Somos Tão Jovens

Direção: Antonio Carlos da Fontoura

Roteiro: Marcos Bernstein

Elenco: Thiago Mendonça, Laila Zaid, Bruno Torres, Bianca Comparato, Sandra Corveloni, Marcos Breda, Daniel Passi, Conrado Godoy, Olivia Torres, Kotoe Karasawa, René Machado, Leonardo Villas Braga

Brasil, 2013, Drama, 104 minutos

Sinopse: Brasília, 1973. Renato (Thiago Mendonça) acabou de se mudar com a família para a cidade, vindo do Rio de Janeiro. Na época ele sofria de uma doença óssea rara, a epifisiólise, que o deixou numa cadeira de rodas após passar por uma cirurgia. Obrigado a permanecer em casa, aos poucos ele passou a se interessar por música. Fã do punk rock, Renato começa a se envolver com o cenário musical de Brasília após melhorar dos problemas de saúde. É quando ajuda a fundar a banda Aborto Elétrico e, posteriormente, a Legião Urbana. (Adoro Cinema)

Somos Tão Jovens não quer ser um retrato completo de Renato Russo assim como Cazuza – O Tempo Não Para narrou praticamente todas as fases da vida pessoal e profissional de seu cantor-título. O filme sobre o vocalista do Legião Urbana é uma espécie de Coco Antes de Chanel, sendo a reprodução da vida de Renato Russo antes de ele se tornar o ícone de toda uma geração. E, mesmo com essa proposta diferenciada (que nunca é vendida apropriadamente pela divulgação), Somos Tão Jovens não empolga e falha em praticamente todos os sentidos, seja como o retrato de um tempo completamente influenciado pela música ou de um jovem que já começava a dar indícios de que um dia seria uma das maiores referências da música brasileira.

Para ser bem sincero, o Renato Russo que vemos em Somos Tão Jovens é um chato. Mimado, inconstante e estranho, o jovem, cinematograficamente falando, poderia sim ter essas características que dariam maior amplitude ao personagem que só conhecemos no palco frente ao Legião Urbana. Porém, a forma como o roteiro de Marcos Bernstein desenvolve Renato é extremamente rasa, o que faz com que todos esses detalhes se tornem um verdadeiro empecilho. É difícil se envolver com o protagonista, que muitas vezes tem atitudes aleatórias e é constantemente tratado como um piadista. Atenção especial para os momentos envolvendo a morte de John Lennon, desnecessariamente prolongados e que servem apenas como alívio cômico.

Por falar em referências musicais, eis aí outro detalhe incômodo do filme. Marcos Bernstein acha que, para fazer um panorama do cenário musical de uma época, basta colocar nomes de bandas na boca dos personagens. Por isso, chegam a soar superficiais as conversas dos personagens sobre Sex Pistols ou Led Zeppelin, por exemplo. Ainda além: a irritante obsessão de Renato de que todo mundo tenha que ouvir sua fita cassete de rock é outra investida que não dá a dimensão esperada. Ser um jovem rebelde em tempos de ditadura e fazer música com bandas de garagem é um estereótipo que não precisava simplificar Somos Tão Jovens. Pode até soar como uma escolha de querer mostrar o lado “normal” do protagonista, mas simplesmente não dá certo quando um filme se utiliza de todas obviedades possíveis dessa abordagem.

É por isso que o longa de Antonio Carlos da Fontoura nunca parece um relato sobre Renato Russo. O pior não é nem a produção não estar à altura do ícone que deseja mostrar, mas nunca dar indícios, por meio do roteiro, de que ele, em algum lugar daquele adolescente chato, está ali. Assim, Somos Tão Jovens é um amontoado de situações praticamente desconexas onde jovens cantam, bebem, conversam, etc. O próprio processo criativo de Renato Russo é inexistente: as canções simplesmente surgem sem qualquer circunstância ou inspiração aparente/convincente. Mais grave ainda: canções clássicas como Faroeste Caboclo, Que País é Esse? e Eduardo e Mônica são prejudicadas por essa superficialidade e não têm sequer um impacto interessante como trilha sonora ou memória afetiva.

É inevitável não fazer comparações com Cazuza – O Tempo Não Para, que saiu tão bem na parte musical, dando destaque a vários sucessos musicais das mais variadas formas, e na própria abordagem da vida pessoal do cantor. Em Somos Tão Jovens tudo é o oposto, o que se reflete também no que Renato Russo vivia afetivamente. Se os pais dele aparecem como meros estereótipos de figuras engessadas da época, questões delicadas como a homossexualidade de Renato nunca recebem a atenção que mereciam. O fato do cantor se assumir não traz conflito algum (e não vemos o efeito que isso causou em seus pais) e os flertes do jovem se resumem apenas a olhadas de canto – o que nunca deixa claro para o espectador leigo quando foi de fato a primeira vez que ele ficou com um homem. Por falar em leigo, quem confere Somos Tão Jovens sem conhecimento do líder do Legião Urbana sai da sala de cinema com a sensação de que nada aprendeu sobre ele. Não dá para ignorar esse resultado tão raso e convencional de um ícone que marcou gerações.

O filme de Antonio Carlos da Fontoura também tem um forte problema de elenco: ao passo que Thiago Mendonça deixa evidente que não está incorporando Renato de forma natural (percebam como os tiques são excessivamente repetitivos, como a ajeitada no óculos a cada dez minutos), o elenco de suporte ainda é pífio, com atores subutilizados e ineficientes (a exceção talvez seja Laila Zaid, com uma interpretação bastante, digamos, afetiva). Ainda em comparações com Cazuza – O Tempo Não Para, falta em Somos Tão Jovens a total imersão de um Daniel de Oliveira ou a inestimável afetividade de Marieta Severo como a figura materna. É isso mesmo: enquanto o filme de Sandra Werneck e Walter Carvalho fez um retrato emocionante de um cantor importantíssimo para a música brasileira, Somos Tão Jovens perdeu a chance de fazer o mesmo. E o máximo de emoção está presente,  justamente, na cena final, que é um registro de arquivo da primeira apresentação do Legião Urbana no Circo Voador. Ou seja, a vida real precisou literalmente invadir o filme para que ele tivesse pelo menos um grande momento.

FILME: 5.0

Amor Profundo

Beware of passion, Hester. It always leads to something ugly.

Direção: Terence Davies

Roteiro: Terence Davies, baseado na peça homônima de Terence Rattigan

Elenco: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Ann Mitchell, Simon Russell Beale, Karl Johnson, Jolyon Coy, Harry-Hadden Paton, Sarah Kants, Oliver Ford Davies, Barbara Jefford, Mark Tandy, Nicolas Amer

The Deep Blue Sea, EUA/Inglaterra, Drama, 98 minutos

Sinopse: Na década de 1950, Hester Collyer (Rachel Weisz) é a jovem esposa de um importante juiz do Estado, Sir William Collyer (Simon Russell Beale). Envolvida em um casamento afetuoso, mas sem contato sexual, Hester inicia uma relação fulgurosa com um piloto aéreo (Tom Hiddleston) perturbado por suas experiências durante a guerra. Quando a relação entre os dois é descoberta, Hester decide cometer suicídio. Mas quando os planos falham, ela começa a questionar as escolhas que fez em sua vida. (Adoro Cinema)

Há quem questione o fato de Rachel Weisz ter vencido praticamente todos os prêmios possíveis por interpretar Tessa Quayle em O Jardineiro Fiel. Ela tinha uma concorrente de peso e tão boa quanto (Michelle Williams, por O Segredo de Brokeback Mountain), mas é meio injusto dizer que Weisz não merecia celebrações pelo filme de Fernando Meirelles. Isso porque poucas vezes ela foi devidamente aproveitada como naquele filme. Depois de O Jardineiro Fiel, no entanto, a carreira dela não mudou muito e foram raríssimas as suas chances de destaque (lembro com carinho apenas de sua pequena participação em Um Beijo Roubado), mas agora ela tem mais uma grande oportunidade de colocar seu talento à mostra em Amor Proundo, um longa que dá várias circunstâncias para Weisz brilhar frente às câmeras. O resultado é não apenas um dos momentos mais interessantes da carreira da atriz. Ela própria consegue ser muito maior que o próprio filme.

Baseado na peça homônima de Terence Rattigan, Amor Profundo quer ser um mini-clássico dos filmes de romance com protagonistas complicadas que não conseguem ter sucesso em qualquer investida amorosa. Tudo colabora para isso: Londres, década de 1950, cenários tomados por fumaça de cigarro, vocabulário elegante, frases prontas, figurinos bem desenhados, fotografia nebulosa, e por aí vai. É um trabalho que emula bastante a técnica britânica de fazer histórias nesse formato. Ponto positivo, portanto, para o filme, que consegue ser eficiente quando leva o espectador para o universo da personagem, tornando aquele determinado pedaço de tempo e espaço completamente críveis. Na técnica, o trabalho de Terence Rattigan é certeiro ao fazer a devida ambientação e tem o mérito de transpor o espetáculo original para as telas de cinema sem qualquer confusão entre as linguagens.

A situação já é outra quando o assunto é dramaticidade, pois o maior problema de Amor Profundo é o fato do roteiro não conseguir dar conta da protagonista. A Hester Collyer de Rachel Weisz parece não caber no filme. Mesmo com um ritmo arrastado, o texto tem dificuldade em processar e transmitir tudo o que se passa com a protagonista. Saindo de um casamento infeliz e arriscando seu destino com uma paixão que pode não lhe dar o mais seguro dos futuros, ela vai da paixão à tentativa de suicídio sem que o filme acompanhe essa turbulência de emoções. Se muito parece acontecer dentro dela, o mesmo já não se pode dizer de Amor Profundo, que está sempre carente de maiores intensidades. Por isso mesmo, é completamente normal sentir que que algo está sempre faltando ou que as motivações de Hester nunca ficam muito claras ou até mesmo convincentes.

É por não estar em sintonia com o intenso emocional de sua protagonista que Amor Profundo termina como apenas uma experiência mediana. Em suma, cobertura demais para pouco recheio. O ponto alto, claro, é Rachel Weisz, que chegou a ser eleita a atriz do ano pela associação de críticos de Nova York e figurar entre as cinco finalistas de melhor atriz dramática no Globo de Ouro. Ela é a principal responsável por Amor Profundo ter certa força dramática. Uma vez ou outra, o filme lhe dá oportunidades para desfrutar de bons momentos com Simon Russell Beale, um coadjuvante que consegue elevar o filme a um outro patamar: toda vez que a Hester de Weisz contracena com o marido traído e ainda apaixonado de Beale, o filme de Terrence Davies ganha uma força extra. Perto do todo, no entanto, é pouco para tornar a experiência empolgante ou emocionante.

FILME: 6.5

A Morte do Demônio

You… have… to get me… out of here.

Direção: Fede Alvarez

Roteiro: Fede Alvarez e Rodo Sayagues, baseado no roteiro de Sam Raimi para o filme homônimo de 1981

Elenco: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci, Jessica Lucas, Elizabeth Blackmore, Sian Davis, Jim McLarty, Phoenix Connolly, Randal Wilson, Stephen Butterworth, Karl Willetts

Evil Dead, EUA, 2013, Terror, 91 minutos

Sinopse: Mia (Jane Levy) é uma garota viciada em drogas. Ela é levada pelos amigos Olivia (Jessica Lucas) e Eric (Lou Taylor Pucci) para uma cabana isolada na floresta, no intuito de realizarem uma longa cura de desintoxicação. Para a surpresa de todos, o irmão de Mia, David (Shiloh Fernandez), rapaz afastado dos amigos e familiares há tempos, também aparece, junto de sua namorada, Natalie (Elizabeth Blackmore). Entretanto, eles são surpreendidos ao descobrirem que a cabana havia sido invadida, e que o porão parece uma espécie de altar grotesco, repleto de animais mortos. Lá eles encontram um livro antigo, trancado. Atraído, Eric resolve abri-lo e lê-lo em voz alta, sem imaginar as consequências de seus atos. Mia começa a manifestar um comportamento estranho, interpretado no início como sintoma da abstinência. No entanto, aos poucos, todos percebem que uma força demoníaca se apoderou de seu corpo. (Adoro Cinema)

O cenário já é conhecido: a casa caindo aos pedaços no meio de uma floresta isolada de tudo e de todos. Mais conhecido ainda é quem protagoniza a história dentro dela: um grupo de jovens com diferentes personalidades. E é claro que, mesmo com situações que já assustariam qualquer pessoa sã, eles vão inventar uma desculpa para permanecer lá. E quando os jovens finalmente se dão conta que a situação ficou feia, surpresa! Uma enchente deixa a estrada submersa, impedindo-os de sair daquele lugar. Bom, em tempos que Mama nos lembra que o terror estadunidense nada mais faz do que reciclar elementos do gênero da forma mais desleixada possível, era no mínimo compreensível esperar que todas essas situações afundassem A Morte do Demônio, refilmagem do filme homônimo de 1981 dirigido por Sam Raimi. Mas como é bom ser surpreendido, não é mesmo? Mais do que isso: como é gratificante sentir um filme de terror! Isso mesmo: A Morte do Demônio fisga o espectador pela angústia, supera as expectativas e ainda consegue ser o melhor exemplar do gênero em anos.

Os fãs do filme original podem ficar tranquilos. Mesmo com o envolvimento de Sam Raimi na produção (o diretor agora é o uruguaio Fede Alvarez), A Morte do Demônio não dialoga diretamente com o filme original dos anos 1980. E é até meio injusto tecer comparações entre os dois, simplesmente porque a obra dirigida por Raimi – incluindo a continuação – hoje já não mete medo em ninguém e é mais lembrada em função de seu humor involuntário e de sua vertente “terrir”. Não é o que acontece com o filme de Fede Alvarez, que pode até ter um senso de diversão bastante apurado – ainda que nunca escancarado ou propositalmente elaborado para causar risadas – mas que tem as suas qualidades centradas justamente na habilidade de colocar o espectador em plena angústia. Por isso, é bom preparar os nervos: Alvarez faz jus à classificação etária máxima e não poupa ninguém ao mutilar personagens e banhar todos em sangue. O melhor de tudo é que todas essas situações nunca parecem exageradas para os padrões do gênero e muito menos descambam para o gore (ok, aqui ou ali sim, mas nada que prejudique) ou para o ridículo. Em termos de violência, A Morte do Demônio sabe até onde deve ir – o que, nos dias de hoje, é algo a ser bastante valorizado.

Sobrevivendo com louvor aos tais detalhes que poderiam minar a paciência de plateias mais exigentes, o longa também tem propostas muito simples em termos de história de terror (possessão, bruxaria, livro de profecias, uma morte a cada 15 minutos), mas o diretor uruguaio apresenta uma desenvoltura impressionante ao manipular todos os bons elementos que colocam enredos desse estilo em outro patamar. Nos primeiros momentos, A Morte de Demônio parece ser uma falsa promessa com suas introduções rasas de dramas e personagens. Porém, basta o tal espírito do mal possuir a personagem principal vivida por Jane Levy para que tudo se ajeite. E não demora muito para que o espectador se encontre em uma nervosa jornada, muito em função da facilidade com que Fede Alvarez torna a violência e o perigo bastante críveis. Dá para sentir que a morte é realmente algo a se temer – o que deveria ser a lógica de todo bom filme de terror. Ponto mais uma vez para o filme que, ainda aliado a um bom trabalho de produção, não deixa que o sangue, por exemplo, vire motivo de risadas como em Kill Bill. Aqui parece de verdade mesmo. Isso conta, e muito!

Com tantos pontos positivos, procurar aspectos para não curtir o filme só tira todo o entretenimento da experiência. Quem se entregar aos pregos, injeções, vômitos e serras elétricas certamente vai encontrar em A Morte do Demônio um dos mais interessantes filmes de terror do cinema recente. O diretor uruguaio sabe exatamente o que o espectador quer – e está precisando depois de uma enxurrada de exemplares falhos -, entregando um longa-metragem direto ao ponto. Ele compreende, acima de tudo, que damos uma chance ao terror porque todos nós temos um lado masoquista. Nós queremos sofrer no cinema, ter nossos limites testados. E, depois de um bom tempo sem ver um exemplar assim, o cinema encontra esse A Morte do Demônio apresentando subsídios para que o espectador saia mais do que satisfeito da sessão nesse sentido. Que bom que não são apenas os filmes de língua latina que ainda conseguem nos deixar tensos (para não citar apenas [REC], também sugiro A Casa). Assim, fica registrada aqui a nossa torcida para que façam outros filmes bem ambientados e executados certeiramente como esse A Morte do Demônio.

FILME: 8.5