Uma perspectiva da representação feminina no cinema brasileiro contemporâneo a partir dos filmes exibidos na edição comemorativa de 45 anos do Festival de Cinema de Gramado
Laís Bodanzky nos bastidores do longa-metragem Como Nossos Pais: uma das raras diretoras com carreira prolífera e vitoriosa no cinema brasileiro. Foto: Beatriz Lefèvre
Os dados apresentados pela Agência Nacional do Cinema – ANCINE em abril deste ano refletem objetivamente a falta de equidade na produção audiovisual brasileira. Embora mais da metade da população de nosso país seja feminina, apenas 17% das 2.583 obras registradas na agência em 2016 foram dirigidas por mulheres. O número, por outro lado, cresce conforme a área de atuação seja mais específica e menos protagonista: ainda segundo a ANCINE, 21% dos roteiros são escritos por mulheres, enquanto 41% de quem cuida da produção executiva de um filme é do sexo feminino. A análise é muito clara: quanto maior a posição de destaque, menores são as chances de as realizadoras chegarem lá. Os tempos que vivemos, em contrapartida, já sinalizam uma mudança irreversível para os próximos anos. Se os números trabalham contra a presença feminina no cinema brasileiro, artisticamente há muito o que ser celebrado porque tanto a sociedade passou a debater o protagonismo feminino nas mais diversas plataformas, da mídia ao ambiente acadêmico, quanto os próprios eventos do gênero já se atentam, em questão de representatividade e mérito, ao fato de que as mulheres são – e merecem ser – cada vez mais protagonistas das telas de cinema.
Como forma de mensurar, avaliar e debater tal cenário, há pelo menos dois grandes festivais de cinema realizados em território nacional que podem ser tomados como referência para esse movimento no ano de 2017. O mais recente é o Festival do Rio, que, no dia 5 de setembro, divulgou os concorrentes de sua edição com uma estatística animadora: sete dos nove filmes concorrentes na mostra competitiva brasileira de longas de ficção são dirigidos por mulheres, incluindo desde cineastas experientes como Lúcia Murat, concorrente com Praça Paris, até nomes da nova geração, a exemplo de Juliana Rojas, com As Boas Maneiras, codirigido em parceria com Marco Dutra.
Um mês antes, entre os dias 18 e 26 de agosto, o tema do protagonismo feminino já ganhava a Serra Gaúcha durante a histórica edição de 45 anos do Festival de Cinema de Gramado, o maior evento do gênero realizado de forma ininterrupta no Brasil. No festival serrano, a estatística na mostra competitiva de longas-metragens brasileiros era proporcionalmente animadora: quatro dos sete filmes na disputa pelo tradicional Kikito levavam a assinatura de mulheres na direção. E elas foram além, já que Como Nossos Pais, de Laís Bodanzky, foi o grande vencedor da edição em seis categorias, incluindo melhor filme e direção, endossando as importantes conquistas vividas pelas realizadoras não apenas em um evento clássico como Gramado, mas na própria cinematografia brasileira.
O plano feminino, universal e cotidiano
Levando em consideração as obras exibidas em Gramado, chegamos a um belo panorama dos diferenciais temáticos, técnicos e narrativos entregues pelas respectivas diretoras e roteiristas. Como Nossos Pais, por exemplo, impulsiona uma composição que não costuma ser sinônimo de reconhecimento: a de uma história que se desenvolve a partir da dinâmica entre duas mulheres. Mas, ainda que parta dos dilemas de uma “supermulher” – definição usada pela própria diretora -, que finalmente assume não dar conta de tudo em uma vida caótica que se divide entre casa, família, casamento e trabalho, o longa leva as discussões para um plano mais universal, dividindo-se entre temas como contrastes geracionais, turbulências afetivas e falência matrimonial.
Estrelado por Maria Ribeiro como a filha que reavalia sua identidade após a descoberta de um antigo caso extraconjugal da mãe (Clarisse Abujamra), Como Nossos Pais é uma obra feminista e humanista que novamente ilumina aquela que é a característica mais marcante do cinema de Laís Bodanzky: a de buscar a humanidade no lado mais simples do ser humano. Foi assim em obras como Bicho de Sete Cabeças, Chega de Saudade, As Melhores Coisas do Mundo, Mulheres Olímpicas e, agora, Como Nossos Pais, onde, pela primeira vez, ela entrega uma narrativa ficcional inteiramente a uma protagonista feminina. Não à toa, é o seu filme mais celebrado desde Bicho de Sete Cabeças, da primeira exibição na seção Panorama do Festival de Berlim à total consagração em Gramado, onde quebrou um jejum de 12 anos: desde 2005, com Tizuka Yamazaki (Gaijin – Ama-me Como Sou), uma mulher não conquistava o Kikito de melhor direção.
Eliane Giardini dirige, protagoniza e escreve o drama A Fera na Selva, baseado em texto de Henry James. Foto: FernandoHenrique.efe
E a mulher do século passado?
À frente e atrás das câmeras, a veterana Eliane Giardini também esteve em Gramado para apresentar o seu primeiro longa-metragem como diretora: o drama A Fera na Selva, assinado junto ao ator Paulo Betti. Baseado na novela homônima escrita pelo inglês Henry James em 1903, A Fera na Selva segue um caminho completamente oposto ao de Como Nossos Pais, trazendo à tona a multiplicidade de olhares que obviamente também existe entre as realizadoras femininas. De veia assumidamente teatral e realização modesta, o filme acompanha um homem que, à espera de um grande acontecimento que o possa distinguir de todas as outras pessoas, esquece de viver o agora e as coisas simples da vida. Ao lado desse homem está Maria, vivida por Giardini, que decide acompanhá-lo nessa longa espera.
Em termos de representação feminina, Eliane, que também assina o roteiro do longa, enxerga A Fera na Selva como uma obra que pode ser reinterpretada através do ponto de vista histórico. “Maria é essa mulher do século passado que fica ao lado do homem e que se submete, servindo de confirmação para a história dele, como se essa fosse a única maneira de ela se sentir incluída em alguma coisa. Graças a Deus isso está mudando hoje em dia, mais do que nunca”, comemorou a atriz e diretora, em entrevista oficial ao evento serrano. É uma tomada de consciência fundamental para uma história como essa, uma vez que é comum observar, seja em produções brasileiras ou internacionais, especialmente nas assinadas por realizadores homens, o papel da mulher como mera escada para uma trajetória masculina, onde elas não têm personalidade nem vontades. Talvez A Fera na Selva se desenhe um pouco dessa forma, mas o olhar de Giardini para o filme que coloca na tela certamente faz a diferença para o que deve ser discutido – e questionado – em histórias que trabalham a dinâmica, especialmente a amorosa, entre homens e mulheres.
A inversão da força e o olhar rebuscado
Por falar nesse tipo de dinâmica, é especialíssimo o que estreante na direção de longas Caroline Leone faz em outro título apresentado em Gramado: o drama Pela Janela. Inspirando-se na história de um casal que conheceu em uma viagem, Leone narra os dias em que Rosália (Magali Biff) precisa superar a perda de um emprego de anos e reconstruir toda uma vida que até então dava como certa. Mas existe um detalhe fundamental que é invertido conscientemente pela diretora na versão cinematográfica: ao invés de colocar Rosália na estrada ao lado de um interesse romântico, ela faz com que a protagonista viaje com o irmão. A assumida decisão de Leone subverte a tônica tão presente em filmes estrelados por mulheres: aqui, Rosália encontra forças para recomeçar a partir do amor fraterno e de suas próprias reflexões interiores. O amor clássico pelo homem e sua dependência dele para recomeçar não fazem parte do retrato que Pela Janela faz de uma mulher ainda mais específica: a da terceira idade, nicho frequentemente ignorado nas telas do cinema. Por isso, novamente, faz toda a diferença a presença de uma cineasta como Caroline Leone para conseguir tornar as representações de um trabalho como Pela Janela uma realidade.
Camila Morgado vive uma jornada praticamente solo em Vergel, uma coprodução Brasil/Argentina que retrata os dias de uma mulher em pleno luto.
Não houve, entretanto, filme que explorasse os talentos e o universo feminino de forma tão radical na última edição de Gramado quanto Vergel, uma coprodução Brasil/Argentina sobre os dias de uma mulher sem nome que se encontra à beira da loucura após um luto repentino. É radical porque Vergel, dirigido e escrito pela argentina Kris Niklison, não faz concessões ao explorar a confusão entre o real e o irreal, além de acompanhar de forma microscópica a vivência de incômodos trâmites familiares e as primitivas pulsões sexuais de uma protagonista que praticamente se encarcera em um apartamento onde vive um profundo luto. Vergel é um filme praticamente solo, que disseca inúmeras camadas emocionais de uma personagem feminina que se destrói e se reconstrói ao longo de uma curta jornada – o filme se passa em questão de poucos dias -, mas que mergulha em sentimentos e reações que sugerem uma viagem interna infinitamente mais extensa.
A atriz Camila Morgado, que vive a protagonista de Vergel, disse, durante sua temporada em Gramado para promover o filme, que ter uma cineasta assinando a direção e o roteiro fez toda a diferença para a história. “Já nos ensaios eu via que ela tinha um olhar muito rebuscado em relação ao feminino. E quando vi o filme pronto, fiquei impressionada com o quanto ela filma bem essa figura feminina, o corpo dessa mulher que passa por tantas compulsões sexuais para de alguma forma perceber que ainda está viva”, atestou Camila. E é o que de fato está na tela: Kris captura um universo de luto com muita crueza e claustrofobia, além de um apuro estético raro ao escolher meticulosamente enquadramentos, tonalidades, figurinos e a própria observação física e emocional da protagonista.
Ser mais do que Angelina Jolie
Um dos responsáveis pela seleção dos longas em competição em Gramado, Rubens Ewald Filho toma como referência para o atual momento o cinema de grandes diretores como Bergman, Fellini e Antonioni, que sempre trabalhavam histórias com e sobre mulheres. Afinal, por que, hoje, nem mesmo os grandes diretores se interessam em exaltar ou criar novas musas? “Não entendo, porque acho que as mulheres são mais fortes, mais espertas, mais talentosas”, comenta o curador, jornalista e crítico de cinema. Rubens, que é um profundo conhecedor de cinema do ponto de vista jornalístico, mas também através de suas próprias experiências nos bastidores de produções audiovisuais nacionais e internacionais, aponta que, claro, o que leva à escassez do número de mulheres à frente de projetos é o fato dos homens ainda dominarem a coordenação de estúdios e orçamentos, onde, sendo mulher, “é preciso ser Angelina Jolie para abrir alguma porta e conseguir oportunidades. E, mesmo assim, não dúvidas de que até estrelas como ela ganham salários inferiores aos homens”.
Ao frequentar os estúdios de Hollywood e fazer a cobertura de diversos eventos do gênero em uma carreira com mais de quatro décadas de atuação, Rubens revela que, lá atrás, nos anos 1980, já perguntava por onde passava: por que há tão poucas mulheres diretoras, já que, desde o cinema mudo, elas sempre foram pioneiras? A resposta dada era sempre a mesma: um lacônico “não sei”. Ainda hoje, ele diz estar sem a resposta. “Arrisco a dizer que os homens não gostam de ser dirigidos por mulheres. Aliás, só uma delas ganhou o Oscar na categoria até agora [Kathryn Bigelow, em 2010, por Guerra ao Terror], e mesmo assim com muita dificuldade”, lembra. De qualquer forma, gostando ou não, como apontou Gramado em sua última edição e como registra uma importante e pioneira série de tendências, conquistas e movimentos em busca do protagonismo, chegou a hora de elas ocuparem seu devido espaço, dentro e fora das telas. Mais do que nunca, queremos ouvir suas palavras, seus sentimentos, suas expressões. Que o cinema ajude cada uma delas nessa linda jornada!
Cinema e Argumento 