin Phoenix deram discursos marcantes, desobedecendo o tempo limite de fala de 45 segundos). Ainda há muito o que se falar sobre o Oscar 2020, que, por exemplo, fez O Irlandês de Martin Scorsese sair de mãos abanando enquanto entregava duas estatuetas preguiçosas para Ford vs. Ferrari. Entretanto, por ora, a euforia com as vitórias sem precedentes de Parasita sintetizam muito bem as incríveis lembranças que ficam da cerimônia. Digam o que quiser do Oscar, mas, para o bem ou para o mal, ele segue sendo o prêmio mais autêntico e surpreendente da temporada.

Plateia do Oscar 2020 se mobiliza com a celebração de Parasita.

Confira abaixo a lista de vencedores:

MELHOR FILME: Parasita
MELHOR DIREÇÃO: Bong Joon-ho (Parasita)
MELHOR ATRIZ: Renée Zellweger (Judy: Muito Além do Arco-Íris)
MELHOR ATOR: Joaquin Phoenix (Coringa)
MELHOR ATRIZ COADJUVANTE: Laura Dern (História de Um Casamento)
MELHOR ATOR COADJUVANTE: Brad Pitt (Era Uma Vez Em… Hollywood)
MELHOR ROTEIRO ORIGINALParasita
MELHOR ROTEIRO ADAPTADOJojo Rabbit
MELHOR FILME INTERNACIONAL: Parasita
MELHOR DOCUMENTÁRIO: Indústria Americana
MELHOR ANIMAÇÃO: Toy Story 4

MELHOR TRILHA SONORA: Coringa
MELHOR CANÇÃO ORIGINAL: “(I’m Gonna) Love Me Again” (Rocketman)
MELHOR MONTAGEM: Ford vs. Ferrari
MELHOR DESIGN DE PRODUÇÃO: Era Uma Vez Em… Hollywood
MELHOR FOTOGRAFIA: 1917
MELHOR FIGURINOAdoráveis Mulheres

MELHOR MIXAGEM DE SOM1917
MELHOR EDIÇÃO DE SOM: Ford vs. Ferrari
MELHOR MAQUIAGEM & PENTEADOSO Escândalo
MELHORES EFEITOS VISUAIS1917
MELHOR CURTA-METRAGEM: The Neighbors’ Widow
MELHOR CURTA-METRAGEM (ANIMAÇÃO)
: Hair Love
MELHOR CURTA-METRAGEM (DOCUMENTÁRIO)Learning to Skateboard in a Warzone (If You’re a Girl)

Apostas para o Oscar 2020 (e também palpites, impressões e preferências acerca dos indicados)

Mais curta do que o habitual (ainda bem, especialmente quando os vencedores são sempre os mesmos!), a temporada de premiações deste ano chega ao fim neste domingo (09), quando o Oscar revela os vencedores de sua 92ª edição. O histórico recente da Academia acusa a possibilidade de surpresas em comparação a maioria dos outros prêmios televisionados (Birdman, A Forma da Água e Green Book contrariaram o franco favoritismo de seus respectivos adversários), mas, até que se prove o contrário, 1917 é o filme a ser batido na cerimônia de 2020. Novamente sem apresentador (ano passado aprendemos que isso não faz diferença alguma), o Oscar será transmitido a partir das 22h aqui no Brasil pela TNT. Para quem curte o tapete vermelho, a transmissão no canal começa às 21h. Já a Globo terá transmissão ao vivo e gratuita pelo G1 e pela Globoplay, dando início a sua cobertura às 20h. Até lá, como forma de tentar antecipar o que pode acontecer na cerimônia, deixo alguns comentários e impressões sobre as categorias, bem como as minhas preferências em cada caso. E não esqueçam: nos encontramos logo mais para comentar os vencedores!

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Parasita pode fazer história como a primeira produção em língua não-inglesa a faturar o Oscar de melhor filme, mas será mesmo que é possível desbancar 1917?

MELHOR FILME
Ainda sinto falta do tempo em que somente cinco filmes concorriam ao grande prêmio da noite. Com a possibilidade de até dez produções serem indicadas, sempre fica muito claro aquelas que estão sobrando na disputa. Apesar disso, essa parece ser a seleção mais equilibrada em anos, deixando a preferência, claro, para a identificação e o gosto pessoal de cada um. Não gosto de Era Uma Vez Em… Hollywood, que traz Quentin Tarantino mais uma vez afundado em longos excessos. Admiro determinados pontos de O Irlandês, mas não é o tipo de filme que me empolga ou muito menos me fascina. O franco favorito 1917 é um espetáculo técnico irrepreensível, só que tudo é tão planejado e ensaiado que acaba sem espontaneidade. Coringa, que é o líder de indicações, foi mais admirado do que deveria (são exageradas as menções em figurino e maquiagem, por exemplo), mas é uma produção que defendo por revigorar as fórmulas de filmes baseados em quadrinhos. Tenho um carinho imenso por Adoráveis Mulheres e fico feliz de ver um filme tão “simples” quanto História de Um Casamento chegar a esse nível de celebração. De qualquer maneira, nem somados esses filmes (e mais Ford vs. FerrariJojo Rabbit) chegam perto do impacto de Parasita. É um filmaço que ainda será muito reverenciado e citado. Tomara que os votantes se atentem a esse marco instantâneo e finalmente premiem pela primeira vez uma produção “estrangeira” na categoria principal.

MELHOR DIREÇÃO
É praticamente impossível Sam Mendes perder o Oscar de melhor direção, tanto pelos prêmios acumulados até aqui (Globo de Ouro, BAFTA, Sindicato dos Diretores e Critic’s Choice) quanto pelo fato de que a Academia adora um trabalho de “curiosidades”, onde cineastas falam pelos cotovelos sobre as dificuldades de produção, os meses de preparação e os contorcionismos para alcançar determinadas proezas técnicas. Como sempre, os prêmios gostam de mais direção e não da melhor direção. Tendo admirado a direção de Mendes pela técnica e não pela emoção, meu voto seria outro, e novamente destinado a Parasita. O que Bong Joon-ho faz praticamente em um único cenário, transitando entre gêneros tão diferentes, é coisa de mestre. Ele tem o espectador na mão durante todo o desenrolar da trama, sem precisar de muitas firulas para fazer um grande filme. Sua direção é de um rigor impressionante, embalada em um discurso urgente para o caos político e social que vivemos atualmente.

Com a melhor performance de sua carreira em Dor e Glória, Antonio Banderas chega pela primeira vez ao Oscar.

MELHOR ATRIZ
A seleção mais fraca da categoria em muitos anos, e não por falta de opção: Lupita Nyong’o, por exemplo, poderia estar facilmente concorrendo por Nós, mas a Academia segue com dificuldades em reconhecer atrizes negras fazendo papéis que não são marginalizados ou sobre o período da escravidão (não à toa, justamente, a única interpretação negra na disputa entre todas as categorias de atuação este ano é a de Cynthia Erivo em Harriet). Com o que temos, torna-se impossível ter outra alternativa a não ser premiar Renée Zellweger por seu belo desempenho em Judy: Muito Além do Arco-Íris. É muito tocante a simbologia desse reconhecimento, por motivos que já discuti na crítica que escrevi para o filme. Ela não tem disputa, seja por merecimento ou por chances de vitória: a transformação de Charlize Theron é impressionante em O Escândalo, Scarlett Johansson tem um dos papéis de sua vida em História de Um Casamento e Saoirse Ronan segue trilhando uma bela carreira com Adoráveis Mulheres, mas Renée está um degrau acima.

MELHOR ATOR
O marasmo entre as atrizes é compensado pela seleção de atores. É óbvio e justo que Joaquin Phoenix vença por Coringa (além de ser uma interpretação muito autêntica, a celebração é uma boa reparação histórica para esse ator que sempre colecionou desempenhos marcantes), o que não deve ser motivo para diminuir seus concorrentes. Adam Driver tem o melhor momento de sua trajetória até aqui com História de Um Casamento, onde ele é grandioso fazendo o papel de um homem comum. Jonathan Pryce faz uma dobradinha incrível com Anthony Hopkins em Dois Papas, assim como Leonardo DiCaprio tem um excelente momento com Brad Pitt em Era Uma Vez Em… Hollywood. Entretanto, talvez seja Antonio Banderas o ator que ficará no meu coração com Dor e Glória. É o tipo de performance cuja indicação por si só já é uma vitória, a exemplo do que aconteceu com Charlotte Rampling em 45 Anos e Marion Cotillard em Dois Dias, Uma Noite. Em todos os casos, a Academia jamais premiaria desempenhos tão sutis, econômicos e interiorizados. 

Florence Pugh, que concorre a melhor atriz coadjuvante, é um dos destaques de Adoráveis Mulheres.

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Fico chateado com a futura vitória de Laura Dern (História de Um Casamento) por inúmeras razões. Primeiro porque é prêmio de carreira e não de performance, o que é sempre desestimulante, especialmente quando acontece com grandes atrizes. Segundo porque ela sequer está entre as melhores performances do filme (além de Scarlett e Driver, ainda faltaram as devidas lembranças para Alan Alda). Terceiro porque o papel não tem vida própria, muito menos um arco dramático. E, por fim, Dern repete nele o que já havia feito em Big Little Lies. O quinteto selecionado não é dos mais fortes (se tivesse que escolher, votaria em Florence Pugh por Adoráveis Mulheres ou em Kathy Bates por O Caso Richard Jewell), e talvez essa seja a grande razão para o favoritismo de Laura. Entre as ausências, muito se fala em Jennifer Lopez, que, na verdade, tem praticamente o mesmo tempo de tela da protagonista Constance Wu em As Golpistas, mas, nesse limiar entre protagonista e coadjuvante, eu ficaria com Octavia Spencer em Luce, onde ela nunca esteve tão boa.

MELHOR ATOR COADJUVANTE
Reduto de prêmios para quitar dívidas e consagrar protagonistas que desejam ganhar Oscar mas não têm chances em sua respectiva categoria, o segmento de coadjuvantes ganha outra seleção altamente duvidosa ao estilo do ano em que Rooney Mara (Carol) e Alicia Vikander (A Garota Dinamarquesa) concorreram com duas escandalosas fraudes de categoria. Em 2020, temos pelo menos dois protagonistas concorrendo como coadjuvantes: Brad Pitt (Era Uma Vez Em… Hollywood) e Anthony Hopkins (Dois Papas), com o primeiro sendo favoritíssimo para levar o Oscar. Como tenho aversão a fraudes de categoria, sequer incluiria os dois na disputa, por melhores que sejam os desempenhos. Com isso, sobram os dois coadjuvantes de O Irlandês (Joe Pesci e Al Pacino) e Tom Hanks em Um Lindo Dia na Vizinhança. Ficaria com Al Pacino, que tem um dos melhores personagens do filme de Martin Scorsese e rouba as atenções toda vez que entra em cena. Vale lembrar ainda duas performances esquecidas e dignas de estarem aqui: Song Kang-ho por Parasita e Sam Rockwell por O Caso Richard Jewell. 

OUTRAS CATEGORIAS
Temos duas brigas interessantes entre os roteiros. Na categoria original, Quentin Tarantino vinha colecionando estatuetas nos prêmios televisionados (levou o Globo de Ouro e o Critics’ Choice), mas, nas últimas semanas, viu Parasita brilhar no BAFTA e no Sindicato dos Roteiristas. Fico, obviamente, com a produção sul-coreana. Já em roteiro adaptado, tudo indica que Jojo Rabbit leve a melhor, mas desconfio que Adoráveis Mulheres possa surpreender, beneficiado pelas amplas críticas que seguem sendo feitas a um circuito de premiações sem muita representatividade. Seria a chance de compensar o fato de Greta Gerwig não ter levado nenhum prêmio por Lady Bird e também a absurda estatística de que nenhuma mulher ganhou Oscar roteiro nos últimos dez anos. Entre as categorias técnicas, uma boa quantidade de estatuetas deve ir para 1917, entre elas fotografia, edição de som, mixagem de som, design de produção e efeitos visuais. Animação está entre Toy Story 4Klaus. Documentário tem a disputa centrada entre For Sama Honeyland, mas com boas chances de Democracia em Vertigem surpreender (não é bairrismo: lembram como o cenário político entregou o Oscar de melhor filme estrangeiro para O Apartamento em 2017?).

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Confira abaixo a nossa lista de apostas:

APOSTAS

MELHOR FILME: 1917 / alt: Parasita
MELHOR DIREÇÃO: Sam Mendes (1917) / alt: Bong Joon-ho (Parasita)
MELHOR ATRIZ: Renée Zellweger (Judy: Muito Além do Arco-Íris) / alt: Scarlett Johansson (História de Um Casamento)
MELHOR ATOR: Joaquin Phoenix (Coringa) / alt: Adam Driver (História de Um Casamento)
MELHOR ATRIZ COADJUVANTE: Laura Dern (História de Um Casamento) / alt: Scarlett Johansson (Jojo Rabbit)
MELHOR ATOR COADJUVANTE: Brad Pitt (Era Uma Vez Em… Hollywood) / alt: Al Pacino (O Irlandês)
MELHOR ROTEIRO ORIGINALParasita / alt: Era Uma Vez Em… Hollywood
MELHOR ROTEIRO ADAPTADO: Jojo Rabbit / alt: Adoráveis Mulheres
MELHOR FILME INTERNACIONAL: Parasita / alt: Dor e Glória
MELHOR DOCUMENTÁRIO: For Sama / alt: Democracia em Vertigem
MELHOR ANIMAÇÃO: Toy Story 4 / alt: Klaus

MELHOR TRILHA SONORA: Coringa / alt: 1917
MELHOR CANÇÃO ORIGINAL: “(I’m Gonna) Love Me Again” (Rocketman) / alt: “Stand Up” (Harriet)
MELHOR MONTAGEM: Parasita / alt: Ford vs. Ferrari
MELHOR DESIGN DE PRODUÇÃO: 1917 / alt: Parasita
MELHOR FOTOGRAFIA: 1917 / alt: Coringa
MELHOR FIGURINO: Adoráveis Mulheres / alt: Jojo Rabbit

MELHOR MIXAGEM DE SOM: 1917 / alt: Ford vs. Ferrari
MELHOR EDIÇÃO DE SOM1917 / alt: Ford vs. Ferrari
MELHOR MAQUIAGEM & PENTEADOS: O Escândalo / alt: Judy: Muito Além do Arco-Íris
MELHORES EFEITOS VISUAIS: 1917 / alt: Vingadores: Ultimato

Rapidamente: “Um Dia de Chuva em Nova York”, “Ford vs. Ferrari”, “As Golpistas” e “História de Um Casamento”

Constance Wu e Jennifer Lopez em As Golpistas: filme dirigido por Lorene Scafaria é tudo aquilo que Oito Mulheres e Um Segredo deveria ter sido.

UM DIA DE CHUVA EM NOVA YORK (A Rainy Day in New York, 2019, de Woody Allen): A Amazon não pensou duas vezes antes de colocar Um Dia de Chuva em Nova York na geladeira quando as problematizações envolvendo o passado de Woody Allen ressurgiram durante a era #MeToo. Finalmente revelado ao mundo após um processo do diretor contra a plataforma, o filme sai da geladeira direto para o esquecimento: com um roteiro repetitivo, apático e cansativo, Woody Allen recicla várias de suas marcas sem nenhuma inspiração, colocando abaixo a teoria de que mesmo os seus piores projetos são melhores do que muitos outros realizados por aí. Da interpretação inconvincente e recheada de tiques de Timothée Chalamet ao carrossel de coadjuvantes insípidos, Um Dia de Chuva em Nova York esbarra em táticas já empoeiradas de Allen, como a de traduzir nos personagens traços próprios de sua personalidade. O problema é que aqui estamos falando de protagonistas jovens, e por isso mesmo o linguajar erudito e as reflexões excessivamente filosóficas soam tão inverossímeis. Sem nem utilizar a geografia de Nova York com muita inspiração, Allen entrega uma trama das suas tramas mais cansativas, onde a única sequência arejada e envolvente é a do monólogo protagonizado por Cherry Jones. Frente a esse trabalho tedioso, o subestimado Roda Gigante, que Woody dirigiu anteriormente, tem as suas qualidades ainda mais evidenciadas. 

FORD VS. FERRARI (Ford v Ferrari, 2019, de James Mangold): Com um público-alvo muito bem definido, Ford vs. Ferrari não esconde a sua predileção por plateias brancas e masculinas, uma vez que não há qualquer traço de representatividade ou universalidade em sua concepção. A temática em si não deixa de ser limitadora: o mundo das corridas automobolísticas e toda a ganância de um contexto corporativo que faz duas grandes marcas do gênero se digladiarem dentro e fora das pistas. A partir dessa perspectiva, é importante perceber como Ford vs. Ferrari ignora a existência de qualquer pessoa negra, considera flatulências, socos e testículos como matéria-prima para o humor e desenvolve apenas uma personagem feminina, limitada a ficar mais da metade do filme apenas acompanhando as corridas do marido pela TV. Dramaticamente, os antagonistas são unidimensionais e pura caricatura, reforçando a falta de qualquer sutileza do filme. As cenas de corrida chegam a prender a atenção e refletem uma uma parte técnica bem acabada, assim como Christian Balese diverte à beça com seu personagem, mas tudo não vai muito além disso. Para quem não aprecia toda a testosterona envolvendo carros potentes, Ford vs. Ferrari faz jus a sua longuíssima metragem (152 minutos) e rende ao espectador um verdadeiro chá de cadeira. 

AS GOLPISTAS (Hustlers, 2019, de Lorene Scafaria): Em 2018, Oito Mulheres e Um Segredo tentou realizar um entretenimento protagonizado por mulheres que arquitetavam um grande assalto. Eventualmente, funcionava como passatempo, mas o roteiro era frágil, as personagens pouco desenvolvidas e o próprio assalto não transmitia nenhum senso de ameaça. Tudo isso, de certa forma, é compensado em As Golpistas, onde um grupo de strippers resolve passar a perna nos seus riquíssimos clientes de Wall Street quando eles deixam de frequentar o clube após a crise financeira que abalou os Estados Unidos entre 2007 e 2008. Com uma diretora mulher comandando a história, o cenário ultrapassa a barreira de um filme pop e feminino sobre trapaça para fazer inúmeros comentários sociais, seja sobre o papel das mulheres na sociedade (e como elas são julgadas por trabalhos tidos hipocritamente como indignos) ou sobre como o dinheiro é, para o bem e para o mal, um instrumento fundamental para definir nossa sobrevivência no mundo. Também autora do roteiro, Lorene Scafaria dirige As Golpistas harmonizando muito bem o senso de entretenimento e reflexão. É um feito raro e que ganha ótimos contornos com a ajuda de personagens femininas nunca objetificadas e sempre devidamente exploradas, com destaque para as duas protagonistas vividas com brilho por Constance Wu e Jennifer Lopez.

HISTÓRIA DE UM CASAMENTO (Marriage Story, 2019, de Noah Baumbach): Uma das boas surpresas da temporada de premiações em 2020 foi ver um filme simples e cotidiano como História de Um Casamento conseguir indicações em várias das categorias principais de cada cerimônia. Nele, o diretor e roteirista Noah Baumbach volta ao tema da separação que ele próprio já havia abordado em A Lula e a Baleia a partir de uma outra proposta, agora centrado no casal em si e não nos efeitos que o divórcio traz aos filhos. Sem cenas mirabolantes, Baumbach encontra grandeza na simplicidade e, especialmente, nos desempenhos comoventes de Scarlett Johansson e Adam Driver. Na escala dos coadjuvantes, Laura Dern, Alan Alda e Ray Liotta exploram, com diferentes abordagens, o espírito danoso e competitivo que os advogados de divórcio inevitavelmente despertam em um momento delicado como esse. Cada conflito ou reflexão de História de Um Casamento está em momentos corriqueiros do dia a dia, estreitando a possibilidade de identificação do espectador com o filme. Franco e por vezes doloroso, o longa, contudo, tem sua maior maturidade ao apresentar personagens que não estão necessariamente em um período de tentar recuperar o que um dia tiveram. Ele encena outro momento: aquele em que, aos poucos, ambas as partes percebem a necessidade de seguir em frente e superar todo um passado, mesmo que ainda reconheçam o quanto amam um ao outro. Trata-se de uma circunstância difícil de ser absorvida na vida real, mas que História de Um Casamento debate com grande sinceridade.

“1917” e os efeitos do plano-sequência: ganha o fascínio ou a dispersão?

Hope is a dangerous thing.

Direção: Sam Mendes

Roteiro: Krysty Wilson-Cairns e Sam Mendes

Elenco: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Colin Firth, Benedict Cumberbatch, Daniel Mays, Pip Carter, Andy Apollo, Paul Tinto, Josef Davies, Billy Postlethwaite, Gabriel Akuwudike

EUA/Reino Unido, Drama, 119 minutos

Sinopse: Os cabos Schofield (George MacKay) e Blake (Dean-Charles Chapman) são jovens soldados britânicos durante a Primeira Guerra Mundial. Quando eles são encarregados de uma missão aparentemente impossível, os dois precisam atravessar território inimigo, lutando contra o tempo, para entregar uma mensagem que pode salvar cerca de 1600 colegas de batalhão. (Adoro Cinema)

Objeto de reflexões amplas e opostas entre teóricos do cinema como André Bazin e Jacques Aumont, o tão cultuado plano-sequência costuma comover plateias. Em linhas gerais, a ideia consiste na captura de determinada cena sem cortes aparentes, como se a câmera fosse exatamente a mesma ao longo de toda uma ação. Filmes recentes foram altamente elogiados pelo uso dessa técnica, como BirdmanO Regresso (não por acaso, ambos renderam ao mexicano Alejando González-Iñárritu o Oscar de melhor direção). Contudo, há uma diferença crucial entre eles e 1917, que agora tem rendido prêmios e aclamação mundial ao diretor Sam Mendes. Enquanto Iñárritu usava o plano-sequência em momentos pontuais, 1917 narra toda a sua história com essa linguagem, propondo a ideia de que o longa é contado em tempo real durante aproximadamente duas horas.

Como em tudo no cinema, partimos inevitavelmente para o campo da identificação. Tanto o espectador pode interpretar o ambicioso plano-sequência de 1917 como uma poderosa ferramenta de imersão quanto pode se distanciar do filme justamente em função dele. Afinal, onde fica a espontaneidade ou o espaço para a criação quando tudo foi tão planejado em detalhes, além de extensivamente ensaiado para que nada fugisse do controle? Sabemos, claro, que há diversos cortes camuflados, mas a lógica interna de que a história se desenvolve em um único plano exige sincronia e continuidade cirúrgicas. Informações dão conta de que os atores ensaiaram durante seis meses para que tudo fosse registrado da maneira como o diretor Sam Mendes havia imaginado. Por ser uma produção de ampla escala, qualquer erro nesse processo também custaria a 1917 uma boa quantia em dinheiro. 

Toda essa contextualização é importante para entender como não há espaço para naturalidade ou improviso em 1917. A experiência começa muito impressionante, e a sensação de imponência é preservada até o último minuto de projeção porque a equipe técnica reunida aqui é do mais alto nível. Entretanto, com o desenrolar da trama, logo se percebe cada intenção de Sam Mendes na construção desse espetáculo. É perceptível onde o diretor realizou algum corte (conte as cenas em que a tela fica escura de um ambiente para outro e você já terá uma boa noção) ou onde o roteiro, escrito por Mendes em parceria com Krysty Wilson-Cairns, planejou uma pausa reflexiva em meio à adrenalina. Se abrissemos 1917 como um mapa, veríamos cada fronteira dramática e cada movimento técnico desenhados de maneira muito clara. 

Uma comparação feita com fervor até aqui pela crítica e por aqueles que não embarcam na proposta é a de que o longa se assemelha muito a um videogame. E há verdade nisso: em tempo real, os personagens parecem avançar entre fases, enfrentando um desafio a cada novo ambiente explorado. Schofield (George MacKay) e Blake (Dean-Charles Chapman) passam por trincheiras, escapam de tiros, enfrentam um desabamento subterrâneo, desbravam a noite, caem na lama, são levados pela forte correnteza de um rio, administram o surgimento de inimigos inesperados e, quando passam de determinadas fases, encontram até sargentos e generais interpretados por atores famosos como Colin Firth e Benedict Cumberbatch, todos remetendo aos personagens que surgem com explicações ou informações para um jogador ao concluir uma importante etapa de um game.

Em meio a essa lógica que só não entrega um joystick ao espectador para que ele controle a brincadeira, Dean-Charles Chapman e principalmente George MacKay fazem o possível para conferir algum tipo de profundidade aos protagonistas. O desafio é impossível de ser cumprido, pois 1917 está mais preocupado com suas virtudes técnicas do que com qualquer outra coisa, e por isso só resta aos atores a comunicação corporal entre tantas exigências físicas. Ainda é pouco: Chapman e MacKay não vão muito longe dramaticamente, e é até difícil lembrar o rosto de cada um após a sessão. Ambos são empenhados e comprometidos, é verdade, mas limitados à preparação física e aos ensaios de um filme cuja amplitude dramática está concentrada no tamanho da guerra.

Como exercício técnico, 1917 entrega o espetáculo prometido com o uso do plano-sequência: o mestre Roger Deakins se esbalda na direção de fotografia (a sequência noturna é de arrepiar e está entre as mais belas imagens já criadas por ele), Thomas Newman dá o tom clássico de um filme de guerra na trilha sonora e o cuidadoso trabalho de som do quarteto Mark Taylor, Oliver Tarney, Rachael Tate e Stuart Wilson contribui para todas as intenções de imersão do longa. Mendes foi muito mais feliz casando conteúdo e estética em 007 – Operação Skyfall, mas isso não diminui a ambição técnica de 1917, que, como uma produção grandiosa, é irrepreensível. Créditos também devem lhe ser dados pela ideia de fazer uma celebração não a grandes líderes, mas aos homens comuns das trincheiras. E fica por aí. Elogiar mais do que isso está diretamente condicionado ao fato de cada espectador se conectar ou não com a proposta do plano-sequência.

Os vencedores do BAFTA 2020

Seguindo a tendência de outras premiações, 1917 foi o melhor filme no BAFTA 2020.

Na reta final rumo ao Oscar, o BAFTA revelou neste domingo (02) os vencedores de sua criticada seleção de 2020. Sem mulheres concorrendo na categoria de direção e somente com atores brancos na disputa entre atores protagonistas e coadjuvantes, o prêmio britânico seguiu com sua recente tendência de apenas tentar prever o Oscar ao invés de seguir suas próprias intuições. Frente a esse cenário, 1917 foi o grande vencedor da noite, levando sete estatuetas para casa, entre elas a de melhor filme e melhor direção para Sam Mendes. Os atores consagrados também foram os mesmos de outras premiações: Renée Zellweger (Judy), Joaquin Phoenix (Coringa), Laura Dern (História de Um Casamento) e Brad Pitt (Era Uma Vez Em… Hollywood).

A única surpresa que o BAFTA proporcionou e que pode ser um sinal diferenciado para o Oscar foi prêmio de melhor roteiro original entregue a Parasita. O filme de Bong Joon-ho já havia faturado esse mesmo prêmio junto ao Sindicato de Roteiristas no sábado (01), mas lá o favorito Quentin Tarantino (Era Uma Vez Em… Hollywood) estava fora de competição por não ser filiado ao Sindicato. Tarantino, que conquistou o Globo de Ouro e o Critics’ Choice Awards, de repente viu a boa fase do seu filme se dissipar. Com essa dupla vitória de Parasita, não será mais surpresa ver Bong Joon-ho levando a melhor na disputa de roteiro original. Em tempos mais autênticos, o BAFTA talvez tivesse levado a produção sul-coreana ainda mais longe. Pena que os britânicos não ostentam mais a autenticidade de antes.

Confira abaixo a lista completa de vencedores:

MELHOR FILME1917
MELHOR FILME BRITÂNICO1917

MELHOR DIREÇÃO: Sam Mendes (1917)
MELHOR ELENCOCoringa
MELHOR ATRIZ: Renée Zellweger (Judy: Muito Além do Arco-Íris)
MELHOR ATOR: Joaquin Phoenix (Coringa)
MELHOR ATRIZ COADJUVANTE: Laura Dern (História de Um Casamento)
MELHOR ATOR COADJUVANTE: Brad Pitt (Era Uma Vez Em… Hollywood)
MELHOR ROTEIRO ORIGINALParasita
MELHOR ROTEIRO ADAPTADOJojo Rabbit
MELHOR TRILHA SONORACoringa
MELHOR FOTOGRAFIA1917
MELHOR MONTAGEMFord vs. Ferrari
MELHOR DESIGN DE PRODUÇÃO1917
MELHOR FIGURINOAdoráveis Mulheres
MELHOR MAQUIAGEM & PENTEADOS: O Escândalo
MELHOR SOM1917
MELHORES EFEITOS VISUAIS1917

MELHOR FILME EM LÍNGUA NÃO-INGLESAParasita (Coréia do Sul)
MELHOR DOCUMENTÁRIOFor Sama
MELHOR ANIMAÇÃO: Klaus
MELHOR ESTREIA DE UM DIRETOR, PRODUTOR OU ROTEIRISTA BRITÂNICO: Bait (Mark Jenkin, diretor e roteirista; Kate Byers; Linn Waite, produtor)
MELHOR CURTA BRITÂNICO: Learning to Skateboard In A Warzone (If You’re A Girl)
MELHOR CURTA BRITÂNICO: Grandad Was a Romantic
EE RISING STAR AWARD: Micheal Ward

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