Cinema e Argumento

“After Life”: em fase melancólica e tragicômica, Ricky Gervais encena o luto sem fim de um homem comum

Criador, ator, produtor, roteirista e diretor do seriado After Life, Ricky Gervais abraça a melancolia e a tragicomédia para narrar a história de um homem que vive um luto sem fim. 

Esqueça o Ricky Gervais que, como apresentador do Globo de Ouro em três ocasiões, chocou meio mundo com monólogos de abertura polêmicos. Esqueça também o Ricky Gervais que deixou incontáveis plateias desconfortáveis com seriados como Extras e The Office (a versão britânica que deu origem ao sucesso estrelado por Steve Carell nos Estados Unidos). Obviamente Gervais não abriu mão de sua própria personalidade, mas o que vemos em After Life, cuja segunda temporada estreou dia 24 de abril na Netflix, é uma versão mais sentimental e melancólica de um humorista que, perto de completar 60 anos, resolveu refletir sobre a finitude da vida e sobre o estado de luto que todos nós um dia vivenciaremos.

Se antes o humor de Ricky Gervais era gosto adquirido (piadas ácidas, politicamente incorretas e até mesmo constrangedoras são para um certo nicho), agora a situação muda de cenário, pois After Life, além de trazer toda a ironia e a inteligência das melhores comédias britânicas, consegue ser universal ao equilibrar certas características do humor que consagrou Gervais e doses de emoção realmente surpreendentes se levarmos em consideração a trajetória mais célebre do humorista. Para quem gosta de ver tudo de uma tacada só, uma boa notícia: After Life é estruturada em temporadas de somente seis episódios de 30 minutos, o que também pode ser a tristeza para quem gosta de saborear histórias por um longo período.

As duas temporadas lançadas até agora são todas dirigidas e roteirizadas pelo próprio Gervais. Cada uma, pela curtíssima duração, parece um filme dirigido em seis partes. Gervais, no entanto, como um veterano dos seriados, sabe construir uma estrutura episódica para o programa. Resumidamente, a história gira em torno de Tony, um jornalista que, após ter perdido a esposa para o câncer, passa a enxergar o pessimismo como filosofia de vida. Para ele, o trabalho é uma atividade tola, as pessoas ao seu redor são desprezíveis e tudo parece uma conspiração para para irritá-lo. Sem a esposa, Tony apenas sobrevive.

A partir de amizades improváveis e de personagens que buscam a humanidade do protagonista, After Life dosa humor e comédia para evitar o risco de se tornar o relato sobre um homem intragável.

Receita fácil para criar um personagem insuportável, a sinopse depressiva de After Life é colocada abaixo na prática. Primeiro porque Ricky Gervais, que interpreta o próprio Tony, opta por utilizar a sua cota de humor justamente para retratar o pessimismo do protagonista. Ora, é mesmo tragicômico o fato de Tony trabalhar no jornal decadente de uma pequena cidade, entrevistando pessoas que talvez nenhum jornalista sonha entrevistar, como uma senhora que diz ter o poder de falar com gatos ou o homem que vê o rosto de Kenneth Branagh em uma infiltração da casa. Também é divertido ver Tony se tratar com um psicólogo que está cansado de ouvir seus pacientes e que, no final das contas, quer apenas falar sobre ele próprio.

Além de explorar com humor as situações cotidianas afim de aliviar o peso que ele visivelmente carrega nas costas, After Life cerca o protagonista de personagens que clamam por sua humanidade, como Emma (Ashley Jensen), a enfermeira que cuida do pai de Tony em uma clínica para idosos, ou então a sua mais nova amiga Anne (Penelope Wilton), uma senhora que perdeu o marido e com quem ele tem alguns dos melhores diálogos em ambas as temporadas. A partir do convívio com essas pessoas, Tony começa gradativamente a se abrir para o mundo mais uma vez, ainda que nunca consiga se libertar das memórias da esposa, muitas delas registradas em gravações caseiras que ele assiste ao acordar e antes de dormir.

Fragmentos de memórias: nos vídeos que Tony assiste diariamente como um ritual, conhecemos um pouco sobre quem ele era antes de perder a esposa.

No tocante à discussão do luto, Ricky Gervais não cai na tentação de querer encenar contar a história do protagonista de forma linear. Seria fácil nos introduzir à esposa de Tony, passar alguns episódios com ela e depois fazê-lo sofrer a perda. O que After Life faz é apresentar um personagem que, depois de meses, ainda não seguiu em frente — e nem tem a intenção de seguir tamanho o vazio existencial que sente. Através das gravações que Tony guarda da esposa, a série revela, a cada episódio, fragmentos do relacionamento sincero, cúmplice e espontâneo dos dois, e aí entendemos ainda mais a razão de todo luto. Cada vez que vemos o protagonista encerrar um dia com um sorriso ou algumas lágrimas no rosto ao revisitar alguma gravação no computador, percebemos que também sentimos falta de vê-lo feliz.

O humor pessimista desse homem em luto rende momentos hilários para After Life, que busca a piada no absurdismo do dia a dia. Entretanto, é a angústia de Tony com ele próprio e com a sua incapacidade de seguir em frente que dá verniz à série. Com simplicidade, Gervais olha para o cotidiano com um olhar afiado e revelador: assim como acontece na vida, o protagonista começa a colecionar amizades improváveis (a prostituta vivida por Roisin Conaty é excelente, muito em função da série não problematizar ou estereotipar a natureza da sua profissão) e a perceber que, apesar dos pesares, precisamos abraçar aquilo que a vida tem a nos oferecer, inclusive os colegas estranhos de trabalho que podem muito bem ser o ombro amigo que precisamos. No meio disso tudo, Ricky comove e diverte como ator, em um desempenho discreto e repleto de nuances.

Na primeira temporada, After Life apostou com mais frequência no humor, muito para contextualizar o quanto Tony passou a ver a vida com pessimismo. Já no segundo ano, a melancolia toma conta do seriado porque testemunhamos vários desdobramentos de suas novas relações. A mais significativa é a que ele estabelece com a enfermeira que cuida de seu pai e que logo se apresenta como um interesse amoroso que talvez o faça finalmente virar a página. Nada maniqueísta ou clichê, mas de uma sobriedade que costuma definir os trabalhos mais interessantes vindos do Reino Unido. Com o passar do tempo, Ricky Gervais realmente se tornou mais sentimental. E, partindo do que ele realiza em After Life, tal constatação só comprova a velha tese de que nem todo ator é um grande comediante, mas que, sim, todo comediante é necessariamente um grande ator. Aliás, no caso de Ricky, grande ator, produtor, diretor, roteirista…

As dez melhores séries de 2019

Watchmen, da HBO, é uma das melhores séries do ano. No programa criado por Damon Lindelof, o universo dos quadrinhos é adaptado com personalidade própria e sem fórmulas tradicionais.

É hora de dar o start na brincadeira dos melhores do ano. Vi o que pude em um ano que não me permitiu ver tantos filmes e seriados quanto eu gostaria. Selecionei aquelas obras que mais me tocaram de alguma forma. Listas, como sempre, são muito pessoais e dizem mais sobre quem as faz do que necessariamente sobre os escolhidos em si. Gosto dessa lógica. Começo abaixo pelas séries, elencando as minhas dez favoritas de 2019 (sem ordem de preferência).

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The Act (Hulu, primeira temporada)
Uma antologia tão macabra que só poderia mesmo ter a vida real como inspiração. Temporada de oito episódios com duas grandes performances de Joey King e Patricia Arquette. Vale a dobradinha com o documentário Mamãe Morta e Querida, da HBO, sobre a mesma história. A Hulu ainda não deu informações sobre uma segunda temporada. Relembre a crítica publicada aqui no blog.

After Life (Netflix, primeira temporada) 
O trabalho mais sentimental da carreira de Ricky Gervais, sem perder a acidez típica do ator/diretor/roteirista. Um olhar tão delicado quanto tragicômico sobre o luto e sobre os desafios de (tentar) seguir em frente. Já está renovada para mais uma temporada.

The Crown (Netflix, terceira temporada)
Olivia Colman assume o protagonismo da terceira temporada de “The Crown” com o brilhantismo de sempre. De contornos muito mais políticos e morais, a nova fase da série tem na divisão democrática de espaço com os coadjuvantes a sua maior potência narrativa. A quarta temporada estreia em 2020, novamente com Olivia Colman.

Chernobyl (HBO, minissérie)
Uma densa crítica em torno da negligência, da mentira e da irresponsabilidade que parte de políticos e governantes em situações de crise. Ao centrar a história na forma como toda mentira é cobrada e como sempre há um preço a ser pago, a HBO criou um dos grandes eventos televisivos do ano.

Fleabag (Amazon Prime, segunda temporada)
Raramente vemos séries sobre uma personagem feminina, errática e complexa que diz muito mais sobre nós mesmos do que estamos dispostos a admitir. Fleabag é uma pérola porque compreende a força da comédia para falar sobre nossos anseios mais incômodos. A série não terá mais temporadas.

Modern Love (Amazon Prime, primeira temporada)
Uma grande evolução na relação da Amazon com o grande o público, embalada pelo toque delicado de John Carney como showrunner. Tem histórias mais interessantes do que outras, mas é uma experiência carinhosa e vivida por um grande elenco. Uma nova temporada já foi encomendada pela Amazon.

Mrs. Fletcher (HBO, primeira temporada)
Kathryn Hahn está inspiradíssima nessa pérola da HBO que passou despercebida em quase todas as listas do ano. Vale correr atrás: Mrs. Fletcher tem mais um texto lindo de Tom Perrotta e escapa de todos os clichês envolvendo a síndrome do ninho vazio. A HBO ainda não anunciou se o programa será renovado para uma segunda temporada. Relembre a crítica publicada aqui no blog.

Years and Years (HBO/BBC, minissérie)
Perturbadora análise sobre tudo que pode acontecer em um futuro que, na verdade, já está muito próximo. São seis episódios afiadíssimos que capturam o caos político e moral de uma era que escolheu aplaudir a ignorância e a má fé de toscos governantes. Relembre a crítica publicada aqui no blog.

Watchmen (HBO, primeira temporada)
A expectativa era grande porque The Leftovers é o meu seriado favorito da década, mas Watchmen dá sequência ao que Damon Lindelof vem fazendo de melhor como contador de histórias. Os nerds espumaram de raiva. Sinal de que a série realmente é um espetáculo. Lindelof diz ter idealizado a série para somente uma temporada, mas a HBO ainda não oficializou a decisão final.

When They See Us (Netflix, minissérie)
Revoltante relato da vida real que a diretora Ava DuVernay adaptou para a Netflix com uma força emocional avassaladora. Impossível ficar indiferente a uma história tão potente e a um drama tão bem desenhado em suas críticas e justiças.

“Mrs. Fletcher”: partindo de mais um texto crítico e sem amarras de Tom Perrotta, nova série da HBO é uma pérola a ser descoberta

Kathryn Hahn como Eve, a protagonista de Mrs. Fletcher: nova série da HBO criada por Tom Perrotta aborda com delicadeza as transformações internas e sexuais de uma mãe na faixa dos 40 anos.

Exímio observador das vidas comuns, o escritor Tom Perrotta faz questão de colocar em xeque todos os padrões, atrasos e preconceitos das relações urbanas. Em suas obras mais célebres adaptadas para o cinema e para a TV, ele expôs uma gama de comportamentos conflituosos a partir de uma disputa colegial (Eleição, dirigido por Alexander Payne em 1999), lançou luz sobre as hipocrisias matrimoniais e sobre os nossos tortuosos instintos sexuais (Pecados Íntimos, levado para as telas em 2006 por Todd Field) e ilustrou como a sociedade lida de diferentes maneiras com o luto, seja ele qual for (The Leftovers, série magistral da HBO exibida entre 2014 e 2017).

Perrotta não precisa de nada muito extraordinário. O que lhe interessa é o fascínio do detalhe, as complexidades do corriqueiro e a profundidade humana de quem vive ao nosso lado. Ainda assim, talvez nenhum de seus trabalhos adaptados até aqui tenha um plot tão trivial quanto o de Mrs. Fletcher, série cuja primeira temporada acaba de ser exibida pela HBO e que, mesmo transmitida aos domingos (um dia privilegiado na grade da emissora), passou quase despercebida entre público e crítica. Dessa vez, o escritor, atuando pela primeira vez como showrunner de um seriado, registra o momento em que Eve (Kathryn Hahn), uma mulher solteira e na faixa de seus 40 anos, lida com o fato do seu único filho ter saído de casa para finalmente cursar uma faculdade.

As coisas, entretanto, não são tão simples quanto parecem, pois Mrs. Fletcher deixa o conflito do adeus ao filho em segundo plano, centrando sua discussão em como essa mãe reconstrói sua vida e passa a fazer o que bem entender, inclusive do ponto de vista sexual. Na mesma proporção, os roteiristas desfiam uma outra descoberta: a do filho de Eve, antes um dos garotos mais desejados do colégio e que agora se vê deslocado em uma vida acadêmica que o obriga a firmar os pés no chão. Essa inversão de clichês (a mãe aproveitando a liberdade, enquanto o garoto administra uma imensa frustração) dá um tom cativante ao seriado e é impulsionada por uma delicadeza cultivada já atrás das câmeras, onde todos os episódios são dirigidos somente por mulheres.

Quando sai de casa, Brendan (Jackson White) se depara com uma vida frustrante na universidade. Enquanto isso, quem passa a se redescobrir através da liberdade é a sua própria mãe.

Na internet e na vida real, Eve renasce sexualmente com novos encontros, transas casuais e até mesmo interesse por experiências homossexuais, impulsionada por toda a independência que, ela sim, passou a cultivar com a ausência do filho. Em diferentes níveis, a personagem, que ainda é estimulada pela repentina paixão que um garoto de 19 anos passa a nutrir por ela, abraça a vibração de tudo isso, reconstruindo a sua ideia de mundo e de seu papel como mãe e mulher. Não há qualquer humor pastelão ou construções simplistas em Mrs. Fletcher, pois os roteiristas desenvolvem as transformações da protagonista sem alardes, focando nos detalhes corriqueiros que contribuem para a nova roupagem assumida por essa mãe em pleno redesenho de sua intimidade.

Já Brendan (Jackson White) chega à faculdade com a mesma pose de garoto desejado que sempre cultivou no colégio, até encontrar colegas com propósitos muito diferentes dos seus. A vida já não é mais uma festa, e essa é uma frustração que ele, agora sem o amparo da mãe, tem dificuldade em enfrentar. Pode parecer uma proposta genérica, mas novamente Mrs. Fletcher olha para uma situação específica de modo crítico: cheio de si e imaturo, Brendan é a perfeita representação do jovem branco, heterossexual e mimado que trata mulheres como objetos, sem muita noção do sentimento alheio, comportamento responsável por vários de seus ruídos de comunicação. Ao contrário do que sua saída de casa sugeria, quem precisa superar os desafios de uma transição como essa é ele próprio.

Entre Eve e Brendan, Mrs. Fletcher recheia a história com excelentes coadjuvantes. É calorosa, por exemplo, qualquer aparição de Jen Richards como Margo, a professora transexual do grupo de redação em que Eve se matricula. Isso porque o roteiro jamais se utiliza da transexualidade de Margo para definir os conflitos da personagem. Bem pelo contrário: é muito bonito ver como a série cria relações tão íntimas e esperançosas para uma figura que, conforme descobrimos entre um diálogo e outro, já se frustrou o suficiente na vida. A dinâmica que Eve estabelece com Julius (Owen Teague) também é outro ponto de destaque, especialmente porque a assumida paixão do garoto desperta na protagonista uma boa dose de sentimentos tão conflituosos quanto excitantes.

Mesmo assim não há brilho maior em Mrs. Fletcher do que o de Kathryn Hahn. Atriz de vasto talento, Hahn já foi coadjuvante de destaque em seriados como Transparent e fez um grande trabalho junto a Paul Giamatti no longa-metragem Mais Uma Chance, mas o seriado criado por Tom Perrotta é, até o momento, o projeto que lhe coloca no centro definitivo das atenções. Navegando em um oceano de emoções sem precisar de um monólogo ou de uma hipérbole qualquer para comunicar ao espectador todas as transições da personagem, ela prova novamente ser uma das atrizes mais interessantes de sua geração. E que gratificante é vê-la trabalhando tamanho repertório em uma série como Mrs. Fletcher, que, entre produções de larga escala produzidas pela HBO como Game of Thrones, Watchmen e His Dark Materials, silenciosamente surgiu como uma pérola a ser descoberta no catálogo da emissora.

“Years and Years”: minissérie imagina as ramificações de um futuro assombroso que está mais próximo do que gostaríamos de constatar

Uma coprodução entre a HBO e a BBC, a minissérie Years and Years parte da vida íntima de uma família britânica para falar sobre um futuro assustador que já está entre nós.

Uma das grandes produções de 2019 que o público ainda precisa descobrir, a minissérie Years and Years atravessa um período de 15 anos na vida da família Lyons, adotando como pano de fundo transformações políticas e sociais que, frente ao que estamos vivendo hoje, já não soam mais improváveis ou absurdas, como uma possível reeleição de Donald Trump ou a evolução assustadora de um trans-humanismo que transfere a nossa consciência para códigos armazenados em uma nuvem digital. Todavia, a grande sacada dessa coprodução entre a HBO e a BBC é a de colar as suas duas perspectivas — a intimidade dos Lyons e as notícias que movimentam o mundo — com uma proximidade quase perturbadora. Isso faz com que o espectador frequentemente se coloque no lugar dos personagens, evidenciando um tipo de empatia que costuma definir o nosso fascínio pelo audiovisual.

Não há jeito: quer você goste ou não de política, ela define as nossas vidas, e tudo o que acontece lá fora nos afeta diretamente. É essa a tônica de Years and Years, que, durante seis episódios, faz seus personagens sentirem as consequências de um mundo descontrolado e que aplaude políticos medíocres e despreparados, a exemplo da fictícia Vivienne Rook, vivida à perfeição por Emma Thomspon em um papel de aparições mínimas, mas emblemáticas para o desencadeamento da trama. Ela representa tudo aquilo que passamos a sentir na pele: a ascensão do ultraconservadorismo, a irresponsabilidade de discursos desinformados, o incentivo a ideias retrógradas e a priorização de pautas tolas em detrimento das reais necessidades do povo. Vivienne acha, entre outras opiniões estapafúrdias, que todo cidadão britânico precisa passar por um teste de QI para poder votar, uma vez que nem todos seriam devidamente qualificados para opinar sobre o destino de sua própria nação.

Inicialmente uma figurante que é apenas motivo de piada e incredulidade por dizer tantos absurdos em rede nacional, Vivienne logo ganha amplitude junto ao povo britânico com a bandeira de que, ao contrário dos outros políticos, ela dá voz (com direito a palavrões, inclusive) a tudo aquilo que uma parcela da população dita reprimida pelo politicamente correto deseja secretamente dizer. Sua sorrateira evolução passa a trazer incontáveis consequências para vida dos Lyons: paixões serão afetadas por uma avassaladora crise nas políticas migratórias e poupanças se desestabilizarão graças a um repentino colapso financeiro dos bancos, além de outros tantos acontecimentos imprevisíveis que não devem ser listados para não corrermos o risco de revelar algum spoiler.

Emma Thomspon e os pronunciamentos estapafúrdios de Vivienne Rook: mesmo com papel mínimo, atriz rouba a cena toda vez que aparece, influenciando a vida de todos os demais personagens.

Partindo do íntimo de uma família para ilustrar angústias compartilhadas de maneira universal, Years and Years domina o passar do tempo com uma maestria fascinante. São tão hipnóticas quanto angustiantes as caóticas sequências em que, através de telejornais e da própria percepção dos personagens, testemunhamos com absoluta clareza os momentos que, dentro da trama, serão responsáveis por alterar drasticamente os rumos do Reino Unido e da família Lyons. Cada salto temporal é inesperado (e pontuado com grandiosidade pela marcante trilha sonora de Murray Gold), acelerando a trama com novos recortes que garantem um ótimo fluxo de ritmo para o programa e um instigante clima de instabilidade para os personagens.

Aliás, tratando-se deles, a minissérie trabalha um punhado considerável de vidas com notável equilíbrio. Claro que temos figuras mais interessantes do que outras (a matriarca sem papas na língua interpretada por Anne Reid) e outros que são menos empáticos do que o roteiro supõe, a exemplo do Stephen Lyons de Rory Kinnear. Ainda assim, o programa aproxima o espectador de todos eles, munido de uma importante representatividade: gays, negros e pessoas com deficiência são, ao menos dentro da família, tratados em pé de igualdade, sem que sua dramaticidade se resuma a conflitos de raça ou sexualidade. Ao torná-los como próximos de quem os assiste, Years and Years acaba, inevitavelmente, comovendo com euforia ou pesar, dependendo dos vislumbres de esperança (que, sim, existem) ou desalentos.

Nos 15 anos contemplados pelo programa, o criador Russel T. Davies (Doctor Who, A Very English Scandal) também lança uma interessante (e necessária) provocação: a de fazer o público refletir sobre a sua parcela de responsabilidade perante tudo que aí está. A reflexão vem em um corriqueiro jantar de família, onde determinada figura levanta a ideia de que todos que sentam à mesa são coautores da loucura que acontece no mundo. Ora, ao nos acostumarmos com a tecnologia substituindo processos humanos ou a nos limitarmos a postar textões nas redes sociais ao invés de tomar alguma iniciativa de fato efetiva diante do que nos incomoda, passamos a ser coniventes com o caos. Convocando para a ação ao invés de simplesmente encenar um futuro problemático e sem perspectivas, Years and Years, portanto, ainda se torna grande por re(tomar) consciência do papel da arte como uma importante ferramenta de reflexão e transformação. Na companhia de programas como esse, talvez o futuro possa parecer menos aterrorizante.

“Transparent Musicale Finale”: sem Jeffrey Tambor, série da Amazon acerta ao se transformar em algo inteiramente novo para dizer adeus

Após a demissão de Jeffrey Tambor, Transparent não tenta remendar a ausência do ator: para seu desfecho, o seriado criado por Jill Solloway se transforma em algo inteiramente novo.

Primeiro grande sucesso produzido originalmente pela Amazon, Transparent discutiu, ao longo de quatro temporadas, uma série de temas hiper relevantes para a consciência humana e social de seus espectadores. Entretanto, seria fácil resumir o seriado criado por Jill Solloway a um drama familiar onde o protagonista resolve assumir para família que agora deixa de ser o pai como conheceram a vida inteira para se apresentar como a mulher que sempre sonhou ser. A revelação de Moira Pfefferman (Jeffrey Tambor), agora identificada como Maura, é o ponto de partida para uma sequência de conflitos e reflexões que, aí sim, encorpam a identidade do programa: entre crises familiares, conjugais e sexuais, cada membro desse clã passa a questionar a sua própria identidade e o seu verdadeiro lugar no mundo. Como na própria vida, os Pfeffermans trilham, durante toda a série, caminhos tortuosos e pedregosos para encontrar respostas muito íntimas. E o programa alcançou um notável nível de maturidade porque nunca tentou amenizar ou justificar até mesmo certos personagens que, submersos em imperfeições, muitas vezes se tornavam intragáveis.

Nas três primeiras temporadas de Transparent, Jill Solloway, que teve ampla participação nos bastidores do icônico seriado Six Feet Under como produtora e roteirista, criou uma verdadeira pérola, sempre impulsionada por um excelente elenco e pela inesquecível interpretação de Jeffrey Tambor como Maura, facilmente uma das melhores dessa década. Já no quarto ano, a série misteriosamente sai dos eixos com um conjunto de episódios desfocados, dispersos e que mais pareciam um filme pouco interessante dividido em dez episódios. A frustração maior ainda estava por vir: em fevereiro de 2018, Tambor foi demitido pela Amazon após uma acusação de assédio sexual feita por sua colega de elenco Trace Lysette. Ele negou — e segue negando até hoje —, mas a Amazon se manteve firme, cortando o ator desse projeto que chegou a lhe render dois Emmys e um Globo de Ouro de melhor ator em série de comédia (a classificação do gênero é altamente duvidosa, diga-se de passagem). 

Subitamente sem protagonista, Transparent se viu na mesma situação de House of Cards, que também perdeu Kevin Spacey durante a enxurrada de acusações de assédio sexual que se tornaram públicas graças ao movimento #MeToo. Enquanto House of Cards resolveu remendar a situação, realizando uma temporada inteiramente nova e entregando o protagonismo absoluto à atriz Robin Wright, Transparent adotou uma estratégia diferente: pensar o desfecho em forma de filme, sem prolongar uma história que, apesar dos pesares, não teria muitas chances de sobreviver com o mesmo vigor após tamanho desfalque. Mais do que isso, a série resolveu chutar o balde com a decisão de rodar o desfecho como um musical. Há um lindo momento de Judith Light cantando Hands in My Pocket ao final da terceira temporada, mas, dado o histórico geral do programa, tal transformação era realmente impossível de antecipar como uma tendência para os momentos derradeiros da trama.

Ainda que em novo formato, Transparent Musicale Finale segue levantando as bandeiras que sempre levantou e não perde de vista as lembranças deixadas por Maura Pfefferman (Jeffrey Tambor) nas temporadas anteriores.

Como acontece com basicamente todos os musicais, Transparent Musicale Finale, já disponível na plataforma de streaming da Amazon, não agradará gregos e troianos. É justa a indignação de quem se incomoda, afinal, como é possível um programa fazer tamanha inovação justamente em seu ato final? Jill Solloway enlouqueceu? Contudo, é possível enxergar a decisão sob outro prisma. Fazendo jus às suas reflexões sobre as mais diversas formas de transições (emocionais, físicas e de identidade), Transparent acaba, em um momento de divisão de águas, sendo ela própria sobre transformação. É importante constatar que o surgimento dessa natureza musical nos leva à ideia de que Solloway sabia o quanto seria complicado fazer um desfecho sem Jeffrey Tambor e seguindo a mesma batida dos anos anteriores. A ausência do ator seria sentida, e transformar Transparent em algo novo talvez fosse a saída perfeita para amenizar um problema irremediável.

Não se trata de fuga, mas sim de estratégia e, por que não, de posicionamento: mesmo que nem sempre assertivo ao adaptar situações cotidianas para o plano musical, Transparent Musicale Finale é um sopro de valentia em meio a seriados que, tão preocupados em agradar os espectadores, acabam se tornando reféns do próprio público, em sua maioria intolerante a conceitos que fujam das fórmulas e dos terrenos já conhecidos em uma atração. Ao mesmo tempo, o musical que encerra a jornada dos Pfeffermans não nega o legado da protagonista vivida por Jeffrey Tambor: o roteiro respira Maura por todos os lados, seja nas músicas, nos diálogos ou na própria atmosfera de luto que permeia toda a projeção. Transparent Musicale Finale assume a falta que a personagem faz e presta sua homenagem a tudo o que ela deixou em forma de reverberação emocional para os membros da família. É bonito, agridoce e com soluções dignas para contemplar a lembrança de Maura mesmo sem a presença de Jeffrey Tambor.

Não há um novo protagonista nesse desfecho, o que é justo com um elenco que assume tempos equivalentes em cena, como um coral. Duas atrizes, porém, têm brilho extra. Uma delas é Gaby Hoffman, que da vida à Ali (agora Ari), a filha mais abalada pela ausência de Maura justamente por ela própria, agora em plena transição de identidade de gênero, ser a pessoa que melhor compreendia os turbilhões íntimos de uma figura que agora não está mais presente para lhe propôr certas respostas e interrogações. A outra é Judith Light, que sempre teve um dos papeis mais difícil do programa: como a histriônica matriarca Shelly, a atriz transita entre as delicadezas de uma personagem cercada de situações complicadíssimas (abuso na infância, falta de conexão com os filhos, a verdade sobre o marido que assume uma identidade feminina) e o seu modus operandi agitado, hiperativo e não muito empático com as pessoas a sua volta. Pois agora nesse musical, Shelly passa por transformações internas importantes em relação a isso, todas capturadas com talento pela excelente atriz que é Judith Light.

Judith Light solta a voz mais uma vez: junto a Gaby Hoffman, atriz é um dos pontos altos desse desfecho que pode ser acusado de tudo, menos de preguiça ou comodismo.

Sobre a parte musical, o filme tanto acerta quanto deixa um certo gostinho de frustração. Há números que exaltam toda faceta empolgante e alegre do gênero (Joyocaust, o excelente número de encerramento), enquanto outros iluminam a natureza dialogada dessas produções, como Your Boundary is My Trigger, que, menos ritmado e sem necessariamente um refrão marcante, expõe os sentimentos e as frustrações de duas personagens a partir de uma discussão. O que corta uma parte do barato é o visível playback para disfarçar a falta de experiência de alguns atores com a cantoria. São dominantes as passagens em que o tom alcançado pelas músicas (e pelos ajustes de pós-produção delas) não condiz com as expressões em cena. Isso acontece com frequência no gênero, o que tira um pouco da veracidade que algumas sequências tentam imprimir. Transparent Musicale Finale ainda aposta em números imaginários em um único palco. Às vezes funciona, e em outras é mais do mesmo, como Rob Marshall já fez aos montes em títulos como Chicago e Nine. Como um representante do gênero, o filme é divertido e ocasionalmente tocante, ainda que nem sempre sofisticado em suas concepções.

Em uma jornada do luto ao renascimento, Transparent Musicale Finale não abre novas histórias para o filme de encerramento. Acontece o oposto: em sua despedida, a série busca amarrar todas as pontas soltas, e em 102 minutos consegue fazer isso com folga. Para a alegria de muitos, o musical, ao se aproximar do final, não resiste ao tom novelesco. Há finais felizes um tanto abruptos, assim como o resgate de personagens que poderiam muito bem ter permanecido intocados (a rabina Raquel, interpretada por Kathryn Hahn) e uma fila de outros tantos que, entre pequenas participações e figurações, ressurgem porque, claro, fizeram parte da série e não poderiam ficar de fora da festa (Cherry Jones, Bradley Whitford). Permeado por acertos e fragilidades, Transparent, enfim, despede-se como um programa inteiramente novo, e o público precisa entender isso para embarcar na versão musical. A atração não é mais a mesma, e é claro que não poderia ser. Não sem Jeffrey Tambor. Sendo assim, gostando ou não de uma cantoria, você pode acusar Transparent Musicale Finale de tudo, exceto de preguiça ou comodismo — e já não seria esse um excelente argumento de convencimento?

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