Cinema e Argumento

Três atores, três filmes… com Reinaldo Glioche

Reinaldo Glioche é um dos queridos amigos cinéfilos que acompanho à distância há alguns anos. Hoje ele é editor de Cultura e Entretenimento do portal iG, mas nos esbarramos muito antes, mais especificamente quando ele ainda comandava o seu saudoso blog Claquete Cultural. Estreitamos nossos laços cinematográficos no Twitter, plataforma que Reinaldo, como o ótimo jornalista que é, sabe aproveitar tão bem. Dos blockbusters que faturam bilhões mundialmente às pérolas que precisam ser descobertas por todos os públicos, ele, assim como eu, é um grande entusiasta do círculo de premiações. Tanto seus textos no iG quanto a sua presença nas redes sociais são leitura indispensável para quem gosta de se manter informado sobre cinema com a devida dose de senso e crítico e ponderação. Sem mais delongas, deixo com vocês uma breve introdução que ele próprio preparou para a coluna e, claro, com as escolhas que ele defende com a propriedade que sempre lhe foi característica. Entre as três interpretações selecionadas, uma delas conquista o bicampeonato em quase 50 participações contabilizadas até aqui: Meryl Streep, mais uma vez citada com seu inesquecível desempenho em As Pontes de Madison, um dos melhores filmes de Clint Eastwood.

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Comecei a escrever sobre cinema com dez anos. A cinefilia foi algo que despontou em mim muito cedo e me ajudou a me formar como ser humano. Optei pelo jornalismo em detrimento da carreira no direito e mergulhei no sonho e desafio de atuar no jornalismo cultural e promover e viver o cinema da melhor maneira possível. Com o advento da blogsfera e a facilidade que a internet deu às pessoas de expressarem suas paixões e anseios, criei o blog Claquete Cultural, que me possibilitou conhecer pessoas maravilhosas que compartilhavam comigo do mesmo amor febril e impetuoso pelo cinema – ainda que com a maioria dessas pessoas a relação se dê apenas no campo virtual. O blog foi descontinuado em meados de 2014, quando eu já atuava como jornalista cultural no iG, onde entre outras atribuições editava a coluna Cineclube, idealizada para aprofundar a cobertura de cinema de um portal de notícias, mais inclinada a blockbusters por questões comerciais e práticas. Desde junho de 2016 sou editor de Cultura e Entretenimento do portal iG. Sou carioca, mas moro em São Paulo desde 1995 (ano do lançamento de um dos filmes que listo aqui).

Michael Fassbender (Shame)
De vez em quando acontece de um ator ter um ano especial com lançamentos engatilhados. Foi o caso do alemão naturalizado irlandês Michael Fassbender em 2011. Até então o ator era pouco conhecido do público, a despeito de já ter penetrado na epiderme da cinefilia com obras como “Fome” (2008) e “Bastardos Inglórios” (2009). Foram cinco filmes em 2011, sendo o mais famoso deles – e responsável pelo começo de sua popularização – “X-Men: Primeira Classe”, em que encarnava uma versão mais jovem e angustiada de Magneto, um dos personagens mais complexos oriundos das HQs. O romance de época “Jane Enyre”, o espetacular filme de ação de Steven Soderberg “A Toda Prova” e “Um Método Perigoso” de David Cronenberg, foram outros grandes filmes estrelados pelo ator naquele ano. É “Shame”, no entanto, o filme que o distingue. Se é justo dizer que a carreira do ator, mesmo com duas indicações ao Oscar que viriam por “12 Anos de Escravidão” e “Steve Jobs”, entrou em decadência depois do ápice que foi em 2011, é por causa de seu trabalho aqui, um dos mais impressionantes da década. A nudez completa pode ser um desafio para um ator, mas desnudar a alma de um personagem é muito mais estimulante – e complicado. Brandon, seu personagem, que é viciado em sexo, é pura dor. Um misto de tristeza e impulso em uma sonata desesperada que Fassbender tangencia com agudeza sem deixar de ser minimalista. Um equilíbrio tão raro que pode ser tido como imemorial.

Meryl Streep (As Pontes de Madison)
Eu tinha 12 anos quando “As Pontes de Madison” (1995) foi lançado e pouco mais de 14 quando o assisti. A cinefilia já estava embrenhada em mim desde muito cedo, mas este filme foi a porta de entrada para um dos maiores valores que existe no cinema: Meryl Streep. Sou fã confesso de Clint Eastwood como diretor, mas ali, aos 14 anos, não foi sua direção inequívoca, sensível e resoluta que me cativou, mas sim a densidade da atuação de Streep. Já tinha visto, claro, filmes com ela. Mas permaneciam inéditos alguns tesouros como “Kramer vs. Kramer”, “A Escolha de Sofia” e “Ironweed”. Sua Francesca é a afirmação de uma escolha dolorosamente romântica, um indício dos pesares da vida, das renúncias inerentes, de seus labirintos fortuitos, e é uma heroína que Streep habituou-se a fazer melhor do que ninguém. A filmografia da atriz nos anos 90, tirando duas comédias no alvorecer da década, se construiu sobre esse perfil maravilhosamente iluminado em “As Pontes de Madison”, decididamente um de meus Eastwoods favoritos e um drama romântico atemporal que tem na atuação de Streep não o único, mas o maior de seus virtuosismos.

Bradley Cooper (O Lado Bom da Vida)
Eu queria colocar Daniel Day Lewis por “Trama Fantasma” aqui, mas peço licença ao leitor para explicar esse plot twist na minha escolha. Day Lewis é um gênio e creio haver pouca ou quase nenhuma dissonância quanto a isso. É um ator magnético, metódico que mesmeriza não só a mim, mas a todos os leitores desse espaço a cada novo trabalho. E aí tem Bradley Cooper. Um cara que parecia destinado a comédias bobas lá atrás com “Penetras Bons de Bico” (2005) e “Sim Senhor” (2008) e que virou astro com o surpreendente (e bom, sim!) “Se Beber, Não Case!” (2009), mas que fez a opção por virar ator de verdade (o que é louvável, mas nem sempre possível dentro das engrenagens de Hollywood). “O Lado Bom da Vida” é o sensacional ponto de partida dessa trajetória que ostenta sete indicações ao Oscar nesta década, quatro como ator, sendo três delas seguidas – algo só conquistado por Russell Crowe e Spencer Tracy. Não é um dado desprezível. Cooper também está aqui porque defende uma atuação que conjuga drama e comédia com rara beleza e muita intuitividade. É um trabalho de muitas camadas e que a percepção que se tinha dele à época nublou. À luz de sua realização artística com “Nasce Uma Estrela” esse julgamento pode ser mais bem composto. Em “O Lado Bom da Vida”, ele vive Pat, um cara com transtorno obsessivo compulsivo que quer colocar sua vida em ordem e cisma de reconquistar uma mulher que não o quer mais e acaba se apaixonando pela pessoa errada na hora certa. Ou seria a pessoa certa na hora errada? Cooper dá graciosidade, urgência e fidedignidade a esse homem e ao retrato de uma desordem mental que acomete a tantos nesses tempos de relações líquidas.

Três atores, três filmes… com Fatimarlei Lunardelli

Foto: Taiane Lunardelli

Em dezembro do ano passado, quando completei 11 anos ininterruptos de atividades com o Cinema e Argumento, recebi, com muita honra, o convite para integrar a Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul – ACCIRS. Quem me fez esse convite foi a queridíssima jornalista Fatimarlei Lunardelli, atual vice-presidente da associação e que agora recebo aqui na coluna Três atores, três filmes. A entrada na ACCIRS foi uma honra dupla porque, fora a alegria de ter meu trabalho vinculado a essa respeitada entidade, o convite veio especificamente da Fatimarlei, uma grande profissional com vasta atuação no campo da crítica de cinema. Jornalista pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul, mestre em Artes e doutora em Ciências da Comunicação pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, a Fati é professora de História do Cinema Internacional no Curso de Realização Audiovisual da Unisinos. Também é autora de livros e artigos sobre cinema, e tem um site de autoria própria, o Escrita Crítica, onde compartilha periodicamente suas percepções acerca dos mais variados filmes. Para a coluna, ela propôs um formato inédito: falar sobre três atores não a partir de três desempenhos específicos, mas através de alguns dos tantos diretores que contribuíram para a formação de suas mitológicas carreiras. São análises imperdíveis. Confiram abaixo!

Clint Eastwood
Aprecio o cinema pelos diretores, mais do que pelos atores. Minha relação com os filmes é sempre a partir desse sujeito que cria ou, no mais das vezes, é o orquestrador dos múltiplos talentos que se conjugam em sons e imagens que ocupam a tela. Não é comum que diretores sejam também atores e quando isso acontece o resultado nem sempre é satisfatório. Não é o caso de Clint Eastwood, que admiro tanto como cineasta quanto intérprete. Foi no western recriado como spaghetti por Sérgio Leone que Clint começou. Em 1992 ele dirigiu e protagonizou Os Imperdoáveis, obra-prima definitiva desse gênero que se confunde com a própria origem do cinema. Quando Clint se lançou como diretor em 1971, com Perversa Paixão, criou para si o personagem do radialista de jazz que rompeu com o estereótipo do cara durão do velho oeste e dos filmes de ação. Amante de jazz, ele mesmo compositor, Clint dirigiu Bird (1988), ousada cinebiografia de Charlie Parker, o documentário Piano Blues (2003), e resgatou nas trilhas nomes esquecidos como o de Johnny Hartman em As Pontes de Madison (1995), no qual contracena com Meryl Streep, um dos filmes mais românticos da história do cinema. Como intérprete nos próprios filmes ele encenou o personagem caído que busca redenção, solitário, com uma sensibilidade relutante, protegida por um sarcasmo mal-humorado. Dos filmes que dirigiu e interpretou, Menina de Ouro (2004), Gran Torino (2008) e, agora A Mula (2018), na qual Clint Eastwood aparece em cena com 88 anos, estão entre os melhores já realizados no cinema. Nos personagens que encarna, no drama que desenvolve, seus filmes tocam nas questões básicas da existência.

Marcello Mastroianni
Marcello Mastroianni fez quase 150 filmes e foi protagonista de vários que estão entre os que mais amo no cinema, dirigidos por Ettore Scola e Federico Fellini. Em Nós que nos Amávamos Tanto (1974) numa homenagem emocionante de Scola ao amigo Federico, Marcello aparece como ele mesmo na cena cinematográfica mais linda já criada, aquela do banho na Fontana di Trevi, em A Doce Vida (1960). Nas mãos de gênio de Fellini Marcelo foi seu alter ego em crise no 8 ½ (1963). Sedutor e seduzido pelas mulheres, dócil e ao mesmo tempo exasperante, seu personagem antecipa o Snáporaz perdido de Cidade das Mulheres (1980). Mastroianni começou diretamente no cinema, no início dos anos 40, foi aprendendo a interpretar nos sets de filmagem e só depois fez aulas de teatro. Tinha presença física marcante, uma beleza masculina que o transformou logo em símbolo sexual. Foi para quebrar o mito do latin lover que interpretou o macho impotente em O Belo Antônio (1960), de Mauro Bolognini. Mas foi com Ettore Scola, com o qual iniciou em 1970, em Dramma della Gelosia, que Mastroianni fez um de seus personagens antológicos, o radialista homossexual de Um Dia Muito Especial (1977). A arte do ator é o teatro, lugar por excelência do artista da interpretação; no cinema, na maior parte das vezes, é preciso apenas entregar o corpo para o trabalho criativo do diretor. Mastroianni, que tinha uma certa melancolia meio tímida, se deu com doçura e plena entrega a essa arte do século XX, inscrevendo-se em alguns dos momentos mais sublimes da história do cinema.

Juliete Binoche
Juliette Binoche me encanta. O sistema de estrelas, que ajudou a estruturar a indústria do cinema, se desenvolveu junto com os recursos da câmera de se aproximar dos corpos, percorrer as superfícies, chegar tão perto do rosto a ponto de revelar os sentimentos dos personagens sem que nada seja dito. É no corpo frágil de Juliette que se mostra o espírito valente da mulher de A Liberdade é Azul (1993) que perde tudo e, ainda assim, escolhe viver. Francesa nascida em Paris, com formação em arte dramática, Juliette tem uma carreira desigual, protagonizou filmes insignificantes, mas também deu sorte, tornou-se inesquecível como protagonista do primeiro filme da fabulosa Trilogia das Cores, de Krzysztof Kieslowski. Na mão de grandes diretores, como Abbas Kiarostami em Cópia Fiel (2010), a atriz deixou sua marca na cena belíssima em que corrige o batom diante do espelho e, logo adiante, contracena com Jean-Claude Carrière. O roteirista, que é uma lenda, escreveu a adaptação para o cinema de A Insustentável Leveza do Ser (1988), do tcheco Milan Kundera, filme que projetou Juliette, no início de sua carreira. A diferença entre os grandes filmes e aqueles que são apenas artesanato bem-feito são os artistas que se conjugam num momento único que resulta no filme. Ao lado de Daniel Day-Lewis e Lena Olin, Juliete foi filmada pelo grande Sven Nykvist, o fotógrafo de Ingmar Bergman, o maior decifrador de rostos da história do cinema. Outro momento memorável da atriz é O Paciente Inglês (1997) num papel secundário que lhe deu um merecido Oscar.

Três atores, três filmes… com Karine Teles

Uma das grandes atrizes em atividade no cinema brasileiro, Karine Teles gentilmente me deu a honra de ser a nova convidada da coluna “Três atores, três filmes”. Além da realização pessoal de tê-la aqui, é um presente descobrir como uma talentosa intérprete como ela enxerga o trabalho dos próprios colegas e, principalmente, o quanto ela, de certa forma, é influenciada por cada um deles. Aos desavisados (ou esquecidos), Karine esteve recentemente nos cinemas com Benzinho, que foi exibido no Festival de Sundance e multipremiado no Festival de Cinema de Gramado. Anterior ao filme, estrelou títulos como o ótimo Riscado e também deu vida a grandes personagens, a exemplo de dona Bárbara, a “antagonista” do premiadíssimo Que Horas Ela Volta?. Seus próximos projetos incluem a série Gilda, onde é novamente dirigida por Gustavo Pizzi, e Hebe, cinebiografia da apresentadora Hebe Camargo (Andréa Beltrão), onde dá vida à atriz Lolita Rodrigues. Quebrando o protocolo, Karine escolheu não três, mas sim quatro interpretações para sua participação a coluna, e eu, claro, aceitei com a maior alegria. Valeu, Karine!

Giulieta Masina (Noites de Cabíria)
A combinação de força, fragilidade e humor que a atriz consegue manipular para criar sua Cabíria (sem nenhuma vaidade de ator) é extremamente poderosa, fora que Cabíria somos todos nós que, no fundo, só queremos ser amados. Assisto a esse filme sempre que quero me inspirar.

Leonardo DiCaprio (O Lobo de Wall Street)
Acho um primor a entrega dele para este personagem, que tem cenas dificílimas, mas feitas com leveza e, de novo, sem vaidade, conseguindo gerar empatia e repulsa ao mesmo tempo. Em nenhum momento você vê DiCaprio orgulhoso de si mesmo, como vemos em muitos grandes atores em importantes personagens.

Gena Rowlands (Noite de Estreia)
Acho Gena uma das mais impressionantes atrizes americanas. Ela, assim como Giulietta, consegue estar presente e verdadeira em cena ao mesmo tempo em que consegue “comentar” o que a personagem está vivendo. As pessoas falam muito de Uma Mulher Sob Influência (e eu também adoro esse filme), mas Noite de Estreia me impressiona muito mais com a complexidade da personagem e a imensa gama de emoções vividas por Gena com total destreza.

+ Sigourney Weaver (Alien, o Oitavo Passageiro)
Também gostaria de incluir a Sigourney Weaver porque me impressiona e encanta a sua capacidade de contracenar nesse grau de “fantasia”. Se acreditar em um companheiro de cena e contracenar com ele já é difícil, imagina com um boneco cheio de baba falsa quando você é uma astronauta em uma nave espacial…. O que ela faz nesse filme é da ordem da perfeição!

Três atores, três filmes… com Simone Zuccolotto

Uma das principais vozes quando o assunto é a divulgação do cinema brasileiro, a jornalista Simone Zuccolotto entrou para o célebre Canal Brasil no ano de 2003. Ao longo desses 15 anos de atuação na emissora comandada por Paulo Mendonça, já esteve à frente e atrás das câmeras de séries jornalísticas como A Mulher no Cinema, Nas Sombas do Medo, Rir é o Melhor Remédio e De Semelhanças e Coincidências. Hoje, ela também comanda o Cinejornal, que faz um balanço semanal dos principais eventos de Cinema no Brasil, além, claro, de mostrar os bastidores de inúmeras produções realizadas em território nacional com entrevistas exclusivas. Nessa caminhada, não poderia faltar, claro, a cobertura de festivais Brasil afora, incluindo o Festival de Cinema de Gramado, onde já a encontrei diversas vezes, seja no Tapete Vermelho, nos bastidores ou na própria sala de cinema. Por isso mesmo,  dada toda essa experiência e conhecimento, é uma imensa satisfação recebê-la aqui na coluna, especialmente quando ela comenta atuações de três atrizes de talento gigante e inquestionável. E uma curiosidade: com a menção da Simone, o desempenho de Gena Rowlands em Uma Mulher Sob Influência empata com o de Kate Winslet em Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembrança como o mais lembrado entre as atrizes, com três citações cada.

Gena Rowlands (Uma Mulher Sob Influência)
Aos 88 anos, a atriz americana tem uma carreira profícua no cinema e em séries de TV, mas foi a parceria com o marido John Cassavetes que lhe rendeu as melhores atuações. Filmes como Noite de Estreia e Gloria, mas especialmente Uma Mulher Sob Influência deixaram marcado o turbilhão de emoções que cabe nessa atriz. Por esse filme, inclusive, ela recebeu o Globo de Ouro de melhor atriz de drama e foi indicada ao Oscar. Inicialmente escrito como uma peça de teatro, o texto, a pedido de Gena, acabou virando cinema, no melhor estilo Cassavetes, conhecido como o “autor do improviso” ou o expoente do “cinéma vérité” (atribuído a Jean Rouch). A levada experimental (mais radical do que as convenções tanto dramáticas quanto narrativas), a câmera na mão, a utilização de luz natural e, sobretudo a coautoria oferecida/exigida dos atores… E é aí que surfa Gena, na história da “problemática” dona de casa de classe média baixa americana, mãe de três filhos e casada com um funcionário de estaleiro. O tom intenso, os nervos à flor da pele e a sensação de um mundo prestes a ruir são radiografados pela atriz que, na pele de Mabel, passa por um transe, com inúmeras camadas sutis que retratam a loucura de uma forma assustadora (destaque para a cena do almoço com os parceiros de trabalho do marido).

Charlotte Gainsbourg (Ninfomaníaca)
A parceria de Charlotte com Lars Von Trier começou em Anticristo (2009) e seguiu com Melancolia (2011). No caso de Ninfomaníaca, a atriz disse que aceitou o convite sem nem ler o roteiro, o que atesta uma cumplicidade nos assuntos e na maneira como o diretor dinamarquês faz seus filmes. Joe é uma mulher viciada em sexo e, por conta da obsessão, vai às ultimas consequências no assunto. Como é comum no cinema de Trier, não há limites e, quando há, eles os testa o tempo inteiro. É disso que Gainsbourg gosta: de personagens intensos e desequilibrados, à beira da insanidade – e, de fato, ela mergulha nessas performances, não necessariamente para se perder em neuroses, mas parece que para sair da zona de conforto e testar a si mesma. A atriz, filha de Serge Gainsbourg e Jane Birkin, se joga, e sem rede. Em Ninfomaníaca usou prótese de vagina, fez cenas de sadomasoquismo humilhantes e constrangedoras, e o que resulta dessa parceria é uma interpretação que imprime na tela uma disponibilidade de alguém que nasceu pra ser testada e, em minha opinião, aprovada. E, além de tudo, a danada canta que é uma beleza!

Romy Schneider (L’Enfer / O Inferno de Henri-Georges Clouzot)
A atriz austríaca ficou conhecida pela personagem Sissi na trilogia Sissi / Sissi, a Imperatriz / Sissi e Seu Destino, dirigida por Ernst Marischka, entre 1955 e 1957; foi indicada ao Globo de Ouro por O Cardeal, de Otto Preminger; ganhou dois César por O Importante é Amar, de Andrzej Zulawski, e Uma História Simples, de Claude Sautet; trabalhou com nomes como Luchino Visconti, Orson Welles, Costa-Grava e teve uma vida pessoal trágica (a morte precoce do filho, o suicídio do ex-marido, traições). Tudo isso a transformou num mito que morreu aos 43 anos, mas deixou interpretações inesquecíveis. Elegi sua atuação em L’Enfer, de Henri-Georges Clouzot (realizador dos excelentes O Salário do Medo e As Diabólicas), filme inacabado que virou assunto do documentário O Inferno de Henri-Georges Clouzot, de Serge Bromberg e Ruxandra Medrea. Do roteiro, uma delirante história de ciúme, pouco se vê, mas as imagens recuperadas – cenas e os flagrantes de testes de luz, figurino e maquiagem – embora avulsas e costuradas com depoimentos de colaboradores, não perdem a magnitude da interpretação de Schneider, sedutora, brincalhona, forte, leve e livre, e ao mesmo tempo amarrada na técnica e na obsessão de Clouzot. Mais do que isso, deixam uma sensação de quão avassaladora teria sido o desempenho de Romy. P.S. – Destaque para dois momentos: a cena que a atriz brinca com um brinquedo de mola que vai passeando pelo seu corpo e quando ela se diverte com uma taça de champagne.

Três atores, três filmes… com Suzana Uchôa Itiberê

Editora-chefe da revista Preview, a Suzana Uchôa Itiberê, que eu conheci pessoalmente nesses encontros cinéfilos proporcionados pelos festivais de cinema, separou mais do que três atores para a nossa coluna. A lista que vocês conferem abaixo traz, na verdade, três ícones do cinema mundial, em desempenhos indiscutivelmente emblemáticos. Da inesquecível Audrey Hepburn em Charada, passando por Jack Nicholson em Melhor é Impossível, até chegar aos dias de hoje com o arraso que é Daniel Day-Lewis em Trama Fantasma, a Suzana recapitula essas performances ao mesmo tempo em que ilumina as razões e os detalhes que fazem delas paradas obrigatórias na lista de qualquer cinéfilo.

Audrey Hepburn (Charada)
Sou apegada a sutilezas. Costumo não me impressionar com interpretações marcadas por arroubos emocionais, gritarias, gente se descabelando (talvez por isso me irrite tanto com novelas). São as pequenas coisas que tornam certos personagens únicos. A icônica sequência em que a estrela canta “Moon River” na escada de incêndio em Bonequinha de Luxo é a essência da delicadeza e da solidão, mas uma das cenas mais saborosas e espontâneas que tenho guardada na memória acontece em Charada, que Stanley Donen dirigiu em 1963. Na trama, o marido da protagonista (Audrey) é assassinado e começa um jogo de gato e rato para descobrir onde foi parar o dinheiro que estava com ele. O personagem de Cary Grant oferece ajuda, mas seus motivos são suspeitos. No auge da ação, ela o pega de surpresa e pergunta: “Sabe o que você tem de errado?”. Ele, afobado e na defensiva, responde: “Não, o quê?”. E ela solta um sedutor e malandro: “Nada!”. O tom de voz perfeito e um rosto suave irresistível. Essa era Audrey Hepburn, simples, elegante e naturalmente sensual.

Daniel Day-Lewis (Trama Fantasma)
Em 2013, o astro inglês se tornou o primeiro a receber três Oscar de melhor ator. No discurso, citou o diretor de Lincoln, Steven Spielberg, claro, mas agradeceu especialmente à mulher, Rebecca Miller, por ter suportado viver com tantos homens diferentes e estranhos desde que se casaram, em 1996. Um parêntesis: Rebecca é filha do dramaturgo Arthur Miller e conheceu Day-Lewis nos bastidores da adaptação para o cinema da peça As Bruxas de Salem. Talvez ela não tenha convivido com o viúvo John Proctor, mas passou vários meses com o ex-militante do IRA Danny Flynn, de O Lutador, o gângster William Cutting (Bill Açougueiro) de Gangues de Nova York, o cineasta italiano Guido Contini de Nine, e ninguém menos que o 16º presidente dos Estados Unidos, Abraham Lincoln. Day-Lewis não interpreta, ele se torna, e ver esse mergulho profundo é inebriante. Todos esses personagens me arrancaram arrepios, mas nenhum me pegou pelo estômago como o Reynolds Woodcock de Trama Fantasma, nova parceria com Paul Thomas Anderson (de Sangue Negro). Na Londres dos anos 1950, Woodcock é um estilista confiante e focado que comanda a Maison ao lado da irmã, Cyrill (Lesley Manville). Solteiro convicto, ele encontra inspiração nas mulheres que entram e saem da sua vida. Até o dia em que conhece Alma (Vicky Krieps), a garçonete de modos desajeitados e personalidade forte que se torna a nova musa e abala as rígidas estruturas do mago da moda. Essa breve sinopse pode dar a ideia de um romance enfadonho, mas há algo macabro nessa relação. Nada é aleatório no idiossincrático Reynolds. A maneira de segurar uma xícara, a altura do olhar, o posicionar de pernas, o tom da voz e um impagável bufar impaciente. Fiquei hipnotizada pela meticulosidade na construção desse personagem. No final, ele manda um beijinho para Alma que diz mais que mil palavras. É coisa de mestre, obra-prima da atuação. O próprio ator admite que é um enorme sofrimento largar seus personagens, uma das explicações para ter anunciado a aposentadoria depois desse trabalho sem igual. Para mim, resta a esperança de que mude de ideia.

Jack Nicholson (Melhor é Impossível)
Há uma cena de bastidores de O Iluminado (disponível no YouTube) em que Jack Nicholson se movimenta freneticamente para entrar no clima do personagem, antes de rodar a antológica sequência da machadada. É um instinto animal que ele faz brotar ali e acredito que seu canal criativo venha do âmago – enquanto o de Daniel Day-Lewis, por exemplo, pareça ser fruto de meticulosidade. O que nos leva ao excêntrico escritor Melvin Udall de Melhor é Impossível, dirigido por James L. Brooks, e que em 1998 rendeu ao ator seu segundo Oscar na categoria principal. Em tempos de #TimesUp, o personagem de Nicholson ganha atualidade como um amálgama de tudo o que é considerado execrável em um ser humano: misógino, preconceituoso, xenófobo, cruel com animais, machista, grosseiro e por aí vai… Pois o popular romancista ainda sofre de transtorno obsessivo compulsivo (TOC), e almoçar todos os dias no restaurante onde Carol (Helent Hunt) é garçonete também é uma mania. Então como é possível um sujeito tão odioso ser ao mesmo tempo tão cativante? Simples. Porque Nicholson explora cada uma de suas camadas (e são muitas) com uma mescla única de humor e melancolia. É uma atuação instintiva e cheia de charme, que faz as qualidades de Melvin surgirem das formas mais inesperadas. “Você me faz ser um homem melhor”, ele responde à Carol quando ela lhe pede um elogio. E então arqueia as sobrancelhas. Melhor, impossível…

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