A árvore das divergências

De vez em quando, é bom aparecer uma polêmica envolvendo determinado filme. Assim, ficamos livres dessa mesmice do cinema contemporâneo. A Árvore da Vida não tem um diretor que diz entender Hitler e muito menos temáticas chocantes como as do A Serbian Film. No entanto, poucas vezes, nos últimos anos, vimos um longa que despertasse tantas opiniões contrárias. A incoerência já começou no Festival de Cannes, onde o filme foi vaiado em sua exibição mas depois coroado com a Palma de Ouro. Logo, bastou chegar aos cinemas para determinar extremos: A Árvore da Vida desperta amor ou ódio. Nunca indiferença.

Quando o filme acabou, não fiquei indeferente ao resultado, mas pude compreender ambas as sensações de amor e ódio. O que o filme tem de belo, tem de desgastante. Vamos começar, então, pelo amor. O visual do filme de Terrence Malick é simplesmente impressionante. Não no sentido de paisagens belas ou de efeitos, mas na forma como a fotografia, em parceria com a bela trilha do francês Alexandre Desplat, explora a dramaticidade do filme. As tonalidades e os enquadramentos nos deixam ainda mais próximos dos personagens e, principalmente, do que eles estão sentindo.

Agora, o ódio. Se formos analisar em linhas bem gerais a história de A Árvore da Vida, vamos concluir que, ao contrário do que o diretor quer convencer, nada existe de complicado nela. Para falar bem a verdade, o assunto não poderia ser mais batido: pai controlador e rígido, mãe submissa, filhos com infância limitada e por aí vai… Nada de novo. O problema é que o diretor faz questão de deixar tudo complexo – usando a estética para  isso. Além de, muitas vezes, desviar a atenção do espectador da história, parece disfarçar uma falta de consistência de argumentos. O filme traz várias interpretações, mas não necessariamente uma discussão de seu conteúdo.

Esse é um filme que não seria muita coisa se não fosse tão cheio de alegorias. Toda cena é lindamente fotografada, os personagens dizem muito pouco (aquela velha história de silêncio = introspecção) e o ritmo… Ah, o ritmo! Incrivelmente arrastado. Com esse jeito de utilizar tanto a estética, o filme começa a se tornar repetitivo, aumentando ainda mais essa sensação de falta de consistência da história. Portanto, é fácil compreender as pessoas que abandonaram a sessão e que não tiveram paciência com imagens metafóricas demais. É um problema, também, de montagem. Bastava o filme não perder tanto tempo com essas tomadas que seria bem mais mastigável. Objetividade seria muito agradável.

Só que aí fica aquele questionamento: será mesmo que o diretor gostaria de ser mais abrangente ou ele apostou nesse formato de  propósito para atingir apenas um público seleto? Difícil saber, uma vez que A Árvore da Vida é um filme muito difícil e tentar colocar num texto tudo o que ele pode significar ou tudo o que ele quer dizer através de imagens é pura ilusão. A proposta do Cinema e Argumento nunca foi analisar questões psicológicas ou metáforas de filmes. O que sempre trabalhei aqui foi a forma como um filme me atingiu e o que senti com ele. E A Árvore da Vida foi isso para mim: uma experiência cheia de belos momentos e de cenas que me arrepiaram, mas que é prejudicada por seu ritmo maçante e pela sua vontade de querer parecer mais do que realmente é. Se você não enxerga dessa maneira, compartilhe – afinal, o filme parece ter sido feito justamente para causar divergências e formar debates.

NA PREMIAÇÃO 2011 DO CINEMA E ARGUMENTO:

Contra o Tempo

Lily awoke in an evening dress and an opera cloak. In her hand were 5 playing cards.

Direção: Duncan Jones

Elenco: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Michael Arden, Cas Anvar, Russell Peters, Brent Skagford, Gordon Masten

Source Code, EUA/França, 2011, Suspense, 93 minutos

Sinopse: O capitão Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) faz parte de um projeto ultrasecreto denominado Source Code capaz de transportar um homem para o corpo de outro, assumindo a sua identidade nos oito minutos de vida restantes de cada alvo escolhido para a “ocupação”. Um atentado terrorista explodiu um trem nos arredores de Chicago, matando todos os passageiros e agora a sua missão é voltar no tempo, no corpo de uma das vítimas e tentar descobrir o autor do crime porque um novo ataque será realizado dentro de seis horas. Agora, ele precisa identificar o criminoso para evitar novas mortes, mas acaba se apaixonando por Christina (Michelle Monaghan), uma das vítimas do trem, e pretende mudar a história, alterando as regras do jogo e colocando o futuro em risco.

Em 2009, o diretor Duncan Jones realizou um pequeno grande filme chamado Lunar. No seu primeiro longa, o britânico conseguiu fazer uma notável mistura de drama e ficção, inclusive homenageando (mas sem nunca copiar) o clássico 2001 – Uma Odisseia no Espaço. Lunar não fez muito sucesso (chegou diretamente em DVD aqui no Brasil), mas serviu para trazer um maravilhoso desempenho de Sam Rockwell e revelar o promissor Duncan Jones. Agora, com Contra o Tempo, o diretor está inserido no mundo norte-americano do cinema e ainda preserva algumas das carcaterísticas que apresentou em seu debut. No entano, é prejudicado justamente por ter que atender várias exigências comerciais para abranger mais espectadores.

Não, Duncan Jones não chega a se vender. Contra o Tempo ainda preserva a necessidade do diretor de contar histórias sobre sujeitos presos em lugares solitários e que querem, a todo cuso, voltar ao mundo real. A primeira hora do filme estrelado por Jake Gyllenhaal desenvolve muito bem essa proposta, apresentando de forma eficiente a quase desesperadora situação do personagem que precisa viajar no tempo contra a sua vontade e sem saber exatamente o porquê. Ele não sabe onde está nem porque precisa desempenhar uma missão que visa evitar um ataque terrorista. Assim, utilizando uma narrativa que vai e volta no tempo repetindo fatos, Contra o Tempo mostra-se bem executado ao transitar na linha do tempo – até porque Jones nunca aposta só no suspense ou só nas descobertas do personagem. É um balanço entre esses dois aspectos.

O problema vem depois – e nada relacionado ao acomodado e previsível desempenho de Jake Gyllenhaal. Resolvendo a trama principal cedo demais (e sem grandes surpresas), Contra o Tempo instala outra abordagem na história e, infelizmente, cai num quase imcompreensível tom açucarado. É o velho e batido heroísmo norte-americano: o personagem descobre algumas verdades sobre sua situação, resolve colocar o amor em prática e toma atitudes muito idealizadas. Tudo isso com uma trilha que enfatiza a “beleza” desses atos e com uma estética que faz questão de romantizar ainda mais a situação. Sem falar da personagem que fica contra o sistema e resolve colocar em risco seu emprego só para fazer a felicidade do próximo. Quanta ladainha!

Por sorte, Duncan Jones até que consegue disfarçar essas atitudes desnecessárias para o espectador menos exigente, que pode nem se incomodar com essa meia hora final que destoa do resto do filme… Só que existem o que percebem e esses podem achar que Contra o Tempo só cai a cada decisão romantizada do roteiro. O filme, que se sustentava tão bem até certo ponto, não precisava acabar dessa maneira. E se, anteriormente, apontei que Duncan Jones não chega a se vender com o filme, o final mostra que ele quase chegou a esse ponto. Ainda bem que o filme não durou mais, já que Contra o Tempo, talvez, pudesse alcançar o nível do insatisfatório se continuasse desenvolvendo por mais tempo essas escolhas comerciais.

FILME: 6.5

Cartas mal endereçadas

De todos os longas em competição no 39º Festival de Cinema de Gramado, O Carteiro era o que tinha maior apelo comercial. Dirigido por Reginaldo Faria, tinha qualidade de produção mais televisiva, nomes conhecidos e pretensões para alcançar o grande público. Só é uma pena que nenhum desses fatores conseguiu transformar O Carteiro numa opção interessante. Cheio de problemas narrativos, o filme decepciona não apenas por perder a chance de trazer diversão, mas, também, por desperdiçar atores que poderiam ser destaque.

O que estraga o ritmo e, consequentemente, o interesse do espectador na história é o roteiro. Focado em vários personagens, falta em Faria aquela agilidade na direção para tornar dinâmico um enredo cheio de abordagens. O que vemos é um verdadeiro tiro no pé: na tentativa de ligar várias histórias e personagens, o filme termina sendo frenético e até mesmo confuso em certas partes. Junte a isso personagens caricatos que quase não possuem qualquer diálogo com a realidade: todos são engraçadinhos ou vivem situações excêntricas.

Pelas razões citadas, percebe-se como Reginaldo Faria não tem dom para ser um contador de histórias. As plateias podem se divertir com O Carteiro, mas também é fácil encontrar aqueles que se decepcionaram com o filme e que, principalmente, não foram atraídas pelo tom caricato e quase exagerado de certas partes. Tratando tudo com um tom que beira o teatral (no sentido negativo), o longa não consegue se diferenciar exatamente por misturar uma narrativa mal construída com abordagens que imploram pela simpatia do espectador a todo custo.