Na Estrada

Direção: Walter Salles

Roteiro: Jose Rivera, baseado no livro homônimo de Jack Kerouac

Elenco: Sam Riley, Garrett Hedlund, Kristen Stewart, Tom Sturridge, Kirsten Dunst, Amy Adams, Viggo Mortensen, Steve Buscemi, Alice Braga, Elisabeth Moss, Terrence Howard

On the Road, EUA/Inglaterra/França/Brasil, 2012, Drama, 139 minutos

Sinopse: Nova York, Estados Unidos. Sal Paradise (Sam Riley) é um aspirante a escritor que acaba de perder o pai. Ao conhecer Dean Moriarty (Garrett Hedlund) ele é apresentado a um mundo até então desconhecido, onde há bastante liberdade no sexo e no uso de drogas. Logo Sal e Dean se tornam grandes amigos, dividindo a parceria com a jovem Marylou (Kristen Stewart), que é apaixonada por Dean. Os três viajam pelas estradas do interior do país, sempre dispostos a fugir de uma vida monótona e cheia de regras. (Adoro Cinema)

Walter Salles deveria voltar a fazer cinema só no Brasil. Desde que resolveu fazer cinema fora de sua terra natal, o diretor carioca nunca chegou perto de alcançar o mesmo brilhantismo das obras que realizou por aqui. A qualidade de Abril Despedaçado e Central do Brasil, suas obras máximas, nunca foi repetida em longas como Água Negra e, agora, Na Estrada, filme que reúne o maior time de estrelas da carreira de Salles. Adaptado do prestigiado livro homônimo de Jack Kerouac, Na Estrada chegou a competir no 65º Festival de Cannes, mas passou pelo evento de forma muito tímida. E não é muito difícil entender o porquê: o filme estrelado por Garrett Hedlund, Sam Riley e Kristen Stewart tem pouca personalidade, além de não ser suficientemente interessante em aspectos que são fundamentais para o sucesso de um road movie.

Partindo do princípio de que esse “gênero” é sobre personagens que são transformados – ou, então, desafiados à reflexão – a partir de uma viagem, podemos dizer que Na Estrada pouco mostra a evolução dramática de seus personagens. Do fanfarrão vivido por Garret Hedlund até o aspirante a escritor de Sam Riley, as figuras apresentadas na adaptação de Jose Rivera são muito lineares, inflexíveis. Parecem os mesmos do início ao fim. E isso é um grande problema, pois Na Estrada é todo construído em cima de viagens e momentos que, supostamente, deveriam mudar a vida dos personagens. Só que o longa não consegue lidar muito bem com os fatos, principalmente porque a história muda constantemente não só de lugar (a equipe filmou no Canadá, México, EUA, Argentina e Chile), mas também de foco, sempre alternando o protagonismo dos personagens de Hedlund e Riley.

Mesmo com tempo suficiente para construir sua trama de forma consistente, Na Estrada deixa a incômoda sensação de que vários pontos não foram devidamente aproveitados, o que é claramente refletido no desenvolvimento de todos os personagens coadjuvantes. Com um elenco que traz nomes extremamente variados, figuras como Amy Adams, Viggo Mortensen e Steve Buscemi aparecem apenas para cumprir formalidades, sem momentos especiais. Assim, são muitas situações, viagens, avanços no tempo e personagens, mas nada é necessariamente instigante. Talvez porque Walter Salles tenha escolhido levar a obra original às telas com um respeito excessivo ao material original, especialmente porque o livro de Jack Kerouac é adorado mundialmente: quando o filme teve cortes no orçamento, a própria Kristen Stewart aceitou que seu salário fosse diminuído só para permanecer na adaptação.

Na Estrada está longe de alcançar o péssimo resultado de Água Negra, por exemplo, mas, infelizmente, sofre com o fator decepção. E é decepcionante em vários sentidos: esperava-se mais de Walter Salles (que, em Central do Brasil, mostrou pleno domínio do desenvolvimento dramático de um road movie e aqui parece não utilizar todo o seu conhecimento) e, principalmente, do roteiro de Jose Rivera. Falta uma certa “pegada” em Na Estrada, o que impossibilita o espectador de se impressionar um pouco mais com  Garrett Hedlund (que tira o melhor do personagem) e com a boa fotografia de Eric Gautier, sujeito que já trabalhou em filmes como Diários de Motocicleta (também de Salles) e Na Natureza Selvagem. Se tivesse o espírito aventureiro e transformador desses dois filmes, Na Estrada seria, no mínimo, muito melhor.

FILME: 6.0

Frankenweenie

Direção: Tim Burton

Roteiro: John August, baseado em roteiro de Leonard Ripss e em ideia de Tim Burton

Elenco (vozes originais): Charlie Tahan, Catherine O’Hara, Martin Landau, Winona Ryder, Christopher Lee, Atticus Shaffer, Conchata Ferrell, Tom Kenny, James Hiroyuki Liao, Melissa Stribling, Dee Bradley Baker, Frank Welker

EUA, 2012, Animação, 87 minutos

Sinopse: Victor (Charlie Tahan) adora fazer filmes caseiros de terror, quase sempre estrelados por seu cachorro Sparky. Quando o cão morre atropelado, Victor fica triste e inconformado. Inspirado por uma aula de ciências que teve na escola, onde um professor mostra ser possível estimular os movimentos através da eletricidade, ele constrói uma máquina que permita reviver Sparky. O experimento dá certo, mas o que Victor não esperava era que seu melhor amigo voltasse com hábitos um pouco diferentes. (Adoro Cinema)

Dizem que existe uma mola no fundo do poço. Se existe mesmo, ela funcionou para Tim Burton. Depois do já decepcionante Alice no País das Maravilhas, o diretor parecia ter alcançado à decadência definitiva com o terrível Sombras da Noite, lançado em junho desse ano. Mas tudo o que foi dito de depreciativo sobre Tim Burton no que tange suas duas últimas obras, pode – e deve – ser repensado agora com Franenweenie, animação que traz o velho estilo de bonecos em massinha. Ao contrário do que vinha realizando nos últimos anos, o novo longa de Burton traz justamente o que parecia estar perdido em sua carreira: paixão e uma nítida vontade de fazer cinema. Sim, Frankenweenie é um filme feito com o coração.

A primeira cena já apresenta a animação de forma muito interessante. Acompanhando uma família frente à TV, o diretor brinca com a questão do 3D: “coloquem os óculos”, diz o protagonista, “é em 3D!” – fazendo referência ao uso da tecnologia no próprio filme. E, ao longo de todo Frankenweenie, somos brindados com as mais diversas referências, seja no sobrenome dos personagens (alguns deles são da família Frankenstein, outros da Van Helsing) ou nos conceitos de cenas que fazem homenagens a longas como Godzilla, Gremlins e Os Pássaros. O preto-e-branco, muito bem justificado, exalta tais homenagens, reforçando a ideia de que Frankenweenie não é um caça-níquel e sim uma animação muito pessoal de Burton.

Apesar de ser uma animação, o filme não é necessariamente destinado aos pequenos: a história é sobre minorias, experimentos científicos com a morte e chantagens – para dizer o que está mais na superfície. Além disso, o clímax é quase como o de um filme de terror, tamanha a tensão e a adrenalina das cenas para os padrões de uma animação. Com isso, reflete-se, aqui, a clara tendência de que o nome de Burton se posiciona mais do que o selo da Disney no processo. Quem entra na brincadeira certamente terá uma sessão prazerosa, pois Frankenweenie também é um filme que passa por todos os gêneros, apresenta personagens irresistíveis e – o mais importante – nos faz torcer pelo protagonista. O público se importa com Victor, sentindo tudo o que ele sente. E isso, para uma animação, é um mérito a ser valorizado.

É muito simples: desde que a Pixar se aposentou de ideias originais para fazer continuações e se adaptar aos moldes da Disney, não víamos uma animação tão bem resolvida em todos os aspectos. Frankenweenie tem história (e sobrevive a todas as mudanças de tom), visual, ritmo e empatia. Mesmo sendo da Disney (que, recentemente, castrou o perfil diferenciado da Pixar em Valente), a animação não desaponta mesmo nos momentos mais “acessíveis” e “açucarados”. É, antes de tudo, uma luz no fim do túnel de Tim Burton, que realiza o seu melhor trabalho desde sabe-se lá quando. Esse sim é o diretor que conhecemos. E não será surpresa alguma vê-lo como o vencedor do próximo Oscar de melhor animação. Caso isso aconteça, será mais do que merecido.

FILME: 8.5

NA PREMIAÇÃO 2012 DO CINEMA E ARGUMENTO:

Moonrise Kingdom

It’s been proven by history: all mankind makes mistakes.

Direção: Wes Anderson

Roteiro: Wes Anderson e Roman Coppola

Elenco: Bruce Willis, Edward Norton, Frances McDormand, Kara Hayward, Jared Gilman, Jason Shwartzman, Tilda Swinton, Bob Balaban, Harvey Keitel, L.J. Foley

EUA, 2012, Comédia, 94 minutos

Sinopse: Anos 60, em uma pequena ilha localizada na costa da Nova Inglaterra. Sam (Jared Gilman) e Suzy (Kara Hayward) sentem-se deslocados em meio às pessoas com que convivem. Após se conhecerem em uma peça teatral na qual Suzy atuava, eles passam a trocar cartas regularmente. Um dia, resolvem deixar tudo para trás e fugir juntos. O que não esperavam era que os pais de Suzy (Bill Murray e Frances McDormand), o capitão Sharp (Bruce Willis) e o escoteiro-chefe Ward (Edward Norton) fizessem todo o possível para reencontrá-los. (Adoro Cinema)

Foi com O Fantástico Sr. Raposo que Wes Anderson conseguiu me convencer pela primeira vez. Adorado por obras como Os Excêntricos Tenenbaums, o diretor sempre me pareceu superestimado, apresentando resultados questionáveis em estranhas comédias cheias de maneirismos como A Vida Marinha Com Steve Zissou. De qualquer forma, foi com sua primeira animação que ele me fisgou: visual radiante, trilha irresistível, personagens bem desenvolvidos e humor devidamente pontuado. Coincidência ou não, ele repete – e aprimora – tudo o que apresentou em O Fantástico Sr. Raposo em Moonrise Kingdom, que segue basicamente o mesmo estilo e entrega aquele que é, possivelmente, o seu filme mais interessante e melhor executado.

Moonrise Kingdom, logo em seus primeiros momentos, já instiga com o visual: direção de arte, fotografia e paisagens utilizam tons pasteis para construir um universo vintage e fabulesco, onde a inocência está justamente no foco da história, que mostra um casal de crianças que resolve fugir de suas respectivas rotinas para viver um grande amor. O filme ainda se utiliza de personagens excêntricos, liberdades narrativas e situações inusitadas sem nunca deixar de construir situações irresistivelmente palpáveis. O estilo idílico e o núcleo dos jovens escoteiros também trazem uma certa nostalgia para Moonrise Kingdom, que está longe de ser um filme de tom exclusivamente infantil. Pelo contrário: conforme se desenvolve, essa essência fica muitas vezes em segundo plano para dar lugar a outras abordagens.

Wes Anderson criou um filme que transita por praticamente todos os gêneros: da investigação à comédia, passando pelo romance com toques dramáticos, Moonrise Kingdom oferece ao espectador um sentimento genuíno de diversão, digno de matinê mesmo. Não podemos negar que, em um momento ou outro, a fusão de tantos gêneros deixa o resultado um pouco frenético, mas o que vale perceber é que todo o elenco entrou na brincadeira (incluindo veteranos como Tilda Swinton, Bill Murray e Bruce Willis) e que os jovens atores são todos ótimos. Aliás, as interpretações, além de estarem em plena sintonia com a proposta do diretor, não descambam para o caricatural, o que demonstra uma disciplina muito grande de seus intérpretes, já que os perfis dos personagens permitiriam o desvio de tom. Sim, entre crianças desajustadas, investigadores atrapalhados e traições, os personagens de Moonrise Kingdom poderiam ser exagerados. Mas tudo está no seu devido lugar.

É um longa divertido, prazeroso e original – o que, vale sempre lembrar, está cada vez mais raro nos dias de hoje – mas que também carrega, em suas entrelinhas, situações bastante agridoces. Sutilmente, Moonrise Kingdom ainda encontra espaço para falar sobre famílias desestruturadas, jovens problemáticos e casais que há muito tempo já deixaram de ser companheiros. É por fazer comédia com um tom muito controlado e por proporcionar diversão sem nunca abandonar questões mais complexas e existenciais, que Anderson se mostra cada vez mais maduro na concepção de seus universos particulares. Os cacoetes se foram e o diretor deixa bem claro que finalmente encontrou sua fórmula certeira. Um trabalho irresistível… Para qualquer plateia, arrisco dizer.

FILME: 8.5

Magic Mike

You are the husband they never had! 

Direção: Steven Soderbergh

Roteiro: Reid Carolin

Elenco: Channing Tatum, Alex Pettyfer, Matt Bomer, Joe Manganiello, Matthew McConaughey, Olivia Munn, Avery Camp, Cody Horn, James Martin Kelly

EUA, 2012, Drama, 110 minutos

Sinopse: Mike (Channing Tatum) é um operário charmoso e com muitos talentos. Durante o dia ele trabalha construindo casas, à noite em um clube para mulheres. Vendo potencial em um colega da construção que ele chama de Garoto (Alex Pettyfer), Mike resolve ensinar tudo o que aprendeu sobre a arte de dançar e das mulheres. Mike então conhece Brooke, irmã do Garoto, e passa a querer ter algo mais sério. Mas como ele poderá manter com seu badalado estilo de vida e uma garota das antigas?

O início de Magic Mike engana muito bem quem se dispôs a ver este filme que, desde sempre, foi vendido como um produto fetichizado para o público gay e feminino. Nos primeiros momentos, somos apresentados de forma displicente aos personagens. Logo, o filme parte para uma festa, a música começa e cinco homens surgem no palco dançando e tirando a roupa ao som de It’s Raining Men. O que isso quer dizer? Que o novo longa de Steven Soderbergh é uma completa bobagem semi-erótica musicalizada mais preocupada em ser um guilty pleasure do que qualquer outra coisa. Porém, mal Magic Mike alcança uma hora de duração e a história já murcha completamente: música, nudez e purpurina ficam cada vez mais escassas (aparecendo uma vez ou outra por mera formalidade, afinal o filme foi vendido em cima disso) para dar lugar a uma trama que quase alcança a monotonia por se levar a sério.

Ninguém quer saber dos batidos arcos dramáticos do sucesso que se destrói em função de drogas, ganância e irresponsabilidade. Ora, Magic Mike era para ser um filme apimentadamente divertido. A verdade é que ele termina como mais um trabalho irregular de Soderbergh, que não deve ser nem uma diversão descompromissada para o seu público-alvo. E muito menos para quem, mesmo contrariado, resolve dar um voto de confiança ao filme. Magic Mike, além de se levar a sério demais e apostar em previsibilidades, é um longa muito disperso, que não tem um conflito principal definido. Em consequência, acompanhamos diálogos frequentemente disléxicos, cenas avulsas e momentos que não acrescentam absolutamente nada ao drama ou à comédia do longa. E o pior: com exceção de dois ou três personagens, sequer gravamos o rosto dos outros atores – aliás, alguém lembra de ouvir a voz do Joe Manganiello, por exemplo?

E ser menos divertido do prometia é um grande problema para Magic Mike. Dá perceber que os atores estão completamente à vontade com as cenas de nudez e com as coreografias (o próprio Channing Tatum foi stripper na vida real), mas, infelizmente, o filme de Soderbergh só vale, no máximo, para quem procura especificamente tais aspectos. Antes, já dava para ter uma noção de que a história seria construída dessa forma, mas o que não esperávamos era uma certa carência de verdadeiro entretenimento. Sim, é imperdoável que um longa como Magic Mike não tenha uma trilha empolgante (hits pop, por que não?), humor e desenvoltura para rir de sua própria futilidade – o que quase nos faz esquecer que dá até mesmo perdoar o sempre inexpressivo Channing Tatum, aqui inofensivo no papel de um stripper sem profundidade.

A culpa de tanta falta de despretensão está, claro, em dois aspectos muito básicos. Primeiro, no fraquíssimo roteiro de Reid Carolin, que, como já dito, se leva a sério demais e não consegue fazer com que o espectador crie maior conexão com qualquer personagem. E, segundo, na decepcionante direção de Steven Soderbergh. Ele, que tinha deixado a sensação de ter entrado nos eixos com o interessante Contágio, prova, novamente, em Magic Mike, que deveria cumprir as suas (falsas) promessas de aposentadoria. Não é todo dia que vemos homens, digamos, tão “à vontade” no cinema enquanto, ironicamente, somos bombardeados com produções que costumam mostrar mulheres na mesma situação com tanta naturalidade. Mulheres nuas, em qualquer filme, são vistas com muita despretensão. Com homens, a situação é cercada de preconceitos. Soderbergh, por fim, perdeu a chance de fazer algo diferente e mudar esse cenário.

FILME: 5.0