Cinema e Argumento

Melhores de 2018 – Roteiro Adaptado

Delicada adaptação do romance homônimo escrito pelo egípcio André Aciman em 2007, Me Chame Pelo Seu Nome tem como base uma história que, literariamente falando, já oferece um riquíssimo material para uma boa transposição ao cinema. Eis, no entanto, que o diretor e produtor Luca Guadagnino convoca James Ivory (Retorno a Howards End, Vestígios do Dia) para cuidar da adaptação. Ivory, aos 89 anos, tornou-se a pessoa mais velha a concorrer (e a vencer) um Oscar, e seu prêmio de melhor roteiro adaptado não poderia ser mais justo: iluminando uma jornada de autodescoberta sexual que normalmente é tratada pelo cinema (e pela vida) com dor e pesar, ele descomplica qualquer discussão em torno da sexualidade de dois personagens para simplesmente encará-los como pessoas apaixonadas e que, assim como todos nós, passam por desencontros, mágoas, frustrações e amadurecimentos. Em cada personagem, há uma imensidão de sentimentos, inclusive naqueles que aparecem tão pouco em cena, como o pai vivido por Michael Stuhlbarg. O que Ivory faz na adaptação de Me Chame Pelo Seu Nome é de uma maturidade ímpar, aliando, com discrição e sabedoria, o talento de um profissional veterano com um material que lhe proporciona todas as munições para o surgimento de uma delicada pérola. Ainda disputavam a categoriaDesobediênciaInfiltrado na KlanPaddington 2 Você Nunca Esteve Realmente Aqui.

EM ANOS ANTERIORES: 2017 – Minha Vida de Abobrinha | 2016 – Carol |  2015 – 45 Anos | 2014 – Garota Exemplar | 2013 – Azul é a Cor Mais Quente| 2012 – Precisamos Falar Sobre o Kevin | 2011 – A Pele Que Habito | 2010 – Direito de Amar | 2009 – Dúvida | 2008 – Desejo e Reparação | 2007 – Notas Sobre Um Escândalo

As Glorias de Sebatián Lelio: histórias praticamente iguais, mas em contextos um tanto diferentes

Despontando como um dos realizadores mais interessantes da atualidade, o chileno Sebastián Lelio recentemente dirigiu um longa-metragem vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro (Uma Mulher Fantástica) e também proporcionou momentos sublimes a atrizes como Rachel Weisz e Rachel McAdams (Desobediência). Ainda assim, a expressão mais cativante de sua identidade como realizador está no ano de 2013, com Gloria, filme que rendeu à protagonista Paulina García um incontestável Urso de Prata de melhor atriz no Festival de Berlim. Lelio diz ter imaginado o papel da protagonista-título especialmente para Paulina, intérprete que sempre o impressionou, mas que, segundo o cineasta, jamais havia recebido um papel à altura de seu talento. De certa forma, o contexto se repete agora, quando Lelio chega aos cinemas brasileiros com o remake do filme que ele próprio dirigiu em 2013.

Dessa vez, o realizador está em Hollywood e com Julianne Moore no papel principal. Não deixa de ser simbólico que ele novamente esteja valorizando uma atriz que, mesmo premiada recentemente com o Oscar (Para Sempre Alice), poderia receber mais papeis dignos de sua excelência. Paulina e Moore são, cada uma a sua maneira, atrizes fascinantes e entregam diferentes perspectivas para a mesma personagem, ainda que Gloria (2013) e Gloria Bell (2019) sejam longas-metragens praticamente idênticos. Se Sebastián Lelio resolveu dirigir o que podemos chamar de uma versão de seu próprio filme chileno para norte-americano ver sem legendas, ao menos a repetição da história vale pela chance de observar duas Glorias tão semelhantes quanto distintas.

Paulina García na última cena de Gloria: premiada por sua interpretação no Festival de Berlim, atriz tem um dos desempenhos femininos mais marcantes do cinema recente de língua latina.

Perto dos 60 anos, Gloria (Paulina García) percebe que os filhos não precisam mais de sua ajuda. Separada, ela vive sozinha, mas mantem uma vida muito ativa: trabalha, almoça com os amigos, frequenta as aulas de yoga da filha e, acima de tudo, não encara a independência ou a solidão como o fim do mundo. Pelo contrário: estar sozinha e frequentar salões de baile em busca de um novo amor ou de apenas uma noite de sexo lhe é tão natural como talvez tenha sido na juventude. É essa a preciosa maturidade de Gloria, o filme: entender o entristecimento da protagonista, mas não fazer de seus dilemas uma densa sessão de terapia na tela grande. Sebastián Lelio, também autor do roteiro ao lado de Gonzalo Maza, busca uma tônica mais agridoce para os dias da personagem, que atravessa as dores e as alegrias de estar viva como qualquer outro ser humano, com seus altos e baixos.

Ver a vida pelos olhos de uma mulher madura sem que ela esteja resumida à questão ou a qualquer sofrimento de sua própria idade faz de Gloria um longa delicadíssimo, inclusive por conhecermos a protagonista por meio de uma ótica cotidiana. Se uma dança em meio à multidão ganha contornos diferenciados, por exemplo, é pela decisão de Sebastián Lelio de capturar o momento com um viés observacional, interferindo o mínimo possível com estilizações ou guinadas de roteiro. Com isso, Gloria se atira com imensa confiança no universo de sua personagem, e acerto maior não há: toda a beleza dessa leitura a respeito de uma mulher que vive, ama, dança e sofre como qualquer um de nós está na construção de uma figura feminina crível e de fácil identificação não apenas para quem tem traços ou histórias em comum com ela.

A imensidão de sutilezas não seria a mesma sem, claro, o desempenho espetacular de Paulina García, que está totalmente alinhada ao espírito do longa de renegar a vitimização. Ela é ao mesmo tempo discreta e profunda em cena, incorporando uma mulher que, sabotada aqui e ali por relações amorosas complicadas ou pelo próprio destino, é encantadora por ter pleno conhecimento de si e por aceitar que, na vida e no amor, é preciso fazer tentar tirar ao menos algum aprendizado das situações mais difíceis. Elegante e radiante, a presença da atriz reforça uma outra percepção muito verdadeira de Gloria: a de que são raros os homens que conseguem conviver com mulheres seguras e autossuficientes. Podem acreditar: é impossível não se apaixonar pela construção de Paulina literalmente até o último milésimo de projeção. 

Apaixonada pelo longa chileno de 2013, Julianne Moore revive, com seu inegável talento, a Gloria de Paulina García, mas com uma perspectiva mais estilizada e rejuvenescida.

Seis anos depois de Gloria, Sebastián Lelio mais uma vez nos leva para o universo da personagem, que, agora em terras hollywoodianas, ganha vida pelas mãos da espetacular Julianne Moore. Em termos de história, vemos praticamente o mesmo filme, com pouquíssimos ajustes (há, no máximo, a inclusão de novos personagens bastante passageiros e falas que são transferidas de uma sequência para outra), decisão tomada deliberadamente pelo diretor, que nunca quis falar sobre outro momentos de Gloria que não fossem aqueles mostrados no filme estrelado por Paulina García. Entretanto, em entrevistas sobre o remake, Lelio revela que, ao revisitar a protagonista, Gloria Bell não deixa de atualizar sua heroína, que agora tem a mesma trajetória encenada em um outro país e cujo universo evoca uma certa estilização que o diretor já havia ensaiado em Uma Mulher Fantástica, com cores fortes e trilha instrumental, por exemplo.

Por contar a mesmíssima história em um curto espaço de tempo, há a sensação de que Gloria Bell é somente um produto encomendado para que os norte-americanos entrem em contato com essa belíssima personagem sem ter que recorrer a um filme chileno com legendas. À parte a questão mercadológica, sejamos justos: a história é maravilhosa, o diretor é o mesmo e, sendo assim, a matemática soa infalível. Gloria Bell bebe da fonte de uma história quase intocada em sua transposição para os norte-americanos, e quem só tem a ganhar com esse texto é Julianne Moore, que, apaixonada pela versão de 2013, ligou para Sebastián Lelio, lançou a ideia de uma refilmagem e logo tornou o projeto possível, inclusive assumindo o cargo de produtora executiva do remake. Tratando-se de Moore, não há o que duvidar: como Gloria, agora batizada com o sobrenome Bell, ela traz para si o melhor de um papel tão rico quanto seu inquestionável talento.

Curiosamente, o que me impede de admirar Gloria Bell tanto quanto admiro Gloria é a escalação da atriz. Nada a ver especificamente com Moore ou com o seu desempenho: na verdade, ela é perfeita para as atualizações propostas para a personagem na refilmagem. O que acontece é que a versão chilena tinha peso maior em sensibilidade e delicadeza porque falava sobre uma mulher se aproximando da terceira idade. Mesmo que Moore tenha 58 anos e seja mais velha ao interpretar o papel do que Paulina era na época (52), sua Gloria é demasiadamente bem fotografada, beirando a glamourização (e, em determinadas cenas, ela ainda transita por luxuosas locações em Las Vegas!). A decisão de escalar um ator muito mais jovem como filho de Gloria (Michael Cera) e de colocar em cena a mãe da protagonista que não existia no filme anterior (Holland Taylor) também deixa a impressão de que Gloria, em sua versão Bell, está, no máximo, chegando aos 50, o que rejuvenesce bastante o contexto de importantes complexidades que, convenhamos, ganham outras camadas na vida de quem já à beira dos 60, como a Gloria de 2013.

Melhores de 2018 – Montagem

Com maestria, Joe Bini ligou todos os pontos de Você Nunca Esteve Realmente Aqui através de uma montagem que carrega o difícil desafio de encontrar um perfeito equilíbrio entre drama, ação e suspense. Se o mais recente filme de Lynne Ramsay é harmônico nos tantos gêneros que se desdobram ao longo da história, certamente é em função da montagem de Bini, que já havia trabalhado com a diretora no também excepcional Precisamos Falar Sobre o Kevin. Boa parte da carga dramática de Você Nunca Esteve Realmente Aqui vem dessa mistura que orquestra com inventividade as potencialidades técnicas de um filme igualmente impactante em trilha sonora e fotografia, por exemplo. Ou seja, além de encontrar o timing perfeito ao transitar por diversas camadas emocionais e de gênero, o montador cria um filme ainda mais sensorial ao interseccionar, de maneira sempre surpreendente, segmentos técnicos que já seriam fascinantes por si só. Ainda disputavam a categoria: Eu, Tonya, O ProcessoRoma As Viúvas.

EM ANOS ANTERIORES: 2017 Em Ritmo de Fuga | 2016 – A Grande Aposta | 2015 – Whiplash: Em Busca da Perfeição | 2014 – O Lobo Atrás da Porta | 2013 – Capitão Phillips | 2012 – Guerreiro | 2011 – 127 Horas | 2010 – A Origem | 2009 – Quem Quer Ser Um Milionário? | 2008 – Onde os Fracos Não Têm Vez | 2007 – Babel

Melhores de 2018 – Efeitos Visuais

Com o desafio de tornar dinâmico e envolvente um filme ambientado praticamente por inteiro em um universo de videogame, o quarteto David Shirk, Grady Cofer, Matthew E. Butler e Roger Guyett misturou técnicas de animação e de capturas de movimento (aquela mesmo que tanto consagrou Andy Serkis em sagas como O Senhor dos Aneis e Planeta dos Macacos) para reproduzir as relações que Jogador Nº1 estabelece entre o real e o virtual, além da infinidade de referências pop que somente um diretor como Steven Spielberg conseguiria colocar na tela com tanta propriedade. É fato que o longa usa e abusa de efeitos visuais sem se preocupar com sutilezas ou economia (seria difícil, considerando as cenas de ação e a gama de personagens recriados e idealizados especialmente para o filme), mas poucas vezes, assim como nos melhores momentos da carreira de Spielberg, o uso das tecnologias serviu tão bem a um entretenimento grandioso, empolgante e inventivo nas mesmas proporções. Ainda disputavam a categoriaPaddington 2Pantera NegraO Primeiro Homem Vingadores: Guerra Infinita.

EM ANOS ANTERIORES: 2017 Blade Runner 2049 | 2016 – Doutor Estranho | 2015 – Mad Max: Estrada da Fúria | 2014 – Planeta dos Macacos: O Confronto| 2013 – Gravidade | 2012 – O Hobbit: Uma Jornada Inesperada | 2011 – Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 | 2010 – Tron: O Legado | 2009 – Avatar (primeiro ano da categoria)

Melhores de 2018 – Canção Original

Como toda canção marcante escrita especialmente para um longa-metragem, “Shallow” é uma excelente síntese em versão musical de tudo aquilo que acompanhamos em Nasce Uma Estrela. Tanto na tela quanto na canção, o espectador se depara com dois personagens insatisfeitos com suas próprias vidas e que, quando se conhecem, passam a enxergar, no amor e na música, uma razão para seguir em frente e criar, mesmo que a vida obviamente continue com inúmeras pedras no caminho. Escrita por Andrew Wyatt, Anthony Rossomando, Lady Gaga e Mark Ronson, “Shallow” é o ponto alto de uma trilha sonora que molda os caminhos emocionais de um filme sobre dois músicos. Também é uma canção que reafirma a incrível potência musical de Lady Gaga e que, acima de tudo, carrega toda a força e a emoção que, para o escriba que vos fala, não se desenha de maneira equivalente no filme em si. Merecidamente premiada com o Oscar, “Shallow” já se firmou como uma das mais canções marcantes premiadas recentemente na categoria, e não por menos: se há uma razão para Nasce Uma Estrela ser lembrado, essa é, sem dúvida alguma, esse hit que ainda levou para casa um Grammy na categoria de melhor performance de uma dupla ou grupo pop. Ainda disputavam a categoria: “All the Stars” (Pantera Negra), “Mystery of Love” (Me Chame Pelo Seu Nome), “Remember Me” (Viva – A Vida é Uma Festa) e “Visions of Gideon” (Me Chame Pelo Seu Nome).

EM ANOS ANTERIORES: 2017 – “Another Day of Sun” (La La Land: Cantando Estações) | 2016 – “Simple Song #3” (A Juventude| 2015 – “Glory” (Selma: Uma Luta Pela Igualdade| 2014 – “Let it Go” (Frozen – Uma Aventura Congelante| 2013 – “Last Mile Home” (Álbum de Família| 2012 – “Skyfall” (007 – Operação Skyfall| 2011 – “Life’s a Happy Song” (Os Muppets| 2010 – “Better Days” (Comer Rezar Amar| 2009 – “By the Boab Tree” (Austrália| 2008 – “Falling Slowly” (Apenas Uma Vez)

Três atores, três filmes… com Fatimarlei Lunardelli

Foto: Taiane Lunardelli

Em dezembro do ano passado, quando completei 11 anos ininterruptos de atividades com o Cinema e Argumento, recebi, com muita honra, o convite para integrar a Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul – ACCIRS. Quem me fez esse convite foi a queridíssima jornalista Fatimarlei Lunardelli, atual vice-presidente da associação e que agora recebo aqui na coluna Três atores, três filmes. A entrada na ACCIRS foi uma honra dupla porque, fora a alegria de ter meu trabalho vinculado a essa respeitada entidade, o convite veio especificamente da Fatimarlei, uma grande profissional com vasta atuação no campo da crítica de cinema. Jornalista pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul, mestre em Artes e doutora em Ciências da Comunicação pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, a Fati é professora de História do Cinema Internacional no Curso de Realização Audiovisual da Unisinos. Também é autora de livros e artigos sobre cinema, e tem um site de autoria própria, o Escrita Crítica, onde compartilha periodicamente suas percepções acerca dos mais variados filmes. Para a coluna, ela propôs um formato inédito: falar sobre três atores não a partir de três desempenhos específicos, mas através de alguns dos tantos diretores que contribuíram para a formação de suas mitológicas carreiras. São análises imperdíveis. Confiram abaixo!

Clint Eastwood
Aprecio o cinema pelos diretores, mais do que pelos atores. Minha relação com os filmes é sempre a partir desse sujeito que cria ou, no mais das vezes, é o orquestrador dos múltiplos talentos que se conjugam em sons e imagens que ocupam a tela. Não é comum que diretores sejam também atores e quando isso acontece o resultado nem sempre é satisfatório. Não é o caso de Clint Eastwood, que admiro tanto como cineasta quanto intérprete. Foi no western recriado como spaghetti por Sérgio Leone que Clint começou. Em 1992 ele dirigiu e protagonizou Os Imperdoáveis, obra-prima definitiva desse gênero que se confunde com a própria origem do cinema. Quando Clint se lançou como diretor em 1971, com Perversa Paixão, criou para si o personagem do radialista de jazz que rompeu com o estereótipo do cara durão do velho oeste e dos filmes de ação. Amante de jazz, ele mesmo compositor, Clint dirigiu Bird (1988), ousada cinebiografia de Charlie Parker, o documentário Piano Blues (2003), e resgatou nas trilhas nomes esquecidos como o de Johnny Hartman em As Pontes de Madison (1995), no qual contracena com Meryl Streep, um dos filmes mais românticos da história do cinema. Como intérprete nos próprios filmes ele encenou o personagem caído que busca redenção, solitário, com uma sensibilidade relutante, protegida por um sarcasmo mal-humorado. Dos filmes que dirigiu e interpretou, Menina de Ouro (2004), Gran Torino (2008) e, agora A Mula (2018), na qual Clint Eastwood aparece em cena com 88 anos, estão entre os melhores já realizados no cinema. Nos personagens que encarna, no drama que desenvolve, seus filmes tocam nas questões básicas da existência.

Marcello Mastroianni
Marcello Mastroianni fez quase 150 filmes e foi protagonista de vários que estão entre os que mais amo no cinema, dirigidos por Ettore Scola e Federico Fellini. Em Nós que nos Amávamos Tanto (1974) numa homenagem emocionante de Scola ao amigo Federico, Marcello aparece como ele mesmo na cena cinematográfica mais linda já criada, aquela do banho na Fontana di Trevi, em A Doce Vida (1960). Nas mãos de gênio de Fellini Marcelo foi seu alter ego em crise no 8 ½ (1963). Sedutor e seduzido pelas mulheres, dócil e ao mesmo tempo exasperante, seu personagem antecipa o Snáporaz perdido de Cidade das Mulheres (1980). Mastroianni começou diretamente no cinema, no início dos anos 40, foi aprendendo a interpretar nos sets de filmagem e só depois fez aulas de teatro. Tinha presença física marcante, uma beleza masculina que o transformou logo em símbolo sexual. Foi para quebrar o mito do latin lover que interpretou o macho impotente em O Belo Antônio (1960), de Mauro Bolognini. Mas foi com Ettore Scola, com o qual iniciou em 1970, em Dramma della Gelosia, que Mastroianni fez um de seus personagens antológicos, o radialista homossexual de Um Dia Muito Especial (1977). A arte do ator é o teatro, lugar por excelência do artista da interpretação; no cinema, na maior parte das vezes, é preciso apenas entregar o corpo para o trabalho criativo do diretor. Mastroianni, que tinha uma certa melancolia meio tímida, se deu com doçura e plena entrega a essa arte do século XX, inscrevendo-se em alguns dos momentos mais sublimes da história do cinema.

Juliete Binoche
Juliette Binoche me encanta. O sistema de estrelas, que ajudou a estruturar a indústria do cinema, se desenvolveu junto com os recursos da câmera de se aproximar dos corpos, percorrer as superfícies, chegar tão perto do rosto a ponto de revelar os sentimentos dos personagens sem que nada seja dito. É no corpo frágil de Juliette que se mostra o espírito valente da mulher de A Liberdade é Azul (1993) que perde tudo e, ainda assim, escolhe viver. Francesa nascida em Paris, com formação em arte dramática, Juliette tem uma carreira desigual, protagonizou filmes insignificantes, mas também deu sorte, tornou-se inesquecível como protagonista do primeiro filme da fabulosa Trilogia das Cores, de Krzysztof Kieslowski. Na mão de grandes diretores, como Abbas Kiarostami em Cópia Fiel (2010), a atriz deixou sua marca na cena belíssima em que corrige o batom diante do espelho e, logo adiante, contracena com Jean-Claude Carrière. O roteirista, que é uma lenda, escreveu a adaptação para o cinema de A Insustentável Leveza do Ser (1988), do tcheco Milan Kundera, filme que projetou Juliette, no início de sua carreira. A diferença entre os grandes filmes e aqueles que são apenas artesanato bem-feito são os artistas que se conjugam num momento único que resulta no filme. Ao lado de Daniel Day-Lewis e Lena Olin, Juliete foi filmada pelo grande Sven Nykvist, o fotógrafo de Ingmar Bergman, o maior decifrador de rostos da história do cinema. Outro momento memorável da atriz é O Paciente Inglês (1997) num papel secundário que lhe deu um merecido Oscar.

Melhores de 2018 – Maquiagem & Penteados

Pouco reconhecido na temporada de premiações deste ano, o trabalho de maquiagem e penteados de Pantera Negra é tão interessante e sofisticado quanto outros segmentos do filme que chegaram a vencer o Oscar, como o design de produção, os figurinos e a trilha sonora. Tomando como base uma ampla e meticulosa pesquisa envolvendo as identidades de inúmeros povos africanos através dos séculos, o trio formado por Camille Friend, Joel Harlow e Ken Diaz buscou criar para o longa determinados grupos de personagens que, em termos de maquiagem e penteados, perfeitamente se equivalem a tribos e guerreiros que realmente existiram em países como Etiópia, Namíbia, Gana e República do Congo. A pesquisa realizada in loco na África não se limita, no entanto, à mera cópia, uma vez que Camille, Joel e Ken idealizaram todo o seu trabalho sob a luz dos dias atuais: para eles, era questão de honra, por exemplo, que as mulheres do fictício país Wakanda fossem fortes, belas e imponentes a sua própria maneira, estabelecendo uma referência de beleza que a sociedade como um todo nunca se interessou em criar para mulheres negras. Excelência com consciência: uma combinação impecável. Ainda disputavam a categoriaO Destino de Uma Nação Eu, Tonya.

EM ANOS ANTERIORES: 2017Blade Runner 2049 | 2016 – Ave, César! | 2015 – Mad Max: Estrada da Fúria | 2014 – O Grande Hotel Budapeste | 2013 – A Morte do Demônio | 2012 – A Dama de Ferro (primeiro ano da categoria)

Melhores de 2018 – Som

Realizar um filme de terror onde a tensão e os sustos são construídos através da discrição e não a partir de barulhos estridentes ou de trilhas acima do tom não é prática muito comum no gênero, especialmente se considerarmos as grandes produções hollywoodianas. Por isso mesmo é precioso o trabalho de som realizado pela dupla Ethan Van Der Ryn e Erik Aadahl para Um Lugar Silencioso. Tratando o silêncio como um personagem muito mais importante do que os próprios protagonistas de carne e osso, Van Der Ryn e Aadahl articulam a sensação de ameaça e perigo por meio de cada inflexão de som, potencializando-o com a sua quase ausência e não com a sua excessiva presença. O feito é grandioso: tanto Um Lugar Silencioso envolve por completo as plateias hiper-conectadas e dispersas dos dias de hoje como constrói uma narrativa própria de suspense e drama através do som, revitalizando no cinema comercial aquela máxima por vezes tão esquecida e subestimada: a de que menos é sempre mais. Ainda disputavam a categoriaBohemian Rhapsody, Ilha dos CachorrosNasce Uma Estrela e Você Nunca Esteve Realmente Aqui.

EM ANOS ANTERIORES: 2017 Dunkirk | 2016 – Ponto Zero | 2015 – Mad Max: Estrada da Fúria | 2014 – Até o Fim | 2013 – Gravidade | 2012 – 007 – Operação Skyfall | 2011 – Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 | 2010 – Tron: O Legado | 2009 – Avatar | 2008 – WALL-E | 2007 – O Ultimato Bourne

Os vencedores do Oscar 2019

Olivia Colman e o Oscar de melhor atriz por A Favorita: apesar da sétima derrota de Glenn Close, prêmio foi para um papel e uma interpretação que ficarão para a posteridade.

Provando que um apresentador não faz falta alguma, o Oscar 2019 trouxe um desfecho inacreditavelmente indigesto para uma temporada tortuosa e de ideias muito confusas. Afinal, como a mesma Academia premia o fabuloso desempenho de Olivia Colman em A Favorita e o roteiro de Spike Lee em Infiltrado na Klan, mas consagra o empoeirado Green Book: O Guia como melhor filme e dá o título de longa mais premiado da noite para Bohemian Rhapsody? É simplesmente inexplicável. Há pouco o que se dizer de uma noite marcada por alguns prêmios disruptivos (além dos já citados, foi lindo ver Pantera Negra faturando trilha sonora, design de produção e figurino) que parecem ofuscados pela vitória de um filme antiquado, de mensagens ultrapassadas e que em qualquer universo sensato não se equivale tematicamente a Infiltrado na Klan, A Favorita Pantera Negra.

O que se leva da cerimônia são os discursos de Olivia Colman (por uma vitória merecida e ao mesmo tempo intrigante em melhor atriz), Spike Lee e Regina King, todos marcantes, e também a tradicional e poderosa performance vocal de Lady Gaga com “Shallow”, que lhe rendeu o prêmio de melhor canção. De resto, nada a ser lembrado. Se você pensava que as amargas vitórias de Crash – No LimiteO Discurso do Rei não poderiam ser superadas, a Academia sempre nos lembra, assim como o Brasil e o mundo ultimamente, que tudo sempre pode piorar.

Confira abaixo a lista completa de vencedores:

MELHOR FILME: Green Book: O Guia
MELHOR DIREÇÃO: Alfonso Cuarón (Roma)
MELHOR ATRIZ: Olivia Colman (A Favorita)
MELHOR ATOR: Rami Malek (Bohemian Rhapsody)
MELHOR ATRIZ COADJUVANTE: Regina King (Se a Rua Beale Falasse)
MELHOR ATOR COADJUVANTE: Mahershala Ali (Green Book: O Guia)
MELHOR ROTEIRO ORIGINAL: Green Book: O Guia
MELHOR ROTEIRO ADAPTADOInfiltrado na Klan
MELHOR FILME ESTRANGEIRO: Roma
MELHOR ANIMAÇÃO: Homem-Aranha no Aranhaverso

MELHOR TRILHA SONORA: Pantera Negra
MELHOR CANÇÃO ORIGINAL: “Shallow” (Nasce Uma Estrela)
MELHOR MONTAGEM: Bohemian Rhapsody
MELHOR DESIGN DE PRODUÇÃO: Pantera Negra
MELHOR FOTOGRAFIA: Roma
MELHOR FIGURINO: Pantera Negra

MELHOR MIXAGEM DE SOMBohemian Rhapsody
MELHOR EDIÇÃO DE SOM: Bohemian Rhapsody
MELHOR MAQUIAGEM & PENTEADOSVice
MELHORES EFEITOS VISUAISO Primeiro Homem
MELHOR DOCUMENTÁRIO: Free Solo
MELHOR CURTA-METRAGEM: Skin
MELHOR CURTA-METRAGEM (ANIMAÇÃO): Bao
MELHOR CURTA-METRAGEM (DOCUMENTÁRIO)Period. End of Sentence.

Apostas para o Oscar 2019 (e algumas breves impressões sobre os indicados, a cerimônia e os favoritos)

O Oscar 2019 já é histórico porque poucas vezes a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood se viu tão encurralada com a repercussão de suas escolhas inexplicáveis e catastróficas. Mal sabíamos, por exemplo, que a ideia de um prêmio para filmes populares lançada ainda em 2018 seria apenas o início de uma série de polêmicas: após voltar atrás dessa ideia, o Oscar também se viu sem apresentador (Kevin Hart abandonou o cargo após seus tweets homofóbicos serem desenterrados na internet) e em maus lençóis com praticamente toda a indústria ao decidir não apresentar ao vivo determinadas categorias técnicas, ao não convocar os atores vencedores de anos anteriores para que eles tradicionalmente apresentassem os consagrados deste ano e ao inventar que somente algumas das canções indicadas seriam apresentadas na cerimônia. O presidente da Academia, John Bailey, voltou atrás de todas as decisões, provando que tanto não tem tino para comandar o prêmio mais célebre do Cinema como é incapaz de tomar qualquer decisão com plena convicção. Tudo isso, aliado ao fato de que o Oscar 2019 tem uma das seleções mais fracas em pelo menos duas décadas, faz com que cinéfilos do mundo inteiro sintonizem na cerimônia de hoje à noite quase com uma curiosidade mórbida: afinal, após tantas decisões erradas, ainda é possível esperar algo de bom da premiação?

O mínimo de defesa que podemos fazer em relação ao Oscar 2019 é essa: a seleção de melhor filme, apesar da baixa média de qualidade, é a fiel representação daquilo que vemos em Hollywood ao longo do ano. Entre os oito títulos indicados na categoria principal, temos filme de super-herói (Pantera Negra), sátira política (Vice), uma obra estrangeira lançada diretamente em streaming (Roma), a biografia musical que os votantes (e o público) tanto adoram (Bohemian Rhapsody), olhares superficiais ou profundos sobre questões sociais e raciais (Green BookInfiltrado na Klan), uma comédia dramática de época (A Favorita) e uma refilmagem impulsionada por um galã confiável da indústria ao lado de uma gigante pop star (Nasce Uma Estrela). Acuse o Oscar 2019 do que você quiser, menos de ele não representar, para o bem e para o mal, nas devidas dimensões, tudo aquilo que faz sucesso entre público e crítica este ano. Mais do que isso, é gratificante ver a Academia finalmente se abrindo para obras mais populares, aceitando e reconhecendo que Hollywood vive e sobrevive por causa delas e que não há mal algum em abrir as portas para os longas que tanto mobilizam milhões (ou bilhões) de pessoas mundo afora.

Falando dos filmes propriamente ditos, o nível realmente não é alto e, pela primeira vez, acho que chego a um Oscar sem ter um filme que vou levar para a vida inteira. Admiro demais Roma, por exemplo, ao mesmo tempo em que sou apaixonado por tudo aquilo que a A Favorita representa em termos de transgressão narrativa, mas também tenho problemas imensos com Green Book: O Guia, um filme que considero simplesmente inadmissível de tão empoeirado. Também acho Vice um CTRL+C/CTRL+V do formato de A Grande Aposta, assim como sigo sem entender tanta paixão por Nasce Uma Estrela, uma obra que é igual a incontáveis outras que já vimos sobre romances conturbados no mundo da música. O que me pega mesmo no Oscar 2019 é a seleção de títulos estrangeiros que, atenção, é amplamente liderada por Roma, que concorre em dez categorias, mas que está longe de ser resumida a isso. Na maratona deste ano, ainda me faltou ver Guerra Fria, mas o japonês Assunto de Família e especialmente o libanês Cafarnaum são claros exemplos de como os longas não falados em inglês são mais sofisticados, interessantes e comoventes do que os concorrem na categoria principal. Esses sim eu vou guardar no meu coração como as melhores lembranças dessa temporada.

Com favoritos em pouquíssimas categorias, o Oscar 2019 acontece na noite deste domingo (24) com a real sensação de que tudo pode acontecer, o que pode não significar boa coisa. Não duvide, por exemplo, que o adorado e premiado Roma de repente saia da cerimônia sem o prêmio principal para que Green Book, o clássico filme formulaico e apaziguador sobre racismo, seja o grande consagrado da noite. É importante lembrar: há pelo menos dois anos o Oscar cansa do grande favorito da temporada para premiar outro título: foi assim com La La Land sendo desbancado por Moonlight e com Três Anúncios Para Um Crime perdendo o prêmio principal para A Forma da Água. Seria muito triste ver Green Book tirando o prêmio de Roma, mas é um cenário possível e bastante real. Entre os atores, viverei uma alegria sem fim quando Glenn Close finalmente subir ao palco para levar o Oscar por A Esposa, mas o meu coração está com Olivia Colman em A Favorita. Sem ter visto Regina King em Se a Rua Beale Falasse, também torço pelo filme de Yorgos Lanthimos entre as coadjuvantes: Amy Adams, de quem eu gosto muito em Vice, precisa me desculpar, já que a minha torcida fica sem pensar duas vezes com Rachel Weisz.

Aqui no Brasil, o Oscar 2019 será transmitido pelo canal TNT a partir das 20h30 com o Tapete Vermelho e a partir das 22h com a cerimônia oficial. No mais, compartilho abaixo as apostas para a noite de hoje e também as duas lives realizadas na página do Cinema e Argumento no Facebook sobre as categorias de atuação e interpretação. Logo mais nos vemos uma outra vez para comentar os vencedores. Até lá!

APOSTAS

MELHOR FILMERoma / alt: Green Book: O Guia
MELHOR DIREÇÃO: Alfonso Cuarón (Roma) / alt: Spike Lee (Infiltrado na Klan)
MELHOR ATRIZ: Glenn Close (A Esposa) / alt: Olivia Colman (A Favorita)
MELHOR ATOR: Rami Malek (Bohemian Rhapsody) / alt: Christian Bale (Vice)
MELHOR ATRIZ COADJUVANTE: Regina King (Se a Rua Beale Falasse) / alt: Amy Adams (Vice)
MELHOR ATOR COADJUVANTE: Mahershala Ali (Green Book: O Guia) / alt: Richard E. Grant (Poderia Me Perdoar?)
MELHOR ROTEIRO ORIGINALA Favorita / alt: Green Book: O Guia
MELHOR ROTEIRO ADAPTADOInfiltrado na Klan / alt: Poderia Me Perdoar?
MELHOR FILME ESTRANGEIRO: Roma / alt: Guerra Fria
MELHOR ANIMAÇÃO:Homem-Aranha no Aranhaverso / alt: Ilha dos Cachorros

MELHOR TRILHA SONORA: Se a Rua Beale Falasse / alt: Pantera Negra
MELHOR CANÇÃO ORIGINAL: “Shallow” (Nasce Uma Estrela) / alt: “All the Stars” (Pantera Negra)
MELHOR MONTAGEMVice / alt: Bohemian Rhapsody
MELHOR DESIGN DE PRODUÇÃO: A Favorita / alt: Roma
MELHOR FOTOGRAFIA: Roma / alt: Guerra Fria
MELHOR FIGURINO: A Favorita / alt: Pantera Negra

MELHOR MIXAGEM DE SOMBohemian Rhapsody / alt: Nasce Uma Estrela
MELHOR EDIÇÃO DE SOMUm Lugar Silencioso / alt: Bohemian Rhapsody
MELHOR MAQUIAGEM & PENTEADOSVice / alt: Duas Rainhas
MELHORES EFEITOS VISUAISO Primeiro Homem / alt: Vingadores: Guerra Infinita

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Melhores de 2018 – Figurino

Figurinista dos filmes de Paul Thomas Anderson desde quando o cineasta estreou em longas-metragens com Jogada de Risco em 1996, Mark Bridges recriou para Trama Fantasma toda a inspiração da moda britânica dos anos 1950, imaginando o que vestiria a geração que chegava ao fictício ateliê House of Woodcock para encomendar as desejadas criações do estilista vivido por Daniel Day-Lewis. É um trabalho sofisticado que não torna as peças hiperbólicas, como se elas fossem um personagem à parte, já que, em cada vestido projetado por Reynolds, existe muito do perfeccionismo e da forte personalidade do protagonista. Dessa forma, Mark Bridges trabalhou de forma muito próxima com Day-Lewis, definindo junto ao ator quais seriam os traços não das roupas daquela época, mas sim daquelas que o personagem teria criado com tanto controle e orgulho. O belíssimo resultado rendeu ao figurinista um segundo e incontestável Oscar (o primeiro veio por O Artista em 2012). Ainda disputavam a categoriaAnimais Fantásticos: Os Crimes de GrindelwaldO Destino de Uma NaçãoA Forma da Água O Retorno de Mary Poppins.

EM ANOS ANTERIORES: 2017 Jackie | 2016 – Carol | 2015 – Macbeth: Ambição e Guerra | 2014 – O Grande Hotel Budapeste | 2013 – Anna Karenina | 2012 – W.E. – O Romance do Século | 2011 – O Discurso do Rei | 2010 – A Jovem Rainha Victoria | 2009 – O Curioso Caso de Benjamin Button | 2008 – Elizabeth – A Era de Ouro | 2007 – Maria Antonieta

Melhores de 2018 – Design de Produção

Inicialmente idealizado como uma obra em preto e branco, A Forma da Água logo se coloriu quando o diretor Guillermo Del Toro convocou Paul D. Austerberry para assinar o design de produção do filme junto à dupla Jeffrey A. Melvin e Shane Vieau. Austerberry não apenas convenceu Del Toro que seu filme seria muito mais pulsante e instigante caso abandonasse a ideia do preto e branco como analisou com o diretor cada uma das 3.500 cores da paleta proposta para o design de produção do projeto. Mais do que isso, Austerberry, Melvin e Vieau mergulharam criativamente nas assumidas referências estéticas do cineasta, como o longa Os Sapatinhos Vermelhos, de 1948, para moldar os cenários e as decorações dos diferentes núcleos de A Forma da Água. Entre os laboratórios onde Elisa (Sally Hawkins) trabalha e os apartamentos envelhecidos em cima de um cinema de rua, o design de produção do filme transita entre a fantasia e o realista estado emocional de seus personagens com detalhes tão mínimos quanto impressionantes. Ainda disputavam a categoriaAnimais Fantásticos: Os Crimes de GrindelwaldO Retorno de Mary PoppinsRoma Sem Fôlego.

EM ANOS ANTERIORES: 2017 Blade Runner 2049 | 2016 – Animais Fantásticos e Onde Habitam | 2015 – Expresso do Amanhã | 2014 – O Grande Hotel Budapeste | 2013 – Anna Karenina | 2012 – A Invenção de Hugo Cabret | 2011 – Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte 2 | 2010 – O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus | 2009 – O Curioso Caso de Benjamin Button | 2008 – Sweeney Todd – O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet | 2007 – Maria Antonieta

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